27 de junio de 2010

Maria Schneider.



La compositora, arreglista y líder de orquesta, María Schneider, se traslada a New York en 1985, después de haber estudiado en las Universidades de Minessotta, Miami y la Escuela de Música Eastman. Inmediatamente de llegar a la "Gran Manzana", se pone en contacto con Bob Brookmeyer para profundizar en el estudio de la composición musical. Simultáneamente Gil Evans la contrata para colaborar con él. En éste sentido el papel de Maria fue notable en la composición de la banda sonora de la película " El color del dinero" y preparó la gira que Gil Evans realizó con el músico Sting en 1987.
Durante esos años, además, dirigió la música del propio Evans, y colaboró en trabajos musicales de Jon Faddis, Wallace Roney, Miles Evans o David Saborn. La Maria Schneider Jazz Orchestra nace como tal en 1993, con conciertos en la sala "Visiones" del barrio neoyorquino del Greenwich Village. En esta sala tocará ella y su orquesta todos los lunes por la noche durante cinco años ininterrumpidos. Estas actuaciones le sirven como "escaparate" y de ahí, recibe múltiples ofertas de contratos e invitaciones para participar en diversos festivales de jazz y salas de concierto en Europa, Brasil y Macao. Igualmente, María, recibe múltiples ofertas para dirigir e interpretar su música con diversas orquestas por toda América y Europa. Así, visita diversos países como Italia, Portugal, Francia, Países Nórdicos, Centro-Europa, Australia, Canadá, etc, e igualmente en su propio país.
La compositora empieza a recibir encargos de composiciones y arreglos de diversos músicos e instituciones como la Nortbotten Big Band y la Orquesta de la Radio de Dinamarca. Trabaja con Toot Thielemans, y recibe encargos de composiciones por parte de orquestas prestigiosas como la Orquesta de Jazz de Stuttgart, la Orquesta nacional de Jazz de Francia, Monterey, Universidad de Miami, o el prestigioso centro neoyorquino, Lincoln Center. En este tiempo Maria recibe un premio por una composición musical suya para una obra de ballet de Doris Duke, la composición se llamaba "Dossolution" y fue representada por el grupo Pilobolus en el Festival de Ballet del centro Kennedy. La dirección y la interpretación fue realizada por la propia Maria con su orquesta. Posteriormente participó en la confección de múltiples arreglos musicales para Iván Lins, Toots Thielemans, y para la Orquesta de Radio de Dinamarca, concretamente para la gira que esta orquesta realizó en el año 2003.
En el año 2004, ella y su orquesta dan una serie de cuatro conciertos en el Hunter College. De dicho Centro recibe el encargos de dos composiciones que se llamarán "Concert in the Garden" y "Sky Blue". "Concert in the Garden" dará título a su última obra en CD. Esta obra, que recibió un premio Grammy, fue realizada y producida exclusivamente por ella, mediante la innovadora empresa "ArtistShare". El debut en las grabaciones de Maria se produce con la obra "Evanescence", nominada para dos premios Grammy en 1.995. Su segundo y tercer álbum fueron "Comin´About" y "Allégrese". Con ellos recibió el premio Grammy al "Mejor Compositor" y la mejor "Big Band". Igualmente ha recibido múltiples premios de los lectores y críticos de revistas como "Downbeat" o "Jazztimes".
"Allégrese" permaneció durante bastante tiempo en el "top ten" del año 2000 de las revistas "Time" y "Billboard" respectivamente, dándose la circunstancia que la obra no quedo encuadrada en categoría musical concreta. Recientemente, "Concert in the Garden" ha recibido un premio Grammy en el año 2005, y se da la particularidad que es el primer disco vendido fuera de los cauces de distribución convencionales, no habiendo llegado a ser vendido en tiendas y siendo su tirada limitada. El medio exclusivo utilizado ha sido por correo e Internet, estando, al día de la fecha, todas las ediciones en soporte físico agotadas (series oro, plata y bronce).
Dada la filosofía que este sistema de distribución y venta tiene, el cual no es otro de que los beneficios producidos cubran los gastos y el dinero quede solo para los músicos (ella y su orquesta) la idea ha suscitado mucho interés entre los músicos, que ven un medio para poner sus obras en el mercado fuera de los círculos de la gran industria discográfica, las cuales se llevan la inmensa mayoría del "pastel" en los beneficios que la obra pueda producir. El resultado de esta experiencia es alentador, sobre todo para el consumidor final que ve como el producto vendido directamente por su autor, abarata el precio final del disco.
Los aficionados al jazz en España, esperan con interés y paciencia, el día en que María visite nuestro país por primera vez. Ésta biografía ha sido posible gracias a la valiosísima colaboración de mi amigo, Gabriel Bienzobas y su esposa que han traducido el texto, extraído en su mayor parte de la página web de María Schneider.

Red Garland.


Con 17 años el padre le enseñó a tocar el clarinete sin que en su infancia demostrara alguna inclinación por la música. Su verdadera pasión era el boxeo. Tuvo de maestro musical a A. S. Jackson que tampoco supo sacar de él toda su valía. Más tarde conoció a Buster Smith, y de ahí nació su afición al saxo alto. Sus lecciones con Buster dieron el fruto apetecido por sus padres y consiguió aprender música y a interpretar el blues. Fue en 1947, en su época de alistamiento en el Ejército norteamericano, cuando empezó a tocar el piano escuchando atentamente los discos de Count Basie y Nat King Cole en los juke-boxes del cuartel.
Empezó a interesarse a fondo por el jazz y estudió a los pianistas clásicos del swing, como James P. Johnson, Art Tatum, Teddy Wilson y Count Basie. Paralelamente su afición al boxeo le llevó a disputar algunos combates en el peso welter, donde llegó a disputar 31 combates. En 1944 obtuvo un contrato en el "Rose Room" de Dallas para tocar con la orquesta de quien fue su primer maestro, Buster Smith. Por recomendación de este, Garland fichó en el grupo de Hot Lips Page dando comienzo a partir de ese momento la meteórica carrera de Red Garland como pianista de jazz. Actuó en el Apollo de New York en 1945 y tras la disolución de la orquesta de Page se unió durante seis semanas a la de Billy Eckstine donde coincidió y entabló amistad con Charlie Parker, Dexter Gordon, Dizzy Gillespie y todos los músicos del bebop de aquella época.
Entre 1947 y 1949 fue el pianista del club "Down Beat" de Filadelfia y tuvo la fortuna de tocar en el quinteto liderado por Charlie Parker, con el trompetista, Fats Navarro, el saxofonista tenor, Ben Webster y también con John Coltrane. Su apodo de "Red" le vino como consecuencia de una temporada en la que estuvo con el pelo teñido de rojo. En 1949 es llamado por Coleman Hawkins para ocupar el puesto de pianista en su combo y en ese tiempo coincidió y toco con Lester Young. En 1956 dejó a Coleman Hawkins y se trasladó a Boston con un contrato para tocar en los famosos clubes de aquella ciudad. "Storyville" y "Haig Hat". En junio de 1955, Miles Davis le invita a formar parte de su quinteto donde coincidió con John Coltrane, Paul Chambers, y Elvin Jones. Durante los cuatro años que Garland estuvo en el quinteto de Miles Davis, se grabaron algunas de las piezas más representativas de la obra de Miles.
En 1959 decidió formar un trío cuando dejó el grupo de Miles Davis, pero su fracaso fue rotundo y no remontó el vuelo hasta 1966. Red Garland fue uno de los grandes pianistas del jazz de todas las épocas y uno de los grandes de ese instrumento en el jazz moderno.

Dean Martin.


