Steve Pouchie.

Steve Pouchie es un hombre de muchos talentos. Es un vibrafonista logrado, líder de la banda, productor de Jazz Alive "América y la música de programa de cable Kickin, y un premiado musical de Tecnología y educador. Steve nació en Puerto Rico a los padres y se crió en Nueva York, donde asistió a la Escuela Secundaria Stuyvesant Recibió una beca completa para el Bard College con la intención de seguir una carrera en Economía, sin embargo en el Bard, Steve encontró al profesor y trombonista de jazz Roswell Rudd, quien lo inspiró a estudiar música y convertirse en un vibrafonista. Se graduó con una licenciatura en Economía y el de Grado Asociado en Música.
En 1993, después de trabajar 15 años en ventas corporativas, Steve tomó una posición como profesor de música en una escuela secundaria en el Bronx y después de tres años de éxito, Steve fue ofrecido el puesto de Coordinador de Artes Escénicas en el Walton High School. Fue allí donde desarrolló uno de los primeros Piano Digital Labs, y una grabación de estudio de ejecución estudiante, en el sistema de escuelas públicas del Bronx. Su trabajo fue tan eficaz que en el 2004, Steve fue acreditado con la New York Post Medalla de la Libertad por su destacada labor como educador. De acuerdo con la ciudad de El alcalde Michael Bloomberg York, quien presentó Steve su medalla, "Estos hombres y mujeres han hecho importantes contribuciones a su comunidad a través del tiempo, el trabajo, el talento y la sabiduría." A pesar de las demandas de ser un educador, Steve, y con voluntad jugar con su grupo, seguido desarrollándose musicalmente llevando a cabo en colegios, restaurantes, clubes nocturnos, eventos políticos y conciertos al aire libre. En 2002 Steve lanzó su primer CD "Vibe Mania".
Por la misma época, Steve inscritos en un curso de producción de televisión en el cable de red BronxNet a fin de documentar y ayudar en la divulgación de la música de jazz latino en una escala más amplia. Después de completar el curso se unió a su esposa, Naomi (quien asumió el papel de anfitrión y entrevistador) para crear el cable serie, Latin Jazz Vivo y "Kickin, que es visto por miles de amantes de la música semanal en el área de NYC. El programa captura vibrante escena musical de Nueva York a través de la utilización de interpretaciones en vivo y entrevistas con muchos de los prominentes artistas más en la historia de la música latina. En el año 2004. Latin Jazz Vivo y Kickin 'recibió el premio BETA por ser uno de los más vistos y-show de la televisión pública más larga de acceso en el Bronx.
Hoy Steve divide su tiempo entre su trabajo como educador y como su pasión por la música. En los últimos días ha estado colaborando con Little Johhny Rivero y otros músicos de jazz latino conocido en la zona en Nuevo para crear su segundo CD que lleva por título "El Puente" (El Puente). La grabación cuenta con una variedad de composiciones clásicas, así como, original de nuevo material. Más importante aún, refleja el crecimiento de Steve como líder, músico, compositor, arreglista y productor.

. Durante los años Steve ha sido llamado "un héroe silencioso" por el de Nueva York Post, y el "Puerto Rico Cal Tjader," por el musicólogo Max Salazar, sin embargo, los títulos no logran captar la versatilidad y la dirección creativa de Steve Pouchie. Mientras que mucha gente en la posición de Steve estaría contento de dormirse en los logros pasados, Steve está en movimiento, perfeccionando su arte, la planificación de su próximo proyecto y sin descanso dedicando su tiempo y talento a su música y la comunidad.

Biografía de Tomás Peña
Steve Pouchie ha estado tocando el vibráfono en Nueva York lugares de la ciudad durante muchos años. Nunca formalmente entrenados, comenzó a estudiar música al mismo tiempo en la universidad. Después de graduarse tocó con varios conjuntos. Pero después de algún tiempo se dedicó a jugar lo que fue el más cercano a su corazón, el jazz latino.
Para Steve, la música se convirtió en un puente, una suspensión entre los materiales urbanizados del mundo y otro lugar interior de consuelo, el ritmo y la melodía. Su nuevo disco 'El Puente' explora las ideas que han llegado a definir su estilo musical.
Con la línea de Tjader o Puente el vibrafonista, compositor y arreglista nacido en New York Steven Vibert Pouchie nos presenta su nuevo album con composiciones en su mayoría inéditas del mismo Pouchie o unos pocos covers arreglados de manera magistral.
Seguimos contento y felices de poder recibir estos albums que refuerzan y nos dan mas energia para seguir trabajando.
que no muera el Latin Jazz.
Tracks
Journey Into Outland
Picadillo
Take Five
Watch Ur Wallet
Montaña de Sueños
On Green Dolphin Street
The Ghanan Trail
Manha de Carnaval
The Sands Of Outland
Shores of Summer
Naomi's Fantasy
Integrantes
Steve Pouchie: vibrafono
Little Johnny Rivero: congas y y bongo
Octavio Rodriguez: bajo
Julio Botti: saxofon
Andrea Brachfeld: flauta
Pete Nater: trompeta
Jotan Afanador: batería
Adan Pérez: piano
Ronnie Puente: marimba
Juan Renta: saxofon
Ariel Santiago: flauta
Solo Rodríguez: contrabajo
Sam Barrios: piano
Jeffrey López: timbales
Erik Piza: timbales
Anexo
Steve Pouchie es un hombre de muchos talentos. Entre otras cosas, es un músico, compositor, arreglista, director de orquesta, productor de Jazz Alive "América y la música de programa de cable Kickin, un premiado musical de Tecnología y educador. Steve nació en Puerto Rico a los padres y se crió en Nueva York, donde asistió a la Escuela Secundaria Stuyvesant. Recibió una beca completa para el Bard College con la intención de seguir una carrera en Economía, sin embargo en el Bard, Steve encontró al profesor y trombonista de jazz Roswell Rudd, quien lo inspiró a estudiar música y convertirse en un vibrafonista. Se graduó con un BA en Economía y de Grado Asociado en Música. Después de trabajar en ventas corporativas de 10 años, y mientras jugaba con varias bandas y conjuntos en el lateral, Steve se convirtió en un maestro de música de Nueva York en 1993, trabajando en Walton High School.

En 2004, Steve fue acreditado con la New York Post Medalla de la Libertad por su destacada labor como educadora de Música y Artes de la Coordinadora de Walton. De acuerdo con la ciudad de El alcalde Michael Bloomberg York, quien presentó Steve su medalla, "Estos hombres y mujeres han hecho importantes contribuciones a su comunidad a través del tiempo, el trabajo, el talento y la sabiduría." A pesar de las demandas de ser un educador, Steve, y con voluntad jugar con su grupo, seguido desarrollándose musicalmente llevando a cabo en colegios, restaurantes, clubes nocturnos, eventos políticos y conciertos al aire libre. Jugó con o abierto a una gran variedad de músicos ya consagrados como Tito Puente, Charlie Palmieri, Jimmy Sabater, Dave Valentín, Orlando Marín, Ralph Irizarry, Nelson González, Bobby Sanabria, Gilberto Colón Jr., Little Johnny Rivero, y muchos otros. En 2002 Steve lanzó su primer CD "Vibe Mania".
El Puente ofrece hasta el tempo de la escuela de Jazz Latino de edad (bailable) arreglos y composiciones contemporáneas originales con el vibráfono. Con un estilo similar a Cal Tjader y Tito Puente, Steve Pouchie realiza esta colección de canciones con la autenticidad y sabor. Acompañados por un formidable aparato de artistas conocidos en la escena latina York New Jazz, este disco promete ser una adición memorable para los archivos de música Jazz toque latino, ahora y en el futuro.

Para ver videos dale click a este link:
http://www.stevepouchie.com/videoclips_1.htm

Michel Camilo.

Michel Camilo nació en Santo Domingo, República Dominicana en 1954. Fascinado por la música desde su niñez, compuso su primera canción a los 5 años y estudió durante 13 años en el Conservatorio Nacional que culminó con una cátedra; a los 16 años se convirtió en miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional Dominicana. Con la idea de ampliar su horizonte musical, se trasladó a Nueva York en 1979, donde siguió con sus estudios en Mannes and Juilliard School of Music.
Un pianista con una técnica brillante y compositor que le da a sus temas ritmos caribeños y armonías de jazz; su composición Why not! se convirtió en un éxito grabado por Paquito D'Rivera en uno de sus álbumes, que fue ganador de un Grammy (1983) en la versión vocal de los Manhattan Transfer. Sus dos primeros álbumes fueron: WHY NOT! y SUNTAN/MICHEL CAMILO IN TRIO.
Michel Camilo hizo su debut en el Carnegie Hall en 1985 con su trío y en 1986 en los festivales europeos como líder. Desde entonces, es un destacado artista que actúa periódicamente en Estados Unidos, El Caribe, Japón y Europa.
En diciembre de 1987 se produjo su debut como Director de Orquesta, cuando la National Symphony Orchestra de la República Dominicana le invitó a dirigir un recital clásico de Rimsky Korsakoff, Beethoven, Dvorak y el propio trabajo de Michel Camilo The Goodwill Games Theme, por el que ganó un Emmy. Ese mismo año fue director musical en el Heineken Jazz Festival en su nativa República Dominicana, puesto en el que permaneció hasta 1992.
Noviembre de 1988 marcó su debut con una gran compañía discográfica con el lanzamiento de MICHEL CAMILO (Sony). Inmediatamente el álbum se convirtió en un éxito y estuvo en el primer puesto del Top Jazz Album durante ocho semanas consecutivas. Su segundo lanzamiento, ON FIRE, fue votado entre los Tres Mejores Álbumes de Jazz del Año por el Billboard y su tercera grabación, ON THE OTHER HAND, estuvo entre los diez primeros de la lista Jazz Albums. Las tres grabaciones fueron primeros en las listas de radio a escala nacional.
En 1991, Camilo regresó por tercer año consecutivo al Carnegie Hall, por segunda vez al Newport Jazz Festival, y por tercera vez estuvo de gira en Japón. Su trabajo Caribe fue grabado por las conocidas pianistas Katia y Marielle Labeque y por el legendario Dizzy Gillespie. Fue presentado como solista, arreglista y compositor con la prestigiosa Danish Radio Big Band y ése año hizo una gira especial a tres pianos en Francia con Katia y Marielle Labeque en programas con repertorios clásicos y jazzísticos. También compuso y grabó la partitura para la galardonada película española Amo Tu Cama Rica, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, que estrenó en Madrid y ha sido presentada en festivales de cine europeos y americanos.
Los éxitos de 1992 incluyeron el estreno mundial de Rhapsody for Two Pianos and Orchestra, un encargo de la Orquesta Filarmónica de Londres, interpretada por Katia y Marialle Labeque en el Royal Festival Hall. Michel Camilo estuvo también invitado a tocar con la Orquesta Sinfónica de Atlanta en un programa clásico y jazzístico, donde interpretó Gershwin Piano Concerto in F, así como su repertorio de jazz en trío. También hizo una extensa gira en El Caribe, Sudamérica, Europa y Japón. Ese mismo año, Michel fue premiado con dos galardones muy especiales: Professor Emeritus de su Alma Mater, Universidad Autónoma de Santo Domingo y "Knight of the Heraldic Order of Christopher Columbus" por el Gobierno.
En 1993, lanzó su álbum Rendezvous (Columbia) e hizo gira en los principales festivales de Estados Unidos, Europa y Japón. Este álbum fue elegido entre los Top Jazz Albums del año por Gavin Report y el Billboard. Le invitaron a tocar en All-Star Gala en la Casa Blanca, ocasión de la celebración del 40 Aniversario del Newport Jazz Festival; este concierto fue emitido por la PBS a escala nacional como parte de "In Performance At The White House". También fue invitado como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana, donde interpretó Gershwin's Piano Concerto in F. El Clearwater Jazz Holiday le entregó el "International Jazz Award" y fue invitado como jurado en el prestigioso Great American Jazz Piano Competition en Jacksonville, Florida.
A principios de 1994, UTESA University de Santiago, República Dominicana, le entregó el Honoris Causa por sus logros musicales, siendo la persona más joven del país en recibir esta distinción.
Compuso la música para la película española Los Peores Años de Nuestra Vida, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, y lanzó su álbum One more once (Columbia/Sony). Hizo una gira por Japón, Venezuela, El Caribe y Estados Unidos; tocó en NPR's "A Jazz Piano Christmas", invitado por Tony Bennett; tocó con su banda de 17 componentes y también intervino con un concierto especial a tres pianos de Jazz y Clásica con las pianistas Katia y Marielle Labeque. Además, tocó como solista con la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico.
En 1995, Camilo se dedicó a diversos proyectos entre los que están sus habituales actuaciones en importantes festivales de Jazz con su Trio, conciertos en solo, su colaboración en el último CD de Katia Labeque, Girl Blue, o la composición de la banda sonora de Two Much, del director Fernando Trueba y ganadora de un Oscar.
En 1996, Camilo hizo una serie de conciertos de piano solo con motivo de la celebración de Capital Cultural Europea en Copenhague. También hizo su debut de Piano Solo en el Kennedy Center y el Carnegie Hall. Hizo una gira en Japón y Francia, así como en El Caribe, con su Trío. También actuó en Nueva York en el Blue Note, Iridium, Radio City Music Hall y Avery Fisher Hall en el JVC Jazz Festival. Posteriormente, actuó en Israel, España, México, la República Dominicana y Suiza, donde hizo su debut en el prestigioso auditorio Tonhalle de Zurich como parte de "Jazz Piano Masters".
En 1997, Camilo hizo actuaciones especiales en el MIDEM (Cannes, Francia) y MIDEM LATINO (Miami) y el Seminario GAVIN (Nueva Orleans), presentando su álbum Thru my eyes (TropiJazz/RMM). Fue también invitado especial con la Carnegie Hall Jazz Band en una noche de "Gershwin: A Portrait in Jazz" en el Carnegie Hall e intervino como solista invitado con la Copenhagen Philharmonic y la Queens Symphony Orchestra interpretando Rhapsody in Blue de Gershwin. Hizo una gira en Europa y Japón con su Trío, Solo piano y conciertos en Dúo con el guitarrista flamenco Tomatito; y produjo el álbum del cantante y compositor francés Nilda Fernández, Innu Nikamu (EMI). The Duke Ellington School of the Arts en Washington, D.C. creó la beca Michel Camilo Piano otorgada al mejor estudiante de piano seleccionado por la facultad de música.
1998 comenzó con giras de Michel Camilo Solo, Dúo y Trío en Estados Unidos, Japón y Europa. Michel Camilo tocó con las dos renombradas pianistas Katia y Marielle Labeque, en un Recital Especial de Piano a Tres en la ciudad de México. Los éxitos de ése año incluyen también la co-dirección artística del primer "Latin-Caribbean Music Festival" en el Kennedy Center para las Artes Teatrales en Washington D.C., actuaciones con su Trío y la Big Band, así como el estreno mundial del Piano Concerto con la National Symphony Orchestra dirigida por Leonard Slatkin (un encargo de la National Symphony Orchestra). También actuó como invitado solista en una "Gershwin Celebration" con la Long Island Philharmonic dirigida por David Lockington. Michel Camilo acudió a los festivales de Jazz de verano en Europa, produjo el álbum Lorquiana (BMG) para la cantante española Ana Belén; en esa temporada, actuó como artista invitado con la Orquesta Sinfónica de Málaga e hizo recitales de Piano Solo, así como conciertos a dúo con el guitarrista flamenco Tomatito.
En 1999, además de sus conciertos habituales con el Trío en los festivales de Jazz europeos, hizo una gira de conciertos a dúo: con el conocido pianista de jazz cubano Chucho Valdez en festivales de jazz europeos y canadienses, y con el guitarrista flamenco Tomatito en Japón, Suiza y El Caribe. Michel hizo su debut con la Cleveland Orchestra dirigida por Leonard Slatkin en el Blossom Music Festival donde interpretó su Piano Concerto así como Rhapsody in Blue de Gershwin. Hizo el mismo programa con la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Dominicana dirigida por Carlos Piantini y en noviembre actuó como solista, artista invitado, con la Copenhagen Philharmonic dirigida por Giordano Bellincampi donde interpretó su Piano Concerto y Piano Concerto en F de Gershwin.
El año 2000 trajo a Camilo dos premios muy especiales: su álbum Michel Camilo & Tomatito - SPAIN (Verve/Universal) que cuenta con guitarra flamenca y piano en un excepcional dúo, que fue galardonado con un Grammy como "Mejor Álbum de Jazz Latino"; y recibió un Doctorado en Música por el prestigioso Berklee College of Music (Boston). Hizo una gira en España con Tomatito, un concierto en Trío para el New Jersey Chamber Society y estrenó su trabajo "Mañana" (un poema de Federico García Lorca) interpretado por el Western Wind Vocal Ensemble como parte de "A Musical Celebration of the Milenium" galardón otorgado por la Chamber Music America. En verano, Michel actuó como solista invitado con la National Symphony Orchestra y estrenó "Tango for Ten" -escrita para diez pianos- como parte del programa del "Piano Festival 2000!" en el Kennedy Center para las Artes Escénicas. También tocó con su Trío, así como a dúo con Tomatito y Chucho Valdés en el Carnegie Hall, en el Puerto Rico Heineken Jazzfest, Klavier Ruhr Festival y los principales festivales europeos y japoneses. Michel Camilo interviene con su Trío en la película "Calle 54", un documental dirigido por Fernando Trueba, en la que se describen once destacados artistas de jazz latino.
En el año 2006, Michel Camilo grabó la segunda parte de su álbum Spain titulada Spain Again también a dúo con el guitarrista flamenco Tomatito
Además de sus actividades como compositor y pianista, Michel Camilo ha sido invitado a dar conferencias y actuaciones en numerosas universidades y colegios en Estados Unidos, como por ejemplo New York University, Berklee College of Music (Boston), M.I.T., William Paterson College (Nueva Jersey) y Puerto Rico Conservatory, así como en Dinamarca, España y Suiza.
El lenguaje musical de Michel Camilo denota una interpretación del jazz expresiva y excitante, donde combina los ritmos de su herencia caribeña con un rico e inteligente uso de las texturas armónicas, el jazz y su magnífica técnica al piano. Su música es fundamentalmente jazz, que viene enriquecida por un swing contagioso que refleja su rica personalidad. Sus influencias son amplias, desde Art Tatum, Oscar Peterson y McCoy Tyner -cuya música le llevó al jazz- hasta Chick Corea, Bill Evans, Ahmad Jamal, Sonny Clark, Keith Jarrett y Erroll Garner (que se puede apreciar en sus álbumes). Y, por supuesto, la música clásica -desde Beethoven a Chopin, Debussy o el compositor cubano Ernesto Lecuona. Y todo ello reúne una originalidad que deja el sello inconfundible en cada una de las notas que interpreta o escribe Michel Camilo.
Nueva York.