Dean Martin, nacía el 17 de julio de 1917 en la localidad de Steubenville, estado de Ohio, en el seno de una familia de inmigrantes italianos. De nombre real, Dino Paul Crocetti, poco amante de los estudios, pronto abandonó el colegio y se propuso ganarse la vida en lo que fuese; así trabajó desde su adolescencia en diferentes oficios como peón, vendedor de combustible en una gasolinera, crupier de casino e incluso boxeador, peleando (con algún éxito) con el apodo de "Kid Crocetti".
Al mismo tiempo, Dean Martin se fue introduciendo poco a poco en los "nightclubs" como cantante, actuando junto a la orquesta de Ernie McKay, bajo su nuevo apelativo de Dino Martin. En una de sus actuaciones, que compaginaba música y humor, coincidió con un cómico que intentaba también abrirse camino en el ámbito del espectáculo, su nombre era Jerry Lewis. Los dos se hicieron muy amigos, lo que les llevó a actuar como pareja en 1946 en el club "Atlantic City", consiguiendo con su hilarante química despertar el entusiasmo entre el público asistente. Poco después debutarían en la radio y en 1949 firmaron con los estudios Paramount para protagonizar su primera película juntos, "My friend Irma" (1949), un título dirigido por George Marshall y que sería el comienzo de una larga serie de éxitos cinematográficos.
La larga amistad culminó después del rodaje de "Loco por Anita" y la pareja rompió su exitosa colaboración artística para iniciar su carrera en solitario, en la cual diversificaría mucho más sus papeles, demostrando un sorprendente talento para la interpretación dramática. Además continuó grabando discos y consiguiendo éxito con temas clásicos del pop como "Volare" o "Everybody loves somebody". Sentimentalmente hablando, antes de la llegada de los 60 se había casado ya en dos ocasiones, la primera con Betty MacDonald en 1940, de quien se divorció en 1949; y la segunda en 1949 con Jane Biegger, su relación más duradera con la que estuvo hasta 1973. A partir de los años 50, Dean Martin, formó parte de un grupo de actores y cantantes, liderado por Frank Sinatra y que todo el mundo conocería como el "Clan Sinatra" y vulgarmente "rat pack", (La banda de las ratas). Eran amantes de la juerga y la buena vida y se vanagloriaban de tener contactos muy estrechos con el mundo de la mafia.
Dean Martin, llegó a ser un cantante muy popular y su escasa relación con el jazz, al que se acercó muy brevemente, pero con corrección apreciable -su álbum "Swingin' Down Yonder" para Capitol de 1954 es un buen ejemplo de ello- no es óbice para que mantuviera una presencia constante e ineludible en el mundo del show business estadounidense de los años 50 y 60.

Lou Donaldson.

Saxofonista y cantante. Comenzó a estudiar clarinete a la edad de 15 y siguió recibiendo clases cuando se unió a la marina. Después de tomar el saxofón alto se presentó en una banda armada con Willie Smith, Clark Terry , y Ernie Wilkins.
Él grabó con Milt Jackson y Thelonious Monk (ambas 1952) y como el líder de varios grupos pequeños, y entre sus acompañantes fueron Blue Mitchell , Horace Silver y Art Blakey (todo 1952), y Clifford Brown y Philly Joe Jones (1953) .
En 1954 él y Brown se incorporó a Mensajeros Blakey's Jazz. Continuó para dirigir grupos pequeños, principalmente en el este de los EE.UU.; él se realizó en Estocolmo (1965) y giras y grabaciones en Europa (1981-82).
Sus primeros trabajos para Blue Note (1952-1962) mostró su impresionante dominio del estilo bop, "Groovin High" de 1957 [ mp3 ], pero cuando en 1963 comenzó a grabar para Argo (más tarde rebautizada Cadete), que se especializó en el funk , algunos de sus chispa creativa parecía ser sacrificado a la necesidad de éxito comercial.
Después regresó a Blue Note (1967), sin embargo, hizo una serie de grabaciones (de 1975) en el que logró una mezcla exitosa de los elementos de los dos estilos, en la década de 1980 una vez más concentrado en la balanza de pagos. Donaldson tiene una técnica deslumbrante y en su mejor momento es un fuerte jugador de inventiva y expresiva.
- LAWRENCE Koch, el New Grove Diccionario de Jazz.

Lou Donaldson, encarna con bastante fiabilidad, el tipo de instrumentista asociado a un sonido -el funk- y a un sello discográfico - Blue Note -. Donaldson es efectivamente, uno de los padres de ese sonido característico del jazz del último cuarto del siglo XX y su sonido está cálidamente enraizado en el blues. Si a ello se le une una magnifica capacidad técnica, y un dominio absoluto del saxo, podemos afirmar que Lou Donaldson, es uno de los grandes saxofonistas de jazz vivos en la actualidad y forma junto a estrellas consagradas del jazz como Art Blakey, Lee Morgan, o Horace Silver de la nomina de músicos estables de la Blue Note.
Su legado discográfico es abundante y afortunadamente, está siendo objeto de una amplia política de reediciones promovida por la Blue Note y en ellos es fácilmente comprobar cómo sus colaboraciones con los "Jazz Messengers" de Art Blakey o con el propio, Thelonious Monk son joyas musicales que perduran en el tiempo y en el recuerdo de los buenos aficionados. Tras una prolongada ausencia de la actualidad del jazz en los años ochenta y noventa, la recuperación de este músico en los últimos años del siglo XX y primeros años del presente, nos confirma que Donaldson vive una segunda etapa, más creativa si cabe que la anterior, más madura y más lírica y son celebres sus colaboraciones con el organista, Jimmy Smith o el guitarrista, Grant Green.


McCoy Tyner.

Pianista y compositor norteamericano, McCoy Tyner tuvo la fortuna de que su madre, pianista, le estimulara en sus comienzos y desde 1953 dirige su propia formación de jóvenes músicos. Vecino de los hermanos Powell, Richie y Bud, perfecciona con ellos el conocimiento de la armonía y del uso de los pedales. A mediados de los años 50 trabaja también con orquestas de Philadelphia, una ciudad particularmente viva desde el punto de vista de la improvisación musical gracias a la presencia en ella de instrumentistas tan sólidos como, Lee Morgan, Benny Golson o Helen Grimes. Durante este período acompaña a solistas de peso como Kenny Dorham, Jackie McLean, Benny Golson, Sonny Rollins o Max Roach. En 1956 conoce a John Coltrane, con quien toca en el "Red Rooster" durante una semana. Compone para el saxofonista, "The Believer", una de sus composiciones, y éste la graba al año siguiente.
En 1959, ofrece algunos conciertos en San Francisco con Art Farmer y Benny Golson, quienes le contratan en el seno del "Jazztet", grupo con el que graba su primer disco. A continuación vuelve a encontrarse con Coltrane (1960-1965), ingresando en su cuarteto en sustitución de Steve Khun. Paralelamente grabaría como líder, a lo largo de estos seis años, varios álbumes con otros músicos: Roy Haynes, Clark Terry, Thad Jones, etc. Coltrane encontró en Tyner el tipo de pianista que a modo y semejanza de Bill Evans, se manejara con comodidad y soltura en el ámbito del jazz modal. En 1962, McCoy Tyner grabó para "Impulse!" su primer disco como líder, el titulado "Inception", con Art Davis al contrabajo, y Elvin Jones a la batería.
En 1963, Tyner resultó vencedor en el referéndum anual de la revista "Donw Beat" dentro de la categoría de "newstar" y sus discos para "Impulse!", una vez fuera del grupo de Coltrane en esos años, son todos excepcionales destacando por su brillantez: "Night of Ballads & Blues" (Impulse, 1963) y "Live in Newport", tambien en ese mismo año. En 1966 funda su propio trío, e inicia una carrera como freelance que lo conduce a los confines del mundo y a tocar con los músicos más diversos y en 1967, firmó un contrato con la Blue Note, y en su debut discográfico con el sello azul, dejó un extraordinario álbum titulado: "The Real McCoy".
Tras su paso por Blue Note, y consagrado como uno de los grandes pianistas del hardbop, McCoy Tyner, firmó por el sello Milestone y ese mismo año graba una obra maestra titulada: "Sahara" considerado por Down Beat, como el mejor disco de jazz del año. En 1973, graba otro extraordinario disco "Enlightment" y sus contratos se multiplican por todo el mundo. En 1978 forma parte de una gira de "All Stars" del sello Milestone junto a Sonny Rollins, Ron Carter y Al Foster, y graba uno de los grandes discos en directos del jazz moderno. En 1987 es, evidentemente, uno de los principales músicos de una gira internacional en homenaje a Coltrane y se presenta en trío con el contrabajista, Avery Sharpe, y el baterista, Louis Hayes.
McCoy Tyner, no solo es un extraordinario pianista, y extraordinario representante del estilo modal, sino que por la delicadeza de su toque, por la búsqueda de una sonoridad siempre brillante y el carácter ornamental de sus improvisaciones, es uno de los grandes músicos de jazz moderno. El rol que desempeñó en el seno del cuarteto de Coltrane, le ha marcado, sin duda, de forma irreversible, y siempre para bien: el pianista del sosiego, la suavidad, la serenidad y la certeza; lo contrario de los furores inquietos de su líder.


Cannonball Adderly.