El jazz latino vive su segunda etapa dorada y se ha convertido en una parte obligada en festivales internacionales, según el pianista dominicano Michel Camilo, uno de los hispanos que ha logrado un mayor reconocimiento en ese género.
Camilo, primer latino a cargo del programa de jazz de la Orquesta Sinfónica de Detroit, puesto en el que le precedieron músicos de la talla del pianista Herbie Hancock y el trompetista Wynton Marsalis, se encuentra en Nueva York para presentarse el jueves en el Carnegie Hall junto a los cantantes Danny Rivera y Marco Antonio Muñiz.
"A nivel mundial es contundente la presencia d jazz latino. Todos los festivales le hacen un espacio", indicó en declaraciones a Efe el compositor de "Why not!" y "Caribe".
Además de por esta segunda edad dorada del jazz latino -la primera abarca un extenso periodo de los años 40, 50 y 60-, Camilo está complacido por la versatilidad de muchos jóvenes latinos cuyos estudios incluyen la música clásica, por lo que pueden tocar varios géneros.
Además de ser el primer latino a cargo del programa de jazz de Sinfónica de Detroit, desde el pasado noviembre, el pianista y compositor es el primer músico que estará en el puesto dos años, uno más de lo habitual, lo que considera es un reconocimiento a los músicos latinos y su aporte al jazz.
"Ya se habla de un movimiento de jazz latino, que es parte integral de un árbol más inmenso que se llama jazz", agregó Camilo.
El viernes regresará para Detroit para una presentación junto a su trío, en el que tendrá varios invitados, entre éstos elsaxofonista puertorriqueño David Sánchez y el pianista cubano Alfredo Rodríguez, un protegido de Quincy Jones.
MICHEL CAMILO EN EL BLUE NOTE NEW YORK
La calidad y pureza de sonido en Michel Camilo van unidas a un virtuosismo rítmico que impregna la audiencia de una energía y vitalidad inusitadas. Además el asombro. Porque durante el instante de sus formidables ejecuciones, se nos hace difícil aprehender en toda su extensión y hondura la versatilidad musical de este gran pianista dominicano. Más que versatilidad, riqueza, duende, ese algo intangible que no está escrito en la partitura, ese espíritu genial, único, osado que aflora y traspasa las fronteras de lo posible y se adentra en el reino de lo maravilloso o sorprendente.
Pero, además, la alegría. Es como si la felicidad que Michel Camilo le infunde al piano le fuera devuelta, multiplicándose, en la audiencia, que a su vez la retorna al músico, creándose una dinámica plena de euforia y entusiasmo. Michael Camilo maneja hábilmente toda esa avalancha de energía y no deja que haya desperdicio alguno. No hay escapes. No hay manera en que la audiencia pueda sentirse distraída o abrumada. En vilo, estamos atentos a cada movimiento, a cada ráfaga de innovación o de evocación y allí se nos calienta el alma y sin saber cómo empezamos a danzar en sus rituales. Rituales cuya lejana memoria parte de África y cubre toda la amplia geografía norteamericana.
En las composiciones musicales de Michel Camilo se manifiestan antiguas tradiciones rítmicas caribeñas, nostálgicas tonadas flamencas y latinas; y toda una gama de innovaciones técnicas y musicales que provienen de una formación clásica, rigurosa, actualizada, muy bien informada.
FERNANDO UREÑA RIB
MICHEL CAMILO LOGRA TODO LO QUE SE PROPONE EN ASPECTOS MUSICALES
POR REYES GUZMÁN
Michel Camilo, antes de pautar cualquier reto, se pregunta ¿por qué no?, encontrando la respuesta en los logros dentro del jazz y la música clásica. Las barreras las vence con esfuerzo, trabajo, disciplina y calidad. Por eso su carrera asciende cada día mereciendo críticas positivas.
Camilo estrenó en Londres el disco que hizo con la Sinfónica de la BBC, dirigida por Leonard Slatkin, en el que incluye su aplaudida obra Concierto para piano y orquesta y la Suite para piano, con "Tropical Jam", "Tango for Ten", "In Love", "Journey" y "Caribe".
Dijo que la música clásica se graba muy diferente a la popular, porque con toda la orquesta se interpretan las piezas sin parar.
Estuvo al lado de las estrellas pertenecientes a la Sinfónica de la BBC de Londres, a quienes elogia por su estilo de compartir responsabilidades para hacer posible el estreno del disco.
"Lo clásico hay que interpretarlo completo y se hacen cinco grabaciones, de las que se selecciona una. La experiencia fue maravillosa, porque todo aquello me arropaba de música y me hacía tocar mejor. Los miembros de la Sinfónica me aplaudían al concluir cada grabación".
Precisamente, de la producción musical, Camilo hará una presentación para el público dominicano la próxima semana a beneficio del Teatro Nacional, bajo la dirección de Carlos Piantini. Ese mismo día, en horas de la mañana, será condecorado con la Orden de Duarte, Sánchez y Mella, por parte del Presidente Hipólito Mejía.
Es todo alegría en Camilo, por poder volver a tocar en su tierra y entre su gente, al tiempo de ser homenajeado. De su nueva inspiración refirió a HOY que, por suerte, la pudo tocar varias veces y grabarla para ponerla en las manos y plasmarla en la historia de República Dominicana.
La obra ha sido recibida internacionalmente con agrado y buenas críticas, lo que le agrada al autor, quien ve cómo es promocionado en Inglaterra. En España, el compacto será puesto a la venta en octubre y a principios del 2002 en Estados Unidos, a raíz de una presentación que hará en el Kennedy Center, con la Sinfónica. Es la segunda invitación que recibe para tocar con la máxima orquesta, en esta oportunidad en el Salón de las Naciones. "Es algo bien interesante, porque es una serie que retrata la música de los emigrantes e incluye piezas de los grandes músicos que han llegado a los Estados Unidos y han podido escribir música".
Michael Camilo y el jazz están abrazados y aún logrando éxitos en la línea clásica, aprovecha las páginas de HOY para recordarles a los admiradores que es un género que nunca dejará. Su capacidad le permite incursionar en diferentes expresiones y un ejemplo lo reafirma lo que ha conquistado en el jazz, en lo clásico y en labores importantes con Ana Belén, grupo Ketama y Danny Rivera.

Pablo Menendez y mezcla.

Para aquellos que piensan que la música cubana se inscribe en una caja de puros, que tienen la visión Buena Vista, o una fijación de Ricky Ricardo, para los que piensan que la música cubana es sólo salsa, timba, mambo o folclórica afro: esta grabación reto, rock, molestar usted o los tres. De cualquier manera usted se sorprenderá por la fluidez increíble con la que estos músicos flotar entre los géneros y mundos.
Esta habilidad proviene de la verdadera relación amorosa líder de la banda Pablo Menéndez tiene con la música y con Cuba, que él ve como una de las mezclas más grandes del mundo (Mezclas) de las culturas. Pablo, un estadounidense nacido en Oakland, es el hijo del blues y cantante de jazz Barbara Dane que fue el primer artista intérprete o ejecutante EE.UU. para visitar y llevar a cabo en Cuba tras la Revolución de 1959. Desde el nacimiento estaba rodeado de todo tipo de música, desde jazz americano, el blues, el bluegrass y el evangelio de África Occidental, Europa Oriental y América del Sur. A finales de 1966 de Barbara tour Cuba, que organizó Pablo para estudiar en la Nacional de La Habana la Escuela de Arte (Cubanacán), donde se enamoró y se casó con compañero Adria Santana, quien se convirtió en una de las actrices de Cuba el teatro más importante. Pablo ha estado viviendo en La Habana desde 1966 con su familia cubana.
Viniendo de la Bahía de San Francisco con sus muchos puentes, es natural que Pablo se ha convertido en un puente cultural. Esta es una parte fundamental de su identidad. Él es un trasplante feliz. En consecuencia, por lo que son, porque las cuotas de Pablo con nosotros su dominio de los estilos musicales cubanos y géneros, que mezcla a través de su control virtuoso de la guitarra. Su grupo Mezcla partidos de su fluidez en varios idiomas musicales, como se oye.
Desde músicos invitados como Samuel Formell (de la mágica "Los Van Van"), Alejandro Vargas y otros, a los pilares formidables como saxofonista Orlando Sánchez, el trompetista Máyquel González, el multi-instrumentista Magela Herrera, maestro de la percusión Octavio Rodríguez, la gran trampa bateristas Ruy Adrián López-Nussa, Oliver Valdés y Mendoza Renier que comparten la presidencia y el padre / hijo jugadores bajo José Hermida y Ernesto, este es un grupo fuerte de las entidades musicales que deben ser acreditados. No pueden ser nombres familiares en los Estados Unidos, pero son ciertamente capaces de mantener su cuenta en dicha compañía.
Big Brecker es un tributo de amor a Michael Brecker. Comienza con un swing rápido que se transforma en un shuffle guaguancó songo-ish. El puente tiene una luz aireado siento pero el regreso de la sección A es siempre Hardcore rápido y furioso. Orlando coincide con el sentir con un enfoque implacable, duro de conducción que refleja el profundo respeto saxofonistas cubanos (en realidad todos los saxofonistas) tienen para Michael. Máyquel revela un concepto único con visión de futuro en su solo de trompeta que no deja para arriba.
¿Quién Tiene Ritmo? La lengua en respuesta mejilla por Ben Lapidus de Sonido Isleño a la norma de George Gershwin jazz 1930 "I've Got Rhythm") tiene un ambiente mundial de sensibilización para la ranura que lo hace esencialmente cubana y, sin embargo misteriosamente planetaria. Es el resultado de la apertura de ostinatos que jugar contra el arraigo de la guiro bellamente interpretado por Julio Noroña (también de "Los Van Van"). Los sonidos de flauta y la consiguiente apertura de la improvisación de flauta son notables, ya que tienen una charanga (raíces) vibra con ellos, pero que no suenan pasados de moda y por el contrario, Magela Herrera sonidos modernos y la cadera. La percusión, batería y timbal solista están empapados en la autenticidad, el sabor y la ranura.
Hay una maravillosa organización sin fines de lucro en los Estados Unidos dedicada al envío de pianos a Cuba. Esta organización "ENVIAR A PIANA a La Habana" (www.sendapiana.com), dirigida por un hombre llamado Benjamin Treuhaft, ayuda a aliviar algunas de las necesidades de piano de Cuba”. Debido a nuestro embargo absurdo que ha sido difícil de pagar, y mucho menos adquirir instrumentos de clase mundial allí. Este danzón, El Médico de los pianos ("El Doctor Piano") que más tarde se convierte en una vampiresa cha cha-ish se dedica a Ben. Además de su flauta, en este tono, multi-tracking Magela tiene la oportunidad de mostrar sus dotes de piano, también. Tenga en cuenta que aquí el solo de trompeta, que es muy moderna, pero respetuosa de nuestra charanga ancestrales raíces danzón. Very hip! Muy hip!
Te veré en CUBA, una canción de Irving Berlin de la época de la Prohibición, cuando el alcohol - prohibido en los Estados Unidos - era legal sólo 90 millas al sur de la Florida. Es una lengua en la mejilla arma blanca en lo que podría muy bien suceder cuando las restricciones de viajes para los turistas norteamericanos pone a volar y la isla se convierte en un destino para turistas de los Estados. No necesariamente una imagen feliz o infeliz, solo uno que reconoce la necesidad de Cuba de protegerse de tonterías y las ganancias por las turbas de viaje. El ajuste rítmico y la trompeta de trabajo revelan cómo camaleónico estos músicos se puede, la adopción de cualquier variedad de ajuste para cumplir con la agenda musical.
El trabajo de guitarra en el inicio de Blues Chicoy es sincero, genuino y bien podría pasar por cualquier roca grande o guitarrista de blues, de Jeff Beck (que me recuerda a) a Larry Carlton, cuyo sello en el señor Menéndez parece evidente. La forma de blues es inusual ya que es de 16 medidas a largo y usa un poco acordes de sustitución. Esto le da un sonido moderno y luminoso con un excelente trabajo de Ernesto Hermida. Esto es definitivamente Blues, pero con un toque moderno.
Me encanta la forma en que esta versión de Oslo comienza. Los sonidos peculiares de la guitarra, el hermoso trabajo flauta cargados de efectos de Magela, cuyo solo trabajo suena muy diferente de su enfoque en "¿QUIÉN TIENE Ritmo?". Aquí se pone de manifiesto que ninguno de los sabores de charanga y en su lugar suena muy moderno y sofisticado armónicamente. La declaración melodía duplicado por la guitarra distorsionada y el tenor es muy orquestal y el solo de tenor de Orlando es fuerte, y en contraste directo con el enfoque de flauta.
Irakere se define el sonido que asociamos con el jazz cubana de hoy, y aquí la alusión es clara. La declaración de acompañamiento melódico y ritmos de jazz funk blues de Chucho es rápido, furioso y funky, muy influido por la obra del gran maestro Chucho Valdez. Las secciones del puente tienen una "Mercy, Mercy, Mercy" sentir (el clásico de Joe Zawinul composición), pero con una visión diferente de armónicos en la repetición que hace que sea contemporáneo. Cada solista brilla aquí, pero el artista invitado José Luis Pacheco es especialmente fluido en su interpretación de la maestría pirotécnicos que destina todos los músicos de Irakere.
Personnel:
1. Big Brecker
Pablo Menendez & Mezcla - I'll See You In Cuba - Big Brecker
2. Quien Tiene Ritmo?
Pablo Menendez & Mezcla - I'll See You In Cuba - ¿Quién Tiene Ritmo?
3. El Medico de los Pianos
Pablo Menendez & Mezcla - I'll See You In Cuba - El Médico de los Pianos (For Benjamin Treuhaft)
4. I’ll See You In Cuba
Pablo Menendez & Mezcla - I'll See You In Cuba - I'll See You In C.U.B.A.
5. Chicoy’s Blues
Pablo Menendez & Mezcla - I'll See You In Cuba - Chicoy's Blues 6. Oslo
Pablo Menendez & Mezcla - I'll See You In Cuba - Oslo
7. Chucho’s Blues
Pablo Menendez & Mezcla - I'll See You In Cuba - Chucho's Blues
8. Round Midnight
Pablo Menendez & Mezcla - I'll See You In Cuba - 'Round Midnight
9. Homenaje a Afro Cuba
Pablo Menendez & Mezcla - I'll See You In Cuba - Homenaje a Afro Cuba
10. Chicoy’s Son