Julián "Cannonball" Adderley, nació en Tampa (Florida), en 1928. Sus primeros comienzos con la música fueron cuando cursaba estudios en el instituto de su ciudad donde aprendió a tocar el saxofón alto. Dirigió varias orquestas estudiantiles en Fort Lauderdale antes de ingresar en el servicio militar.
En 1955, decidió unirse a su hermano, el cornetista, Nat Adderley que ya era músico profesional en la orquesta de Lionel Hamptom. Pocas semanas después, consiguió un trabajo con Oscar Pettiford y un contrato para grabar con la discográfica Savoy. Ese fue el embrión de su quinteto con su hermano que sin éxito se disolvió poco después. En el otoño de 1957, Julián "Cannonball" Adderley, se unió al quinteto de Miles Davis en lo que fue un paso decisivo y trascendental en su carrera. El quinteto de Miles, se convirtió rápidamente en sexteto, tras la incorporación del saxofonista tenor, John Coltrane. En aquella época, Cannonball, graba varios discos de referencia absoluta con el grupo de Miles, entre ellos la obra maestra absoluta: "Kind Of Blue".
Ya en 1959, Adderley abandona el grupo de Miles Davis, y vuelve junto a su hermano, Nat,, a formar otro quinteto y como instrumentista destacado, incorpora al pianista, Bobby Timmons, un músico clave para el desarrollo del quinteto y que aportó con sus composiciones, la marca de fábrica del llamado soul-jazz, que aupó al estrellato al grupo. Esta formación en quinteto, ampliado ocasionalmente a sexteto con las incorporaciones de Charles Lloyd y Yusef Lateef, fue el vehículo fundamental para la música de Julián Adderley para el resto de su vida.
En 1967, grabó uno de sus discos de referencia absoluta, titulado: "Mercy, Mercy, Mercy". Se convirtió durante la década de los setenta en un cazatalentos para los sellos: Riverside y Columbia, incorporando a Riverside, al entonces guitarrista desconocido, Wes Montgomery, y también forzó a Columbia a contratar al genial pianista, Bud Powell.
Julián "Cannonball" Adderley, fue uno de los músicos más claros y expresivo de su generación y fue una figura extremadamente popular hasta su muerte, acaecida en 1975 a causa de un infarto.

Art Pepper.

Nacido en Gardena (California) en 1925, tras aprender el clarinete a los 9 años y pasar al saxo alto con 13, participa en orquestas como las de Lee Young y Benny Carter, en la zona de Los Ángeles. Gracias a éste último, pasó a formar parte de la célebre orquesta de Stan Kenton, con quien participa en su primera grabación discográfica. Se casa con Patti Moore a la edad de 17 años y cuando todo parece funcionar a la perfección, es llamado a filas por el Ejército Norteamericano y parte hacia Inglaterra, para volver en 1946 donde vuelve a tocar junto a Stan Kenton, con quien permanecería hasta 1952. Entre 1952 y 1954 grabó con mucha frecuencia para el sello Savoy, primero en compañía de del pianista, Russ Freeman y en agosto del 54, con el saxofonista, Jack Montrose. Al mismo tiempo que su reputación aumenta, se dedica con tanta pasión a la música como a las mujeres y a la heroína, que acaba de descubrir. Su dependencia es tal que su familia se ve obligada a hipotecar su vivienda para tratar una desintoxicación. Los resultados no son los esperados, aparte de ser detenido por posesión de estupefacientes. Pasará casi dos años (entre 1953 y 1954) entre la prisión de Los Ángeles y el hospital de Forth Worth, comenzando así un autentico calvario en su vida.
Durante su estancia en prisión, la relación sentimental con su mujer se degrada hasta el punto que se divorcian. A su salida graba junto a Jack Montrose, pero no tarda en volver, para una temporada de 9 meses, a la prisión de Los Ángeles, tras una inspección policial en su apartamento. Tras una ausencia de 20 meses, Pepper reaparece en los escenarios. Ha unido sus esfuerzos junto a los del compositor y arreglista y saxofonista tenor Jack Montrose y va a grabar, trabajar y hacer giras con el nuevo cuarteto de éste ultimo. Su segunda esposa, le presentó a Lester Köenig, responsable de Contemporary Records con quien grabaría varios álbumes extraordinarios como "Art Pepper + Eleven" considerado uno de los discos emblemáticos del movimiento cool o "Meets the Rhythm Sección" y "Gettin' Together" con las secciones rítmicas de Miles Davis. Nuevamente es detenido por su adicción a las drogas en 1960 y le condenan a ingresar en la peor de las prisiones norteamericanas: San Quintín.
Pasará tres años en San Quintín (entre 1961 y 1964). Durante este tiempo descubre a Ornette Coleman y John Coltrane. A su salida contacta con su amigo Shelly Manne y vuelve a los escenarios, y aunque no graba en ninguna discográfica, afortunadamente existe un documento excepcional, editado por Fresh Sound, "Art Pepper Quartet´64- In San Francisco" donde puede escucharse a un Art Pepper muy influenciado por Coltrane. En los primeros años de la década de los setenta, Art Pepper hace un serio esfuerzo por desintoxicarse e ingresa por propia volunta en una clínica de Santa Mónica en un estado de salud lamentable; apenas había sobrepasado los 40 años. Allí estuvo durante tres años y a su salida, muy recuperado pero no limpio del todo, mostró una sorprendente naturalidad para conservar su creatividad con el instrumento, el cual no había tocado en todo ese tiempo. No había pisado en todos esos años un estudio de grabación, pero su creatividad y su sonido permanecían intactos sorprendiendo a propios y extraños, constituyendo uno de los casos más extraordinarios de recuperación de un músico para el jazz.
En 1975, y cuando ya nadie apostaba por él, Contemporary sacó un nuevo disco de Pepper, titulado: "Living Legend" con una portada que refleja la imagen de un hombre castigado por la vida y las drogas, con su cuerpo lleno de tatuajes y cicatrices. El contenido musical de ése disco hiela la sangre; la música es la misma, el sonido, la articulación, el ataque del instrumento..todo es como antes del horror de la cárcel; es su vida y el artista no quiere esconderla. En 1978, graba para el sello Galaxy, "Today", su obra maestra en las postrimerías de su carrera; un disco perfecto y en la portada del álbum, otra vez, la mirada de un hombre marcado por el sufrimiento, el aislamiento y la ausencia de alegría. Cuatro años más tarde, Art Pepper murió tras permanecer más de una semana en coma en un hospital víctima de una hemorragia cerebral.

Grant Green.

Grant Green, (1931-1979) fue uno de los guitarristas emblemáticos del jazz funk de los años sesenta y uno de los músicos emblemáticos del sello Blue Note en ese instrumento. Tras sus inicios en diversas formaciones de jazz y de rhythm and blues, el saxofonista, Lou Donaldson, le introdujo en el legendario sello azul como solista y también de acompañante de músicos importantes de la época además del propio Donaldson como fueron: Stanley Turrentine, Lee Morgan, Herbie Hancok, o el organista, Jimmy Smith. Fue precisamente su habilidad para acompañar a diversos organistas de jazz como: Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette o la extraordinaria, Gloria Coleman, lo que le abrió las puertas de la fama en el jazz y le convirtió en un reputado instrumentista.
Su estilo a la guitarra es de una solidez rotunda y en su sonido resuenan con nitidez los ecos del bebop, del blues y también del soul, en una rica amalgama siempre ingeniosa y eficaz de la que en los últimos años se han apropiado numerosos músicos de Rap o de acid jazz. Sus serios problemas con la droga truncaron rápidamente su carrera en los años setenta falleciendo al final e aquélla década con solo 48 años de edad. Grabó a pesar de su corta carrera más de una veintena de discos a su nombre siendo el más popular de ellos el titulado: "Idle Moments" grabado en 1963 para Blue Note.


Green nació el 6 de junio de 1935 en San Luis. Su primera actuación como profesional se produjo a los 13 años. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker, y su primer estilo fue el boogie-woogie, antes de llegar al jazz. Su primera grabación en San Luis fue con el saxo tenor Jimmy Forrest para la compañía Delmark. El batería de la orquesta era Elvin Jones, más adelante acompañante de John Coltrane. Grant grabaría de nuevo con Elvin a comienzos de los sesenta. Lou Donaldson descubrió a Grant tocando en un bar en San Luis. Tras realizar una gira junto a él, Grant llegó a Nueva York entre 1959 y 1960.
Lou Donaldson presentó a Grant a
Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado con Grant que, antes que probarlo como acompañante, como era lo habitual en el sello, Lion lo situó para grabar como líder, estatus que se mantuvo con pocas excepciones durante los años sesenta. De 1961 a 1965 Grant se convirtió en uno de los músicos con mayor número de grabaciones para la compañía. Su primer disco como líder fue Grant's First Stand. El mismo año publicó Green Street y Grantstand. Al tiempo, acompañaba a otros músicos de Blue Note, entre los que se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, y organistas como Larry Young. Grant fue elegido como la mejor estrella emergente en la encuesta entre los críticos de Down Beat en 1962. Como consecuencia de ello, su popularidad se extendió más allá de Nueva York.
Sunday Mornin' , The Latin Bit y Feelin' the Spirit son todos ellos ejemplos de discos conceptuales, cada uno con un estilo diferente:
Gospel, Latín and espiritual. Grant trabajó siempre el éxito comercial con el éxito artísticos, como es el caso de Idle Moments (1963), acompañado de Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y de Solid (1964), con la sección rítmica de Coltrane, ambos discos considerados como de las mejores obras de Grant. Muchas de las grabaciones del guitarrista no fueron editadas en vida, como es el caso de Matador, en la que Grant está acompañado otra vez por la sección rítmica de Coltrane, y una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark.
En
1966 Grant abandonó Blue Note y grabó para otros sellos, entre ellos Verve. Entre 1967 y 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales y a los efectos de su adicción a la heroína. Durante ese periodo, Wes Montgomery consiguió un gran éxito y George Benson se convirtió en una prometedora estrella; los dos reflejan influencias estilísticas de Green.
En 1969 Grant regresó con un grupo con influencias
funk. Sus grabaciones de este periodo incluyen la comercialmente exitosa Green is Beautiful y la banda sonora de la película The Final Comedown. Grant abandonó Blue Note otra vez en 1974 y sus grabaciones siguientes son consideradas habitualmente como comerciales.
Grant estuvo a lo largo de 1978 en muchas ocasiones en el hospital y frente al consejo médico salió de él para conseguir sanear su economía. Cuando estaba en Nueva York tocando junto a George Benson, murió tras sufrir un ataque al corazón en el interior de su coche el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de San Luis; tuvo seis hijos.