Pablo Menéndez : guitar & vocals, director
Magela Herrera: flute, vocals, piano (on El Médico, ‘Round Midnight, C.U.B.A.)
Octavio Rodríguez: percussion
Máyquel González: trumpet, flugelhorn
Orlando Sánchez: tenor Sax (all solos)
Néstor Rodríguez : tenor sax (on Afro Cuba & Medico de los Pianos)
Ruy Adrián López-Nussa: drums ( on Big Brecker; El Medico; Oslo)
Oliver Valdés: drums (on Chicoy’s Blues; Chucho’s Blues)
Renier Mendoza: drums (on Afro-Cuba; ‘Round Midnight, C.U.B.A.; Afro Cuba)
Ernesto Hermida: bass (on Big Brecker; Chicoy’s Blues, Chucho’s Blues; El Médico; Quien tiene?)
José Hermida: bass (on Oslo; Afro-Cuba; ‘Round Midnight; C.U.B.A.)
Orlando Sánchez: piano (on Big Brecker, Oslo, Chucho’s Blues, Chicoy’s Blues)
Magela Herrera: piano
MEZCLA
Mezcla de tomar en el clásico de Thelonius Monk 'Round Midnight se basa en un ritmo de bolero simple up-tempo. Es en la sangre de todos los músicos cubanos para jugar a este ritmo con groove y precisión. No defrauda aquí. El solo de guitarra tiene un enfoque de ensueño, al blues a este venerado jazz clásico que algunos podrían ofenderse, pero para mí es tan profundo como el enfoque tradicional. Sin limitar a doce barras o un formato estricto, 'Round Midnight es una especie de blues. Saco el montuno funkified guitarra y los oficios que siguió trompeta.
Homenaje a Cuba afro tiene varias cosas que amo. Esta fue mi pieza favorita en la grabación de una serie de razones. El ritmo 6 / 8 que coquetea con ser un 3 -2 guaguancó que coquetea con estar en "dos" es una especialidad de las secciones de ritmo cubano que muy pocos tienen un mejor dominio de. Los contornos melódicos son sólo bellas de las declaraciones de apertura. La armonía es rica y contemporánea, y la primera línea de trompeta, fliscorno y el tenor es perfecta. Cuando la pieza se dobla a Octavio Rodríguez, te das cuenta de lo que un maestro de estilos folclóricos que es. Él es el verdadero negocio, y al igual que los grandes Cándido, Patato y Chano, la suya no es un estilo basado en el histrionismo y las chuletas de pantalla. Cuando el fiscornos entrar con su dúo y oficios que siguió jugando y colectiva, es soñadora, es rica, apasionada y pura alma cubana.
"Chicoy's Son" es un divertido pequeño estudio, un signo de puntuacion que señala el final de un viaje musical muy satisfactorio. Lo que tenemos aquí es de dos viejos amigos, Pablo Menéndez y Emilio Martini (Sr. Monster Guitarra) divirtiéndose en el tablero y tal vez riendo en el ámbito de sus interlocutores sociales, a la variedad de la música, la multiplicidad de técnicas y conceptos representados en este CD.
He tenido el privilegio de visitar Cuba varias veces y puede dar fe de la musicalidad innata y alto nivel técnico de los músicos más cubano, y el profundo conocimiento de las tradiciones musicales que la mayoría son conscientes. Lo que no hemos hablado es la pura alegría de sólo hacer música. Para la gran mayoría, no existe contrato de sello grande al final del arco iris, sin olla de oro, no hay posibilidad real de convertirse en estrella (sea lo que sea). Ellos hacen lo que hacen, no por carrera, o dinero o fama, lo hacen por el amor puro de tocar la música lo mejor que pueden. Creo que viene a través de bonito en este disco.
También tuve el privilegio de visitar Pablo en su casa y cumplir con todos estos artistas plásticos. Son también grandes, la gente con amabilidad y generosidad. Uno no consigue que más santo que tú, separado de los demás, serio "jazz" vibra músico que puede ser tan inútil y fuera de la puesta. Juegan con tanta alegría! Tal vez es porque no han tenido que aprender el concepto de un trabajo de "día" y porque todo el mundo alrededor de ellos asume que la música, no persiguiendo el dinero o la fama, es su vida!
Pablo ha creado una familia de artistas afines en La Habana, informó un familiar, multicultural y abierto, cuyo único deseo es jugar en la gran música, conscientes de sus raíces, siempre mirando hacia delante y siempre alegre: un auténtico "Mezcla" (mezcla) .
Arturo O'Farrill
Menéndez Pablo: Nuestro gato en La Habana

Gracia Negra -CRIOJAZZ-

El Duo...
ALEX TORRES
La voz líder de GRACIA NEGRA es considerada uno de los cantantes más completos, por la virtud de los recursos artísticos expuestos en su forma de entender el canto. Este artista inició su carrera desde siempre; en la escuela, en la esquina, en la sala ya se comentaba de su don. Como profesional debutó muy temprano siendo vocalista del juvenil grupo Alma del Barrio, (segunda division del Grupo Niche) producido por Jairo Varela. Después de su paso por importantes orquestas nacionales se posicionó en la tarima internacional como voz líder de Guayacán Orquesta poniendo en su sitio los temas: (Dormida en mi hamaca, Libre y Rey de Burlas) triunfando en grandes escenarios del mundo como el apetecido Madison Square Garden de Nueva York, y sus pares en Europa, Canadá y Latinoamerica. La jerarquía de los artistas que a acompañado refuerzan este postulado: Andy Montañés, Cano Estremera, Rey Ruiz, Maelo Ruiz, Willie González, Amilcar Boscán, Pedro Conga, Mulenze, Richie Valdés entre otros, pero la rúbrica de su elegancia, madurez y carácter vocal la imprime en el primer disco con GRACIA NEGRA, hecho con el arte y secreto de los trajes finos. A la medida.

LEY RODRIGUEZ
Compositor y productor general de GRACIA NEGRA. Desde niño cultivó su afición por la observación, la creación literaria y artística. Como profesional fue director musical de Alma del Barrio, y en el área social a desarrollado proyectos de sociales en cultura y educación, escritor, humorista.