Stan Kenton.

Stan Kenton (1911-1979), evidenció desde pequeño su pasión por el jazz. Sus modelos eran, el pianista, Earl Hines y el saxofonista, Benny Carter, un gran arreglista de la era del swing. Desde 1933, año en que comenzó a trabajar profesionalmente, hasta 1940, anduvo deambulando por distintas orquestas de jazz en diferentes estados americanos, destacándose principalmente en la bigband de Vido Muso, un saxofonista tenor de calidad contrastada.
Cuando tuvo la oportunidad de dirigir su propio grupo, tuvo la valentía de incorporar a una cantante blanca de jazz llamada, Anita O'Day, con la que obtuvo un éxito impresionante, hasta el punto de convertirse en la mejor bigband blanca de su época, al nivel incluso de la del gran Woody Herman. Kenton, al frente de su orquesta, intentó fusionar la música clásica europea y la tradición jazzistica. De ese esfuerzo y enorme trabajo, quedó entre 1947 y 1956, infinidad de discos interesantísimos y de incuestionable sabor jazzistico, y además sacó a la luz, un par de cantantes blancas extraordinarias: la ya citada, Anita O'Day y poco después para sustituirla, a la magnífica, June Christy.
En ese periodo grabó para Capitol, el corpus musical más interesante de su carrera recogido en varios Lp's y recopilados en un cofre de cuatros compactos reeditados por el sello Capitol en 1994, su "alter ego" fue el arreglista, Pete Rugolo, un músico extraordinario nacido en Sicilia y educado en los Estados Unidos, que cumplió con Kenton, un papel análogo al que hizo, Billy Strayhorn con Duke Ellington. A partir de 1947, en la música de Stan Kenton, hubo de todo; desde el impresionismo debussiano, hasta el expresionismo de Stravinsky, pasando por la grandilocuencia wagneriana e incluso los ritmos y sonidos latinos del cono sur americano.
En 1953, Kenton y su orquesta, viajaron a Europa y aunque el recibimiento en Paris fue extraordinario, la apoteosis de la orquesta se produjo en Dublín, donde hubo incluso manifestaciones públicas de sus fans por las calles dublinesas. En 1958, después de dos o tres años con la orquesta languidecida, un concierto en el "Rendez Vous Ballroom" de la localidad californiana de Balboa Beach, recuperó la orquesta a los niveles de los días de los grandes éxitos. Parecía que Kenton volvía a recuperar el tiempo perdido, pero la deserción de algunos de sus mejores solistas, hizo que aquel lucimiento fuera efímero.
Durante casi veinte años mas, Kenton continuará experimentando y ensayando con su laboratorio-orquesta (en muchas ocasione formadas con músicos recién graduados de la Universidad), los sonidos más dispares, pero una fractura de cráneo le apartó del jazz, muriendo el 25 de agosto de 1979. Por sus pupitres pasaron la flor y nata del jazz de la Costa Oeste americana: Conte Candoli, Art Pepper, Zoots Zims, Shelly Manne, Mel Lewis, Bud Shand etc, etc.
Hoy a Stan Kenton, con la perspectiva que da el tiempo, se le reconoce la capacidad para generar espacios creativos, creador de sonidos nuevos y haber sido un líder de orquesta carismático e inventivo.

Dizzie Gillespie.

John Birks Gillespie, fue el menor de los nueve hijos de una familia donde su padre, albañil de profesión, tocaba el piano en una orquesta de aficionados. Su primer instrumento fue el trombón pero desistió pronto dada la corta longitud de sus brazos, lo que le impedía alcanzar todas las notas. A los catorce años empezó a practicar con una trompeta de un vecino y su afición por el que sería el instrumento donde paso a la gran historia del jazz comenzó en serio hasta conseguir una beca para estudiar armonía y teoría musical en el Laurinburg Institute de Carolina del Norte. Tras instalarse su familia en Filadelfia en 1935, obtuvo un puesto en la orquesta de Frank Fairfax, donde por aquel tiempo tocaba el dotado trompetista, Charlie Shavers, quien compartía trío además con un ídolo del propio Gillespie: Roy Eldridge.
Como tantos otros jóvenes, Gillespie se fue a New York y allí conectó con la orquesta de Teddy Hill, y en una sesión de pruebas de la orquesta, y dado su carácter alocado, Hill le puso el sobrenombre que ya nunca le abandonaría de por vida y por el que sería conocido en la historia del jazz "Dizzy" que quería decir "alocado"· Su estreno con la orquesta de Teddy Hill, consistió en una gira europea en 1937 y allí ejecutó su primer solo en el tema "King Porter Stomp" dando pruebas en aquel entonces, de una gran inmadurez musical. A su regreso a New York, la banda firmo un contrato en la famosa sala "Savoy Ballrom" y las cosas comenzaron a ir mejor, sobre todo con la inclusión en la banda del batería, Kenny Clarke.
Es en 1939, cuando Dizzy tiene su primer encuentro jazzistico con auténticos pesos pesados del jazz, como el vibrafonista, Lionel Hamptom, el saxo alto, Benny Carter, y tres formidables saxos tenores: Coleman Hawkins, Ben Webster y Chu Berry. El resultado fue que su estilo llamó la tensión de aquellos músicos que le pronosticaron un futuro prometedor. Al tiempo, su jefe, fue nombrado manager del célebre club "Myntons Playhouse", localizado en los bajos del Hotel Cecil en la calle 118 Oeste de Harlem. Un hecho que más adelante cobraría un enorme significado, en la historia de Dizzy y en la del jazz.
Recomendado por el trompetista cubano, Mario Bauzá, Gillespie entró a formar parte de la orquesta de Cab Calloway donde nunca se encontró a gusto dado el estilo de música que hacia el excéntrico showman. Pero el hecho que le cambió la vida y la música a Gillespie, fue el primer encuentro con el saxo alto, Charlie Parker, su autentico "alter ego". Tuvo lugar en Kansas City, cuando ambos pasaron a formar parte de la banda de Earl Hines, a principios de 1943. Allí empezaron a elaborar música de gran calidad y con una estética muy próxima a lo que muy pronto se llamaría bebop. En 1944, la Calle 52 de New York, se había convertido en la Meca del jazz, y en menos de dos manzanas, había nueve club que ofrecían música de alto nivel y además el Minton's, seguía en pleno auge, celebrando históricas jam session, animadas por el grupo del batería, Kenny Clarke, el saxofonista, Don Byas, el pianista, Thelonius Monk y cómo no, Dizzy Gillespie y Charlie Parker, que venían desarrollando el nuevo idioma musical.
Al tiempo que el bebop germinaba en los sótanos de Harlem, el que fuera vocalista en la orquesta de Earl Hines, Billy Eckstines, se lanza a la aventura de lanzar su propia orquesta y la convierte en la primera bigband del bebop. Dizzy fue su director musical y en ella se encontraban algunos de los jóvenes valores del momento: Charlie Parker al saxo alto, la cantante Sarah Vaughan, el saxo tenor, Gene Ammons, el batería, Art Blakey, etc. La orquesta de Eckstine era el laboratorio ideal para los boppers en busca de trabajo pero pronto Dizzy la abandonó en busca de aventuras musicales más reducidas. Así forma un cuarteto con el contrabajista, Oscar Petifford, para cumplir un contrato en el club "Onyx" y en aquélla época, justo en 1945, Gillespie estaba consolidándose como la estrella del nuevo movimiento musical. Dizzy era de ideas fijas y siempre tuvo entre cejas la idea de formar su propia orquesta que formó en 1946 con la ayuda de varios músicos que creían en su proyecto. En 1947, la revista "Metronome" le nombró mejor trompetista del año, por delante de su ídolo, Eldridge y la RCA le ofreció un sustancioso contrato. Por aquélla época y dada la afición de Dizzy por los ritmos caribeños, llevó a su banda por aquellos derroteros grabando entre otros grandes éxitos, el celebérrimo "Manteca".
Se va a Europa de gira en 1948 y a la vuelta es asesinado en Harlem su percusionista, Chano Pozo. Disolvió la banda en 1950 y sus pasos se dirigen hacía las grabaciones en estudio con Charlie Parker, Bud Powell, Monk y otros músicos afines grabando una serie de discos magníficos. En 1953 participa en Toronto en el conocido concierto del siglo en el Massey Hall junto a las grandes estrellas del bebop, Charlie Mingus incluido, que grabaría aquélla histórica sesión para su recién inaugurado sello "Debut". Actúa en el primer festival de Newport, imparte enseñanzas en la "Lenox Shool of Music". Las giras con la JATP de Norman Granz, se suceden y en 1956, el Departamento de Estado, le confía la labor de actuar como embajador musical de los EE.UU. por Oriente Medio, Grecia, Yugoslavia y finalmente Sudamérica en una banda formada expresamente para la ocasión y en que Quincy Jones y Norman Granz, le ayudan a organizarla hasta el punto de que alguna vez declaró que aquélla banda fue la mejor que tuvo.
Los sesenta y la bossa nova también llamaron la atención de Dizzy que incluiría algún tema en su repertorio. En los setenta forma parte de los "Giants of Jazz" formación estelar reunida por el productor, George Wein, para una serie de giras. Su actividad fue decayendo con los años pero todavía tuvo tiempo de grabar en 1989 un interesante disco a dúo con el batería, Max Roach, en un concierto en Paris. Dizzy Gillespie, murió en 1993 y con su muerte se perdió a un inigualable instrumentista que con una destreza superlativa, consiguió personalizar un fraseo cargado de arabescos y apoyado en la que fue una nueva forma de enfocar la armonía. De su pluma han salido temas tan famosos como "Salt Peanuts"; "Groovin' High"; "Be-Bop"; "A Night in Tunisia" y muchísimas otras extraordinarias composiciones que han dado larga gloria al jazz. Dizzy Gillespie hizo y hace feliz a mucha gente con su música.

Kenny Kirland.


El pianista Kenny Kirkland fue encontrado muerto en su apartamento de Queens, New York, en la madrugada del día 13 de Noviembre. La causa del fallecimiento, aunque no confirmada oficialmente, parece guardar relación con su adicción a las drogas. Buen modelo de acompañante, fue un pianista ágil y delicado, sobre el que planeaba en especial la sombra de Herbie Hancock, al que precisamente iba a estar dedicada la semana de actuaciones que iba a iniciar en estos días en un club neoyorquino.

Nacido el 28 de Septiembre de 1955 en Brooklyn, New York, había comenzado a tocar el piano a los seis años. Estudia composición y piano clásico en la Manhattan School Of Music, pero comienza a interesarse por la música negra: James Brown, Sly Stone, The Temptations. La escucha de "Headhunters", de Herbie Hancock, atrae su atención hacia el jazz, y así escucha a Wynton Kelly, Bud Powell, Bill Evans, Chick Corea, Keith Jarrett...

Sus primeros contactos con otros músicos ocurren en jam-sessions organizadas en los "lofts", en las que conoce a Branford Marsalis. Su primer trabajo profesional llega con una gira europea del violinista de fusión Michal Urbaniak en 1977. Con él graba los discos "Urbaniak" y "Daybreak". De vuelta a New York trabaja con Miroslav Vitous y participa en sus discos para ECM "First Meeting" y "Miroslav Vitous Group".

A comienzos de los 80 y tras acompañar por Japón al trompetista Terumasa Hino, comienza su asociación con Wynton Marsalis. Cuando éste inicia su carrera tomando como punto de partida el quinteto de Miles de los 60, Kirkland parece la elección ideal para ocupar el lugar de Herbie Hancock. En el debut discográfico de Wynton se alterna precisamente con el propio Hancock, y continúa como miembro fijo de su banda en los tres discos siguientes: "Think Of One", "Hothouse Flowers" y "Black Codes (From The Underground)".

Cuando abandona al trompetista se une al grupo de su hermano, Branford Marsalis, con el que graba los discos: "Royal Graden Blues", "Renaissance", "Random Abstract", "Crazy People Music" y "I Heard You Twice The First Time". De la mano del saxofonista se integra en la banda del programa televisivo de la NBC "The Tonight Show". Durante todo este tiempo colabora además con Dizzy Gillespie, Elvin Jones, John Scofield, Kenny Garrett, Carla Bley, Chico Hamilton, Dave Liebman, Dewey Redman...

Aparte de su faceta estrictamente jazzística no le hace ascos a los teclados eléctricos y sintetizadores y no duda en acompañar a cantantes de pop y soul. El caso más notorio fue la incorporación junto a Branford Marsalis, Darryl Jones y Omar Hakim, a la banda del cantante Sting, cuyo disco "Dream Of The Blue Turtles" y la subsiguiente gira plasmada en "Bring On The Night" le valen un suculento éxito y las iras de los puristas encabezados por el propio Wynton Marsalis. Su colaboración con la estrella británica se prolonga en los discos "The Soul Cages" y "Mercury Fallen".

En 1991 graba su único disco como líder para el sello GRP, al que siguen dos registros en trío a nombre de Jazz From Keystone para el sello Sunnyside. Sus últimas grabaciones corresponden a los discos de próxima aparición de Branford Marsalis y Jeff "Tain" Watts en el sello Columbia.

Horace Silver.


El pianista, Horace Silver, inició sus estudios musicales en el bachillerato tocando el saxo al tiempo que estudiaba piano con un organista de Iglesia. Mientras actuaba de joven en el club "Sundown" de la localidad de Hartford, fue escuchado por Stan Getz, que le ofreció un contrato en su quinteto. Seis meses después hizo su debut discográfico junto a músicos de la talla de Jimmy Raney, Tommy Potter y Roy Haynes. En 1951, Horace Silver, se afincó en New York y pasó ese año y el siguiente tocando como sideman al lado de los grandes del jazz.
Pero en 1954, llega el pistoletazo de salida para su fama. El 13 de noviembre de aquel año, en los estudios de la Blue Note tuvo lugar una grabación histórica en la historia del jazz y Horace Silver iba a ser protagonista directo de la misma. En aquel tiempo, Alfred Lion, el propietario del sello, había propuesto a Silver la grabación de un disco y, curiosamente, le dejó elegir a sus acompañantes. El pianista, pese a su juventud, no se amilanó y propuso a los mejores músicos a los que conocía y admiraba: Hank Mobley como saxo tenor, Doug Watkins en el contrabajo, Kenny Dorham a la trompeta y Art Blakey en la batería. Lion aceptó la formación y contrató a todos, lo que dio lugar al nacimiento de los "Jazz Messengers", toda una institución musical que dio al movimiento hardbop, muchos años de gloria. Producto de aquel encuentro se editó la piedra fundacional del hardbop en el disco "Horace Silver and the Jazz Messengers" (Blue Note, 1955) conteniendo la sesión ya citada y otra realizada el 6 de febrero de aquel mismo año. Este álbum supone, para muchos, el salto de Silver desde la tradición bebop a las nuevas formas funkies del hard bop.
Horace Silver, se convertía así en uno de los abanderados de las nuevas formas que iba a traer el jazz en los cincuenta y la creación de los "Jazz Messengers" donde ejerció de director musical, fue el punto de partida para una carrera brillantísima, tanto en su faceta de compositor como de pianista. Silver aguantaría poco tiempo en los Messengers y en 1961 recorrió todo el mundo visitando y tocando en Europa y Japón por infinidad de festivales, conciertos programas televisivos etc. En 1975 se dedicó a la orquestación con la colaboración de Wade Marcus, formando una orquesta de trece elementos. Poco a poco, su música fue derivando hacia corrientes místicas que podrían encuadrarse dentro del incipiente hipismo de los años sesenta y, con el tiempo, su espíritu investigador le llevó de lleno al aspecto introspectivo y doctrinal que no dejó de lado ni la incursión en la música vocal ni el uso de instrumentos eléctricos. Su última etapa le volvería a llevar al hard bop, pero en aquel momento, Horace Silver estaba ya fuera de Blue Note, el sello que registró sus mejores e inimitables obras.
Su carrera entre 1952, año en que graba por primera vez en trío para Blue Note, hasta 1978, momento en el que terminó su primera y extraordinaria etapa en el sello de la etiqueta azul, grabó una serie de álbumes temáticos que se cerraron con "Silver n' strings play The Music of the Spheres", pero que tiene en el grabado en 1964 y titulado "Song for My Father" la joya de la corona de su carrera, y una de las grandes obras maestras del periodo hardbop en el jazz. Toda la obra discográfica de Horace Silver, es un monumento exquisito al jazz, aunque no es menos cierto que sus grabaciones realizadas como sideman de Miles Davis (1954), Jay Jay Johnson (1955), Art Farmer (1954) y, especialmente, las publicadas a nombre de Art Blakey también en 1954: "A night at Birdland, Vols. 1 y 2" y "Jazz Messengers at Café Bohemia", ambas en Blue Note, sirven igualmente para comprobar su enorme aportación al jazz.