CALLE LIRICA
La primera producción de Gracia Negra, es una escena salsero expresiva, romántico, social, alegre, espiritual, reflexiva. Una exposición, una forma de hacer salsa moderna con un contenido de elementos para los que bailan, y para los que escuchan. Producido en Bogotá, Cali, Cartagena, Nueva York contó con la participación de músicos artistas de gran envergadura. La presentación en sociedad de este trabajo fue exitosamente premonitoria. Gracia Negra ganó el primer puesto como mejor propuesta artística urbana, en el ciclo de conciertos del Instituto Distrital de Cultura y Turismo de Bogotá, en un amplio proceso de selección con bandas locales e internacionales de gran nivel.
¡De voceador de prensa a estrella de la salsa!
El hombre es de tez blanca pero tiene alma de negro. Lo dice su tumbao, su sabrosura, su caminar acompasado con el ritmo candente que corre acelerado por sus venas. Es Ley Rodríguez, un trotamundo... mas
El hombre es de tez blanca pero tiene alma de negro. Lo dice su tumbao, su sabrosura, su caminar acompasado con el ritmo candente que corre acelerado por sus venas. Es Ley Rodríguez, un trotamundo incansable, juglar de la vida, poeta de la calle. A los cinco años ya se ganaba la vida vendiendo periódicos. Esa fue su primera escuela: la calle, la aventura citadina, sus personajes novelescos, su fragor, su clima, el día a día entre la exaltación y la fatalidad; el riesgo, el sentido de supervivencia, el inconfundible olor a asfalto. En ese terreno maduró con el tiempo su proyecto artístico, el mismo que compartió con Alex Torres, una de las voces estelares de la salsa, ex Guayacán, y en la actualidad líder de ‘Gracia Negra’, agrupación vanguardista de este género que repunta con un álbum que tiene un título de novela negra: ‘Calle lírica’: doce temas inéditos, autoría de Ley Rodríguez, quien también en este trabajo hace las veces de compositor, productor y arreglista. Letras como: ‘Willie y Rubén’ (homenaje a Willie Colón y Rubén Blades), ‘Mi desagravio’, ‘Nuestro amor’, ‘Aventura’, ‘Raspao despechao pa’Nueva York’ y ‘Omnigente’, entre otros, dan cuenta del talento, la imaginación y la prosa lírica de Ley con esta, su ópera prima musical que, paradójicamente, ha sido más elogiada y reconocida en el exterior que en su propio país. Ley, que estudió música y técnica vocal con profesores particulares, que viajó a Nueva York para adelantar más estudios, que fue director de ‘Alma de Barrio’, que es consultor de proyectos sociales y culturales en sectores desprotegidos de la nación, se convierte en noticia de primera página con esta producción que marca un nuevo estilo de hacer salsa: un trabajo hecho a pulso y a conciencia, que retrata la calle en su pulsión y en su color local, al decir del escritor español, Juan José Millás, como la gran metáfora del mundo. Al compás de Ley. ¡Vaya, caballero! ‘Calle lírica’. ¡Vaya un título para una gran novela! “‘Calle lírica’ es un paisaje urbano pintado con melodías y vivencias de la contemporaneidad y la cotidianidad latinoamericana”. ¿Existe en realidad esa calle? “Por supuesto que existe, y a ella se puede uno asomar en cualquier ciudad del mundo: es el escenario donde todos tenemos algo en común y estamos ligados por el cordón umbilical de lo urbano, de ese ir y devenir, de su reciprocidad social”. ¿Desde cuándo usted es un hombre de la calle? “Yo tuve conciencia de la realidad de la calle desde mi primera infancia, cuando tuve el primer contacto con los periódicos, porque yo fui voceador de prensa, y entre esos papeles me di cuenta de que el mundo real estaba plasmado ahí, y no en lo que nos vendía a diario en la televisión”. ¿Cuánto duró como voceador de prensa? “De los 5 a los 9 años. Es que mis primeros juguetes fueron los periódicos y los libros”. ¿Y cómo sentía la calle en ese entonces? “Debo decir que la sentía tensa, turbia y con una intensidad cinematográfica. A mí me tocó en suerte una calle muy agitada y trepidante en la efervescencia revolucionaria de los años 70’s, en Río Blanco, Tolima. Allí se escuchaba el tableteo de la metralla, los gritos desesperados de viudas y huérfanos, todo esto agregado al incesante pregón de los vendedores ambulantes, del ayudante de flota anunciando la ruta, las exclamaciones de los borrachos caudillescos en épocas electorales, y la vocecita mía ofreciendo el periódico del día”. ¿Ha escrito crónicas de esa calle? “He escrito más de quinientas, de las cuales ahora revelo doce en este primer álbum de ‘Gracia negra’”. ¿Cómo se hizo músico? “En la calle. Esa fue mi gran escuela. En la calle percibí los primeros toques que me incitaron a hacer música. Yo tuve una influencia muy sólida en este ámbito: desde los tangos que me arrullaron en la casa; los pasillos, los bambucos, torbellinos y vallenatos de las tertulias caseras, hasta la salsa dura de Ismael Rivera, Rubén Blades, Willie Colón, que escuchaba en la onda corta de la radio”. ¿Y cómo se unió a Alex Torres? “Lo conocí cuando él estaba en Guayacán Orquesta. En un encuentro que tuvimos en Nueva York, decidimos que yo regresaría al país a iniciar este proyecto”. Tamaña empresa esta de la música. ¿Quién le respaldó esta utopía? “Bueno, esto se hizo de manera independiente. Entre Alex y yo pusimos sobre la mesa los ahorros que teníamos, y contamos con la gran colaboración de los músicos que grabaron, sin alarde de intereses materiales. Fue una empresa quijotesca en la que invertimos más nuestros deseos de hacer arte, que el mismo poder del metal”. ¿Cuánto tiempo de maduración tuvo este proyecto? “Por lo menos ocho años. Y vea usted que hasta ahora estamos viendo los resultados”. ¿Y de qué ha vivido usted en todo este tiempo? “He hecho proyectos de educación y cultura con alcaldías, colaboraciones editoriales, libretos, humor, teatro, y negocios particulares. Es decir: para mí la música es el alma y le estómago su hipoteca”. ¿Qué nombre podría recibir el tipo de salsa que hacen ustedes? “Unos han dicho que es salsa social, otros, de vanguardia, unos más dicen que es una salsa diferente; yo diría que todas las anteriores”. ¿Pa’bailá y gozá, como decía Jhonny Pacheco? “Y pa’escuchá. Porque esta salsa, además del golpe que reclama el bailador, tiene texto y mensaje”. ¿Sigue siendo un hombre de la calle? “Hoy más que nunca”. ¿Y cuál es la ley de la calle? “El saber dar buenos pasos”.
Gracia Negra
Entrevista realizada por el portal sofonia.com, en ella menciona nuestro trabajo Calle Lirica del dúo salsero, aquí le tenemos un adelanto de la entrevista

Carlos De León.

Años Perdidos
La selección del redactor:
He aquí una buena banda local de jazz latino de Nueva Inglaterra dirigida por el trompetista Carlos de León. Es una mezcla agradable de montuno-jazz, el merengue-jazz (siempre frío), la samba, la rumba, el cha cha chá, y un poco más adelante hacia la salsa y el merengue cortes. Me imagino que esto sería una banda divertida de ver en directo. Con trombonistas Angel Subero y Lewsier Jessica, el bajista Eduardo "Chicho" Ortiz, saxofonistas Gabriel Parra, Marcos Carbone y Francisco "Chico" Pérez, percusionistas Jorge Najarro, Jesús Andújar, Rick Andre, y Luis "Robertico" Arias. Otros. Recomendado. (BP, 28/01/2010)
Títulos de los temas incluyen:
Jazzyrengue
Son De La Loma
Montuneando
Culpa De La Sociedad
Samba Caribe
Años Perdidos
Obsesión
Por Tu Como Alguien
Yo Soy Aquel
Compadre Pedro Juan
Los músicos son:
Carlos De León, trompeta, vocales
Gabriel Parra Sax
Manolo Mairena Vocal
Francisco "Chico" Pérez Sax
Angel Subero Trombón
Eric Piano Hangen
Eduardo "Chicho" Ortiz bajo
Jorge Najarro Timbal, conga, bongó, campana
Jesús Andújar tambora
Rick Tambores André
Luis "Robertico" Arias Congas, Guria, bongo
Jessica Trombón Lewsier
Marcos Sax Carbone

Quincy Jones.