Ray Bryant.


Ray Bryant es uno de Filadelfia que viene de una familia esencialmente pianístico. Su madre y la hermana de ambos juegan, y su hermano mayor es un bajista. Ray, él mismo, comenzó en el bajo en la escuela secundaria antes de cambiar a su presente instrumento.

De 1951 a 1953, Ray tuvo su primera experiencia profesional con la banda local de clarinetista Billy Kretchmer. Más tarde, se convirtió en el pianista de la casa en el Blue Note Club (también en Filadelfia), donde se retractó grandes como Charlie Parker y Miles Davis . Evidentemente, él hizo una impresión en Miles, en 1955, Ray fue llamado a Nueva York para grabar con Davis, Milt Jackson y Jackie McLean .

Con esta primera cita en su haber, Ray, que era entonces la partida su propio trío en su ciudad natal, empezó a darse a conocer. Lo hizo otra grabación para el Prestige con Sonny Rollins (tiempo de trabajo, prestigio) y continuó activo en torno a Filadelfia.

En la Enciclopedia del Jazz, Ray llamado Art Tatum y Teddy Wilson como su pianistas favoritos, y aunque su estilo es muy diferente que cualquiera de ellos, que definitivamente ha aprendido de ellos en materia de acercarse al piano. En la abundante cosecha de la multa de jóvenes pianistas a jugar hoy, Ray Briant se las arregla para sobresalir y brillar.

Charlie Byrd.

Charlie Byrd (1925 – 1999) comenzó tocando la guitarra a temprana edad bajo la orientación de su padre. En su adolescencia, él estaba tocando guitarra con grupos locales en Virginia y Washington. En el Instituto Politécnico de Virginia, tocó guitarra con la banda de la escuela. Durante la segunda guerra mundial toco con una banda del ejército en Europa. Después de la guerra se radicó en Nueva York, donde toco con grupos locales de jazz como Joe Marsala y Freddie Slack.
En 1950 Charlie Byrd volvió a la zona de Washington DC, donde comenzó a estudiar la guitarra clásica. Siempre había tenido interés en guitarra clásica y decidió en este momento para comenzar un estudio serio del instrumento. Estudió guitarra con la teoría de Sophocles Papas y música con Thomas Simmons. En 1954 fue a Italia a estudiar con Andrés Segovia. Poco después de ese viaje fue que forma un trío de jazz por primera vez y comenzó a llevar a cabo actuaciones en clubes locales. Su instrumento de elección para su trío era la guitarra de concierto.
En el trío formato Byrd encuentra la forma perfecta para mezclar su amor por el jazz y blues con música clásica. La orientación de la música para el trío era jazz, pero jazz inspirado con técnica clásica y sonido. Entre 1957 y 1960 su trío lleva a toca en los alrededores de Washington. Durante ese tiempo Charlie Byrd hizo algunas de sus mejores trabajo grabado en 1957 lanzó considerando de jazz y Blues For People noche y en 1958 Jazz en el Showboat y en 1959 guitarra en el viento y en 1960 Choice del Charlie también conocido bajo el título El arte de Charlie Byrd. En 1961 lanzó Charlie Byrd en The Village Vanguard. Fue esta grabación que introdujo a Charlie a una la audiencia más amplia que ha tenido en Washington DC.
En 1962 Charlie Byrd y su trío viajaron a América del Sur bajo el patrocinio del Departamento de Estado. Cuando regresó a los Estados Unidos hizo el hito de grabación con Stan Getz Jazz Samba. A diferencia de las grabaciones con Laurindo Almeida y Bud Shank de la música brasileña, estos registros fueron al público radioescucha y había hecho de Charlie Byrd un nombre de hogar.
A lo largo de los 1970 1980 y de los noventa Charlie Byrd siguió grabando y reproduciendo. Lo hizo con algunas grabaciones excepcionales con Barney Kessel y Herb Ellis como Las grandes guitarras y docenas de grabaciones en su propio nombre.
Charlie Byrd es muy recordado por el trabajo que hizo con Stan Getz y por su trabajo con Herb Ellis y Barney Kessel, como El gran guitarra. La importancia de esas dos asociaciones a veces oscurece el trabajo notablemente innovador que hizo al final de la década de 1950 y 1960 con su trío. Aunque Laurindo Almeida lo precedieron en el uso de la guitarra de concierto en un entorno de jazz, estilo y técnica de Byrd parecen perfectos para jazz. Ambos un alto grado de sofisticación trajo a la guitarra de concierto debido a su formación clásica y un hogar abajo tipo de calidad que vino a través de cuando toco blues y jazz directamente anticipada.
Se ha dicho podría tocar una cantata de Bach con la misma facilidad que una canción de Gershwin, pero entregó a cada uno en su propia manera única.
Fuente Classicjazzguitar en Ingles

Stanley Turrentino.

Stanley Turrentine (Pittsburgh, 5 de abril de 1934 - Nueva York, 12 de septiembre del 2000), saxofonista (tenor) estadounidense de jazz. Figura legendaria del saxo tenor, el estilo de Turrentine abarca el hard bop y la fusión. Su forma de tocar se caracteriza por un sonido barroco, denso, enraizado en el blues, y por una constante imaginación y sensibilidad en la improvisación. Su obra más característica son sus sesiones de soul jazz para Blue Note en los años sesenta y una popular aproximación a la fusión a comienzos de los setenta.
Turrentine comenzó su carrera tocando con diversos grupos de blues y de R&B, muy influido musicalmente por Illinois Jacquet. Tocó con Ray Charles en la banda de Lowell Fulson durante 1950-1951, y en 1953 reemplazó a John Coltrane en la primera banda de jazz y R&B de Earl Bostic. Tras su paso por el servicio militar a mediados de los cincuenta, Turrentine se unió al grupo de Max Roach; conoció a la organista Shirley Scott, con quien se casó en 1960 y con la que grabaría frecuentemente.
Tras trasladarse a Filadelfia, Turrentine consiguió buena química con otro organista, Jimmy Smith, acompañándole en el clásico de Smith de 1960 Back at the Chicken Shack, entre otros discos. También en 1960, Turrentine empezó a grabar como líder para Blue Note, concentrándose preferentemente en pequeños grupos de soul jazz, tocando temas clásicos como "That's Where It's At", pero también grabajando con los Three Sounds (en el disco Blue Hour de 1961) y experimentando con más amplios conjuntos a mediados de los sesenta. A comienzos de los años setenta, Turrentine y Scott se separaron y Turrentine se convirtió en un popular puntal del nuevo sello de Creed Taylor, CTI, orientado a la fusión; grabó cinco discos. Tuvieron una buena aceptación popular y fueran artísticamente valiosos, y la opinión crítica fue más favorable que la que recibió a finales de los setenta por su trabajo para Fantasy. Por lo demás, Turrentine siguió grabando con profusión y regresó al soul jazz en los ochenta y en los noventa.
Turrentine murió de un infarto en la ciudad de Nueva York el 12 de septiembre de 2000. Fue enterrado en el cementerio de Allegheny de Pittsburgh

Joe Henderson.

Joe Henderson (1937-2001) quizás sea el saxofonista tenor más importante del jazz surgido tras la estela de John Coltrane y Sonny Rollins. Durante su juventud, el saxofonista mantuvo una actividad constante y de resultados brillantes en formaciones y grupos muy sólidos y diversos como cuando estuvo con el pianista, Herbie Hancock, o Donald Byrd. Su estilo, elegante y discreto y sus estudios en el "Kentucky State College" y en la "Wayne State University", sirvieron para modelar a un músico que estaría destinado a ser alguien importante en la escena del jazz.
Pocos músicos de jazz podrán esgrimir una carta de presentación tan rotunda y de tanta calidad como cuando Joe Henderson se metió en los estudios de grabación para grabar en el sello Blue Note una obra maestra de jazz imperecedera como fue el titulo de su primer álbum titulado significativamente "Page One". Apenas dos meses antes de esa histórica grabación, Joe Henderson había entrado por primera vez en una sala de grabación para acompañar al gran trompetista, Kenny Dorham -que posteriormente lo incorporaría a su grupo durante dos años, 1962 y 1963- en su álbum titulado "One More Time". Poco después también grabó con el guitarrista, Grant Green una sesión que dio como resultado el disco "Am i Blue".
La participación de Henderson no pasó inadvertida para los directores musicales de Blue Note y rápidamente paso a engrosar la nomina de artistas del exquisito sello azul. En Blue Note grabó junto a Lee Morgan, Horace Silver (estuvo dos años en su grupo entre 1964 y 1966), Freddie Hubbard o McCoy Tyner, infinidad de excelentes discos y eso le abrió las puertas para lo que vendría después. En 1967, dejó la Blue Note y ficho por el sello "Milestone" donde debutó con un disco excelente titulado "The Kicker". Su carrera es imparable y se convierte en uno de los pocos instrumentistas del jazz que pudo escoger su propio destino y grabaría decenas de buenos discos con varios sellos discográficos.
En 1985, vuelve nuevamente a grabar para la Blue Note para editar un gran álbum doble grabado en directo en el Village Vanguard de New York titulado: "The State of the Tenor" . En 1991 es con el sello Verve donde graba un disco enorme dedicado a la música de Billy Strayhorn titulado "Lush Life" y con el que ganó por primera vez un premio Grammy. Al año siguiente vuelve a grabar otra obra maestra dedicada en esta ocasión a la música de Miles Davis, titulado: "So Near, So Far" con el que consigue dos premios Grammy mas.
Casi al final de su carrera y coincidiendo con la muerte del gran guitarrista y compositor, Antonio Carlos Jobim, sacó al mercado para el sello Verve, el álbum titulado "Double Rainbow" un monumento a la fusión entre el jazz y la música brasileña.
Joe Henderson, murió el 30 de junio de 2001 con su último álbum todavía caliente en la calle y que se tituló: "Porgy and Bess". Cuando murió era el saxofonista de jazz vivo más importante junto al gran Sonny Rollins. Fue un músico sincero, honrado y dotado de una maestría indiscutible.