Músico, compositor, productor, arreglista, director de orquesta.

Biografía
En un empresario es lo más amplio y creativo sentido de la palabra, la carrera de Quincy Jones, comprendió el papel de compositor, productor, artista, productor de la película, arreglista, director de orquesta, instrumentista, productor de televisión, ejecutivos discográficos, fundador de revistas y multi- los medios de comunicación empresaria. Como un maestro inventor de los híbridos musicales, que ha barajado el pop, soul, hip-hop, jazz, música clásica, música africana y brasileña en muchas fusiones deslumbrante, recorriendo prácticamente todos los medios, incluyendo los registros en vivo, cine y televisión.
Celebrando más de 50 años realizar y participar en la música, la magia creativa de Quincy se extiende por más de seis décadas, empezando con la música de la era post-swing y hasta el día de hoy de alta tecnología, los híbridos internacional multi-medios de comunicación. A mediados de los años 50, fue el primer director de orquesta popular arreglista para grabar con un bajo Fender. Su tema de la exitosa serie de televisión Ironside fue el tema pop-sintetizador basado primera canción. Como el compositor primer negro en ser aceptada por el establecimiento de Hollywood en los años 60, ayudó a cargar la música de cine con infusiones muy necesarias de jazz y soul. Su punto de referencia álbum de 1989, Back on the Block-llamado "Álbum del Año" en los Premios Grammy 1990, atribuibles leyendas como Dizzy Gillespie, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Miles Davis, junto con Ice T, Big Daddy Kane y Mel a Melle crear la primera fusión del be bop y el hip hop tradiciones musicales, mientras que su grabación de 1993 de la aclamada Millas y Quincy Live en Montreux, aparece la realización de Quincy "actuación en directo de Miles Davis de la histórica Evans acuerdos Gil, de la Adelante Miles, Porgy and Bess y Sketches de las sesiones de España, obtuvo un premio Grammy al Mejor Conjunto de Jazz de gran rendimiento. Como productor y director de orquesta de la histórica "We Are The World" de grabación (el single más vendido de todos los tiempos) y multi-platino de Michael Jackson discos como solista, Off The Wall, Bad y Thriller (la venta de mejor álbum de todos los tiempos, con más de 46 millones de copias vendidas), Quincy Jones se destaca como uno de los más exitosos y admirados artistas creativos y ejecutivos en el mundo del entretenimiento.
Su 1995 la grabación, de Jook Q Común, una vez más mostró la capacidad de Quincy para moldear los talentos únicos de un ecléctico grupo de cantantes y músicos, en lo que resultó en una retrospectiva de su y diversa carrera extensa de la de un músico de jazz sazonada, al compositor cualificados, arreglista y director de orquesta, productor de discos de aclamados.
Una referencia a las casas club de aridez de la América rural en la década de 1930, 40, y 50, el platino es Jook Q Común contó con las actuaciones de artistas como Bono, Brandy, Ray Charles, Phil Collins, Coolio, Kenny "Babyface" Edmonds, Gloria Estefan, Rachelle Ferrell, Aaron Hall, Herbie Hancock, D. Pesada, Isley Ron, Chaka Khan, R. Kelly, Queen Latifah, Loc. tono, el Luniz, Brian McKnight, Melle Mel, Shaquille O'Neal, Joshua Redman, el Broadway grupo musical Stomp, SWV, Take 6, el recién llegado Tamia, Toots Thielemans, Mervyn Warren, Barry White, Warren Wiebe, Charlie Wilson, Nancy Wilson, Stevie Wonder, el Sr. X, y el yo-yo, entre otros, y obtuvo siete nominaciones a los Grammy . Su grabación, de Q, con amor, aparece una colección de 26 canciones de amor que grabó en los últimos 32 años de su carrera de 50 años más en el negocio de la música.
Quincy Jones nació el 14 de marzo de 1933, en Chicago y criado en Seattle. Si bien en la escuela secundaria, comenzó a estudiar trompeta y cantaba en un cuarteto de gospel a los 12 años. Sus estudios musicales continuaron en el prestigioso Berklee College of Music en Boston, donde permaneció hasta surgió la oportunidad de tour con la banda de Lionel Hampton como trompetista, arreglista y pianista en algún momento. Se trasladó a Nueva York y el musical "grandes ligas" en 1951, donde su reputación creció como arreglista. A mediados de los años 50, fue la organización y el registro de artistas tan diversos como Sarah Vaughan, Ray Charles, Count Basie, Duke Ellington, Maybelle Grandes, Dinah Washington, Cannonball Adderly y Baker Levern.
En 1957, Quincy decidió continuar su formación musical estudiando con Nadia Boulanger, el tutor legendario París de América expatriados compositores como Leonard Bernstein y Aaron Copeland. Para subsidiar sus estudios empezó a trabajar con Barclay Disques, distribuidor francés de Mercurio. Entre los artistas que se registran en Europa fueron Charles Aznavour, Jacques Brel y Henri Salvador, así como visitantes de Estados Unidos tales como Sarah Vaughan, Billy Eckstine y Andy Williams. Quincy asunto del amor con el público europeo continúa hasta el presente: en 1991, comenzó una relación continua con el Montreux Jazz y World Music Festival, que se desempeña como co-productor.
Quincy ganó el primero de sus muchos premios Grammy en 1963 por su conde acuerdo Basie de "I Can't Stop Loving You." Tres años de asociación musical Quincy como director y arreglista de Frank Sinatra a mediados de los años 60 también le hizo equipo con Basie en el clásico de Sinatra en el Sands, que contiene el acuerdo de famosos de "Fly Me To The Moon", la primera grabación de jugar por el astronauta Buzz Aldrin cuando aterrizó en la superficie de la luna en 1969.
Cuando se convirtió en vicepresidente de Mercury Records en 1961, Quincy se convirtió en el primer ejecutivo negro de alto nivel de una compañía discográfica importante establecidas. Hacia el final de su asociación con la etiqueta, Quincy volvió su atención a otra área musical que había sido cerrada a los negros-el mundo de la música de películas. En 1963, comenzó a trabajar en la música de Sidney Lumet El prestamista y fue el primero de sus 33 películas resultados importantes. En 1985, fue co-producido la adaptación de Steven Spielberg, de Alice Walker El color púrpura, que obtuvo once nominaciones al Oscar, presentó Whoopi Goldberg y Oprah Winfrey a las audiencias de cine, y marcó el debut como productor Quincy película. En 1991 Quincy ayudó a lanzar la exitosa serie de televisión-NBC, The Fresh Prince of Bel Air, para el que actúa como productor ejecutivo.
En 1990, Quincy Jones formó Quincy Jones Entertainment (QJE), una co-empresa con Time Warner, Inc. La nueva compañía, que Quincy desempeñó como director general y presidente, había un amplio programa de alcance, multi-media que abarca la programación para las actuales y las tecnologías del futuro, incluyendo películas de teatro y de la red, por cable y la televisión sindicada. QJE producido Television frescas NBC Prince Of Bel Air (ahora en sindicación), y de UPN en la Cámara y de Mad TV Fox Television. Quincy Jones, es también el editor de VIBE Magazine (así como fundador), SPIN y Revistas Blaze.
En enero de 1992, Quincy Jones produjo el ejecutivo de An American concierto de reunión en el Lincoln Memorial, un concierto de estrellas-todos y de fiesta que fue el primer evento oficial de la fiesta de inauguración presidencial y señaló a la aclamación de la transmisión por televisión como HBO.
El 25 de marzo de 1996, Quincy Jones, productor ejecutivo de los premios más vistos espectáculo del mundo, la 68 ª Anual de Premios de la Academia. El espectáculo recibió la aclamación generalizada como uno de los más memorables de Premio de la Academia muestra en los últimos años.
1997, Quincy Jones formó la Quincy Jones Media Group. QJMG el largometraje de proyectos en el desarrollo incluyen tales anticipado películas altamente como las adaptaciones de las Ellison novela Ralph Juneteeth, David Halberstam Los niños con fines de Home Box Office, en asociación con los productores Kathleen Kennedy y Frank Marshall , una bio-pic sobre el siglo 19 poeta ruso Alexander Pushkin, Pimp y Semillas de la Paz para Showtime, entre otros. Para la televisión, QJMG está desarrollando la sit-com el blanco. QJMG también participa activamente en espectáculos en directo, respuesta directa marketing y proyectos en distintos medios de entretenimiento en el hogar y aplicaciones educativas. Jones se encuentra actualmente colaborando con Leslie Bricusse en el libreto y canciones para una obra de Broadway basado en la vida de Sammy Davis, Jr. y recientemente, junto con la Universidad de Harvard y Microsoft, producido la enciclopedia completa de la cultura y afro-americanos Encarta Africana.
Como ejecutivo de compañía discográfica, Quincy sigue siendo muy activa en el campo de la grabación como la fuerza directriz detrás de sus propios registros de Qwest, que actualmente cuenta con artistas tan importantes como New Order, Tevin Campbell, André Crouch, Jefferson Gregory y Justin Warfield. Orden Nuevo álbum, el fondo obtuvo un disco de oro de Qwest en 1987. Tevin Campbell Tevin era a la vez una sensación de crítica y éxito comercial, y una firma de la liberación de la N Boyz La banda sonora fue una de la capilla de la banda sonora grabaciones más exitosas de 1991. Qwest Records también ha publicado álbumes de bandas sonoras de las grandes películas Sarafina! Y Malcolm X.
En 1994, Quincy Jones lideró un grupo de hombres de negocios, incluyendo Salón de la Fama Willie Davis jugador de fútbol americano, el productor de televisión Don Cornelio, periodista de la televisión Geraldo Rivera y empresaria Sonia Gonsalves Salzman en la formación de Qwest Broadcasting, una empresa controlada minoría de radiodifusión que compró las estaciones de televisión en Atlanta y Nueva Orleans por aproximadamente $ 167 millones, se establece como una de las mayores empresas de minorías de radiodifusión de propiedad en los Estados Unidos. Quincy se desempeñó como presidente y CEO de Qwest Radiodifusión. En 1999, aprovechando la rápida escalada de los valores emisora, Jones y sus socios vendieron Qwest Radiodifusión de $ 270 millones reportados.
Los laureles, premios y galardones han sido innumerables: Quincy ha ganado un premio Emmy por su partitura de la apertura del episodio de la miniserie de televisión histórica, raíces, siete nominaciones a los Oscar, la Academia de Artes Cinematográficas y "Jean Hersholt Humanitarian Award Ciencias , 27 Premios Grammy, y el Premio NARAS el prestigioso Síndicos y el Grammy Living Legend Award. Él es el momento "todo artista con más nominaciones Grammy con un total de 79 nominaciones al Grammy. En 1990, Francia reconoció Quincy con su título más distinguido, la Legión d 'Honneur. Él es también el destinatario del Ministerio francés de Cultura Distinguido de las Artes y el Premio Letras. Quincy es el receptor de la Real Academia Sueca de las codiciadas Música el Premio Polar Music, y la República de Rudolph Premio de Italia Valentino Él es también el destinatario de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Howard, el Berklee College of Music de la Universidad de Seattle, la Universidad de Wesleyan, Brandeis. Universidad, la Universidad de Loyola (Nueva Orleans), Clark Atlanta University, Escuela de Claremont de la Universidad de Postgrado, la Universidad de Connecticut, la Universidad de Harvard, la Universidad Tuskeegee, New York University, Universidad de Miami y el American Film Institute. Recientemente, Jones fue nombrado 2001 Kennedy Center homenajeado, por sus contribuciones a la estructura cultural de los Estados Unidos de América.
En 1990, su vida y su carrera fueron la crónica en la aclamada película de Warner Bros., Listen Up: La vida de Quincy Jones, producida por Courtney Venta Ross, una película que ayudó a iluminar no sólo la vida de Quincy y el espíritu, pero también ha revelado mucho sobre el desarrollo de la tradición musical africana de América. Al reflexionar sobre los cambios en la música pop en los últimos años, Quincy dice: "Si hay algunos denominadores comunes, que son espíritu y musicalidad. Voy por la música que me da piel de gallina, la música que toca mi corazón y mi alma. "Con los años, Quincy Jones ha llegado a la esencia de la música y el arte: la capacidad de tocar los sentimientos y emociones.
En 2001, Quincy Jones añadió el título de "Mejor Autor de ventas" a su lista de logros cuando su autobiografía "Q: La autobiografía de Quincy Jones" entró en el New York Times, Los Angeles Times y el Wall Street Journal-Sellers listas de las mejores. Liberado por Doubleday Publishing, la biografía aclamada por la crítica vuelve a contar la historia de Jones vida desde sus días como un joven pobre en el sur de Chicago a través de una impresionante carrera de forma masiva en la música, el cine y la televisión, donde trabajó al lado de leyendas como Billie Holiday, Ray Charles, Dizzy Gillespie , Count Basie, Ella Fitzgerald y Michael Jackson, entre muchos otros. En relación con la autobiografía, Rhino Records lanzó un 4-cd box set de la "música Jones, que abarca desde su de 5 décadas de carrera más en el negocio de la música, titulado" Q: La biografía musical de Quincy Jones. "
La grabación de audio de "Q: La autobiografía de Quincy Jones," (Simon & Schuster), recientemente obtuvo su 27 º Jones premio Grammy, en el mejor de la Palabra Hablada categoría, mientras que "Q: El Musical Biografía de Quincy Jones" le valió un decimoquinto NAACP Image Award, en la categoría de Mejor Artista de Jazz.