Wes Montgomery.

Sin restarle meritos a toda una serie de grandes guitarristas del jazz como Barney Kessel, Tal Farlow, Kenny Burrell, Jim Hall o Jimmy Rainey, es sin duda, Wes Montgomery, (1923-1968), quien recoge con más fuerza y propiedad el testigo que dejara en la guitarra de jazz, el gran maestro, Charlie Christian.
Nacido en el seno de una amplia y modesta familia, Wes Montgomery, se trasladó con su padre a Ohio junto a su hermano mayor Monk, cuando el matrimonio se separó. Con diecinueve años compró su primera guitarra y se maravillaba del solo que Charlie Christian había grabado con Benny Goodman titulado "Solo Flight". Dotado de un oído excepcional, tuvo sus primeros trabajos como guitarrista en algunos clubes de Indianápolis como el "440 Club". En mayo de 1948, Lionel Hampton lo incorpora a su banda con quien permaneció durante dos años lo que le valió la posibilidad de tocar con Charles Mingus, Fats Navarro e incluso acompañó a la guitarra a la gran Billie Holiday y pudo grabar sus primeros discos con Hampton y con su vocalista, Sonny Parker.
Padre de familia numerosa, sus obligaciones domesticas le condicionaban a trabajar muchas horas al día para mantener a su familia. Sus hermanos, Buddy Montgomery (vibrafonista y pianista) y Monk (contrabajista eléctrico) le propusieron formar un grupo para tocar en la Costa Oeste y en 1957 formaron el cuarteto "The Mastersounds" consiguiendo algunos contratos de grabación con el sello "Pacific Jazz". Wes Montgomery, participó en cinco álbumes, el primero de ellos titulado: "The Montgomery Brothers plus Five Others" que fue también la primera grabación del trompetista, Freddie Hubbard.
A pesar de su calidad, el éxito tardó en llegar. Tuvo que intervenir casualmente el saxo alto, Cannonball Adderley, que venía de un concierto en Indianápolis y había escuchado a Wes, tocar en el "Missile Room", un club local, para recomendárselo al director musical de sui compañía de discos. Así empezó una fructífera relación de Wes Montgomery con el sello Riverside que duro cinco años. Dos semanas después de firmar, Wes Montgomery grababa en New York su primer disco para Riverside con el organista, Melvin Rhyne y el baterista, Paul Parker, el mismo acompañamiento que tenía en el "Missile Room". En 1960 realiza la grabación del que muchos consideran el mejor disco de su carrera titulado "The Increíble Jazz Guitar". La aparición de aquella grabación entusiasmo a críticos, especialistas y aficionados y las revistas, Down Beat y Metronome le otorgaron los premios anuales al mejor guitarrista de jazz. Con el éxito alcanzado, volvió a tocar con sus hermanos grabando otros tres discos como "The Montgomery Brothers" y otro más con el pianista ciego, George Shearing. Durante 1961 y 1962 participó en el Festival de Jazz de Monterey y también tocó con el cuarteto de John Coltrane.
Cuando el sello Riverside se colapsó tras la muerte de su presidente, Bill Grauer, Wes ficha por la compañía Verve quien en aquella época era dirigida por Creed Taylor, propietario poco tiempo después del sello CTI. Con Verve consiguió un premio Grammy al álbum "Goin' Out Of My Head" en 1965, un registro demasiado edulcorado, pero antes había dejado grabado en directo en el club neoyorkino "Half Note" un álbum extraordinario titulado: "Smokin' at The Half Note". Ya apenas tuvo tiempo para grabar su último disco titulado "Road Song" grabado a primeros de mayo de 1968 y que fue publicado tras la muerte del guitarrista, fallecido repentinamente de un ataque al corazón apenas veinte días después, el 15 de junio de 1968 con tan solo 45 años.
En palabras del crítico de jazz, Ralph Gleason, "....Wes Montgomery fue lo mejor que le sucedió a la guitarra de jazz desde la muerte de Charlie Christian." Y hoy en pleno Siglo XXI, esa frase conserva plena vigencia.

Lionel Hampton.


Lionel Hampton, (1909-2002), demostró a lo largo de ocho décadas, ser un verdadero grande del jazz, un músico excepcional dotado de una arrolladora energía para convertir en swing todo lo que su mente creaba. Preñado de vitalidad, con un espíritu siempre inquieto y creativo, elegante y vigoroso al mismo tiempo, Lionel Hampton, fue mientras vivió un músico de extraordinaria calidad.
Además su legado al jazz es imperecedero. Fue el primero en aportar a esta música de un nuevo instrumento nunca usado en el jazz antes de que el lo hiciera y este instrumento fue el vibráfono. Su juventud no fue lo apacible que él hubiera querido y después de deambular junto a su familia por varias ciudades, llegó a Chicago en 1916 y su instrumento entonces era la batería. En la ciudad del viento, se integró en la banda de Jimmy Bertrand, denominada: "Chicago Defender Newsboy's Band". Profundizó su interés por el jazz y por la música y comenzó a trabajar en varias locales de segunda categoría y en bandas de escaso renombre como la de Curtis Mosby o Paul Howard pero le sirvieron para ganar experiencia y madurez.
Con esta última formación se trasladó a California en 1928 y allí se unió a la formación de Les Hite, durante el tiempo que esta banda actuaba de telonera de la orquesta del gran Louis Armstrong en Los Ángeles. Fue en uno de esos encuentros con Louis Armstrong, cuando este le animó a que tocara en uno de sus conciertos el vibráfono y desde entonces y dado el gran éxito que tuvo, Hampton, abandonó para siempre la batería y adopto el vibráfono, el instrumento con el que pasaría a la historia del jazz.
En el verano de 1936, el recientemente proclamado "Rey del swing", el clarinetista y director de orquesta, Benny Goodman, presenciaron una actuación en directo de la banda de Hampton en un local de Los Ángeles y le convenció para que se uniera al pequeño grupo que había formado. Hampton formó desde entonces en las históricas formaciones en trío y cuarteto de Benny Goodman, junto al pianista, Teddy Wilson y el batería, Gene Krupa, que Goodman inmortalizó en sus conciertos en directo, en las emisoras de radio y en las giras por todos los Estados Unidos. Con Goodman estuvo cuatro años hasta que decidió, ya con un reconocimiento internacional por su música, formar su propia banda de jazz, una formación que siempre estuvo entre las mejores de su tiempo y por la que pasaron enormes instrumentistas que hicieron historia a lo largo del tiempo: Clifford Brown, Charles Mingus, Dinah Washington, Illinois Jacquet o Dexter Gordon, entre otros.
Su banda se mantuvo unida y en activo a lo largo de varias generaciones, sus visitas y giras por los festivales y clubes de jazz de todo el mundo eran siempre garantía de éxito y de swing y tiene el honor de haber sido la orquesta de jazz que ha permanecido más tiempo en activo de toda la historia del jazz. Desde el punto de vista de la música, son imperecederos algunos temas que se han convertido en standars clásicos de esta música y cabe destacar: "Flyng Home" "Hots Mallets" o "Hamp's Boogie Woogie".
Lionel Hampton, falleció a finales del verano de 2002, y con él se fue uno de los grandes creadores del jazz de todos los tiempos.


Charlie Parker.


Charlie Parker nació en el seno de una familia humilde en un barrio de Kansas City. Con 13 años ingresó en el "College Lincoln" donde se despertó en el el interés por la música. Empezó a estudiar bajo la dirección de Alonzo Lewis, que había tenido como alumno suyo anteriormente a Walter Page entre otros. En la banda de alumnos del colegio, le pusieron a tocar la tuba, pero su madre -bendita madre- no lo consideró un instrumento adecuado para el y con sus ahorros le compró su primer saxo alto.
Aprendió el instrumento de forma autodidacta e intentando al principio imitar a los grandes saxofonistas de Kansas City, como Ben Webster y sobre todo, Lester Young. Era 1935, y con tan solo quince años tenía el carné de músico profesional del "Local 627", sindicato de músicos de Kansas; se acababa de casar con una compañera del colegio mayor que el; iba a ser padre y ya había probado todo tipo de estupefacientes en una ciudad, Kansas City, cuyo alcalde, Tom Pendergast, era un notorio gangster. En 1938 después de que el clarinetista, Buster Smith, le aconsejara sobre la técnica del saxofón y el uso adecuado de las boquillas y cañas, se marcha a Chicago y de allí salta a New York. Sobrevive fregando platos en un restaurante donde Art Tatum, tocaba el piano y tras cuatro de años con el carné de músico y tras varias experiencias importantes, Charlie Parker entra en la banda del pianista, Jay McShann, con quien permanecerá hasta 1942, siendo un elemento fundamental en la sección de saxos. Con Jay McShann, grabará sus primeros discos importantes y en ellos está el germen del genio extraordinario que vendría poco después. En una de las estancias de la orquesta de McShann en el Savoy Ballroom de Harlem, se cruza por primera vez con quien sería su alter ego musical, el trompetista, Dizzy Gillespie.
Cuando McShann, decidió regresar con la orquesta a Kansas City, Parker optó por quedarse en Nw York, y participar en la agitada vida musical de la ciudad. Sus jam sesión en el Minton's Playhouse, eran diarias y en ese tiempo, el sustento económico lo proporcionaba un contrato con la orquesta de Earl Hines. De aquel periodo no hay grabaciones debido a la prohibición de grabar discos que se prolongó hasta bien entrado 1944. En aquella banda cantaba un músico que posteriormente formaría la primera bigband bop de la historia; estamos hablando de la orquesta de Billy Eckstines y por la que desfilarían futuros gigantes del jazz moderno: Art Blakey, Miles Davis o Tadd Dameron. "Bird" apodo por el que ya se le conocía, dejó pronto la orquesta y forma un cuarteto para tocar en el club "Three Deuces" de la Calle 52 en una sesión liderada por el guitarrista Tiny Grimes para el sello Savoy. El bebop, estaba a punto de llegar.
En 1945, Charlie Parker grabará junto a Dizzy Gillespie, una serie de discos que, para la historia, quedaran como los primeros verdaderos testimonios de esa nueva forma de jazz. La música contenida en las sesiones de Savoy (1944-1948) y Dial (1945-1947) son hoy indiscutibles clásicos del jazz. En Diciembre de aquel año, encabezando con Dizzy un sexteto estelar se marcho a California con un contrata para tocar en el club "Billy Berg's" de Los Ángeles y la experiencia es un fracaso musical y económicamente. La adicción de Parker a la heroína es total y hay noches que no aparece por el club, lo que provoca que Dizzy Gillespie decidiera no tocar mas con el, cosa que cumple con contadísimas excepciones. Cuando Gillespie regresa a New York, Parker se queda en Los Ángeles dada la relativa facilidad con que allí encontraba la heroína. Su cuerpo no resistió y tuvo que ser ingresado en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo, después de una sesión fatídica de grabación de la que salió un angustioso "Lover Man" con Parker casi sin poder sujetar el saxo.
Siete meses después, desintoxicado, pero nunca curado, regresa a New York e iniciará a partir de 1947 y durante cuatro años, la etapa más brillante y creativa de su carrera. Charlie Parker, llevó el mensaje del bebop por los clubes más importantes de New York, -incluyendo el que inauguraron en 1949, cerca d Broadway y que bautizaron "Birdland" en su honor- y de las principales ciudades del país. Firma un contrato con el sello Verve, tercera estación de paso obligatoria en su discográfica junto a las sesiones grabadas para Savoy y Dial. Empieza a llegarle los honores cuando las revistas especializadas: Down Beat y Metronome, lo eligen varias veces como "Numero Uno" en su instrumento. 1949, es el año de su primer viaje a Europa con ocasión del Primer Festival Internacional de Jazz de Paris. En 1950 vuelve a visitar Europa tocando en Escandinavia y en 1951, lo hace en una gira organizada por Norman Granz bajo el patrocinio del JATP.
Nuevas recaídas con la droga le avisan del estado de salud, y provocan que le sea retirado el carné para poder tocar en los locales de New York. Mantiene una relación amorosa y sentimental con Chan Richardson que le da un hijo y una hija. Es la muerte prematura de esta última en 1954 la que acelera su fin. Alterna sesiones musicales grandiosas con estados depresivos cada vez más frecuentes, bebe como un cosaco y su conducta es cada vez más caótica hasta el punto de que intenta suicidarse de nuevo. Su última aparición en Birdland, el 5 de marzo de 1955 será una autentica catástrofe. El día 9 sintiéndose mal se refugia en la casa de la Baronesa Pannonica de Koenigwarter donde falleció mientras miraba un show cómico en la TV.
Charlie Parker, tenía 35 años y su muerte según el parte médico del forense - que dejó escrito que el cadáver era de un hombre que aparentaba 60 años- fue producto de una combinación entre neumonía, ulcera de estomago, cirrosis e infarto posterior. Al día siguiente, apareció por todas las paredes de New York, y en los vagones de metro, graffitis e inscripciones que decían: "BIRD LIVES". Y tenían razón. Charlie Parker, el más extraordinario saxo alto y el más grande improvisador de toda la historia del jazz, había, en poco más de una década, cambiado con su música el curso de esa misma historia de forma imparable y las consecuencias de su gigantesca aportación sigue hoy tan válida como entonces.

Anita O´Day.

Muchos consideran que Anita Belle Colton -verdadero nombre de Anita O'Day - es la cantante blanca de jazz con mayor personalidad. De timbre y orientación cool, lo cierto es que Anita O'Day es excelente tanto en trío o pequeña formación que como vocalista de bigband. De origen humilde, su afición a la música vino de escuchar los discos de Mildred Bailey y Billie Holiday. En sus comienzos fue rechazada por el clarinetista, Benny Goodman, para formar parte de su orquesta, prefiriendo para la misma a Peggy Lee.
Su oportunidad le llegó cuando fue contratada por el batería, Gene Krupa, como vocalista de su orquesta en 1941 y ya en ese mismo año, el tema: "Let Me Off Uptown" fue un éxito tremendo. Su estancia con Gene Krupa, al margen de darle celebridad y fama sirvió para coger experiencia en el canto y en el dominio del scat, un arte que practicaba con elegancia, sencillez y muchas dosis de swing. En 1943, Krupa disolvió la orquesta cuando fue detenido por posesión de marihuana. La cantante recaló en la orquesta de Stan Kenton donde esperó que su antiguo jefe abandonara la cárcel. Con Krupa en libertad, Anita O'Day volvió con él en 1945. Estuvo dos años, y al cabo de los mismos se lanzó a cantar en solitario consiguiendo grabar algunos temas para pequeñas casas discográficas.
Tras una fase crítica, en la que también consumió drogas, Norman Granz la contrato en 1952 para sus sellos, "Clef", "Norgran" y luego "Verve". Con Norman Granz, pasó la etapa más fructífera de su carrera y fue el periodo de sus grandes discos. Empieza a sacar al mercado un par de discos todos los años desde 1952, pero su gran éxito no llega hasta 1957 cuando graba junto al trío del pianista, Oscar Peterson, el álbum "Anita Sing the Most" un disco donde muestra su admirable espontaneidad y su capacidad de improvisación. En 1958 graba otro extraordinario álbum: "Sings the Winners" alternando el canto con la orquesta de Russ García y con la de Marty Patch.
Su contrato con Verve termina en 1962, diez años después y el resultado es una serie extraordinaria de discos excelentes que alcanza el cenit con el álbum grabado bajo el liderazgo de su anterior jefe de filas, el baterista, Gene Krupa, que veinte años después de terminada la era del swing, graba un disco atemporal "Drummer Man" que queda para siempre como uno de los grandes logros de la carrera de ambos. Una vez cancelada su relación con Verve, la cantante pasó un periodo de continuas actuaciones y giras por todo el mundo y por infinidad de festivales liderando su trío. Posteriormente estuvo ocho años sin grabar y su vuelta en 1970 produjo un magnifico disco en directo en el Festival de jazz Berlín de aquel año.
El éxito de aquel concierto en directo, le animó para grabar otros tantos en Tokyo, San Francisco o en Londres, llegando a la década de los noventa con el que ha sido hasta ahora su último disco titulado: "Rules of the Road" grabado para el sello "Pablo" en 1993. Ya allí su voz no era más que un deprimente susurro y no quedaba nada de su grandeza anterior. Una grandeza que la situó muy cerca de las tres grandes cantantes de jazz de la historia: Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Billie Holiday