La Clave.

La Clave (1973 Rock Latin Jazz)
Un disco increíble de funk latino - el único registro de la historia de este combo costa occidental encabezada por el legendario Benny Velarde! un nombre de Benny que usted puede reconocer desde antes, las fechas más recto para América Fantasy - o para un trabajo de estudio innumerables durante los años 70 - pero en este caso, realmente tiene un talento para un funky groove 70 - y logra golpear un espacio único que los en algún lugar entre el funk convencional, la costa oeste de América, y algunos de los más modernos blacksploitation ranuras de las veces! El álbum también cuenta con algunos trabajos menores de crédito de Lalo Schifrin - que estaba atado al proyecto de alguna manera (Velarde afirma que el expediente fue asesinado por MGM en caso de liberación a causa de una pelea con Lalo) - pero nunca plenamente acreditado en las notas . Hay un claro vínculo aquí con algunos de funky Schifrin la banda sonora de la época - una gran mezcla de elementos y jazzier headier funk 70 - todo servido con una opresión en el que haya hecho el registro de uno de nuestros tesoros funky favorito por años! Los títulos incluyen "The Ghetto", América Slide "," Who You "engañar" Road Runner "," Soul Sauce "," Cocoa Leaf "y" Move Your Hands ".

1. Sally recorrer las rosas
2. Los ángeles de la misericordia
3. Mueva la mano
4. América Slide
5. ¿Quién te foolin
6. La Ghetto
7. Road Runner
8. Soul Sauce
9. Baila mi guaganco
10. Cacao de la hoja
Descripción del producto
Por primera vez en CD para este poco perdidos de funk latino de la década del 70 - y un único álbum jamás registrado por este combo de hip San Francisco. El grupo pesado en la percusión, teclados y guitarra wah-wah - y riff a lo largo de todas sus fuerzas con un sonido que en algún lugar entre el alma y el funk chicano banda sonora blacksploitation. Como bono adicional, Lalo Schifrin también tuvo algún papel misterioso en el período de sesiones - jugando un poco de teclados y, supuestamente, ayudar en los arreglos. El álbum es un tesoro raro en el catálogo de Verve Records - fácilmente uno de las fechas más funky jamás registrada en la etiqueta, y no está disponible durante décadas!
Esta revisión es de: La Clave (Audio CD)
Este conjunto de América en San Francisco, funk-jazz cortar una amplia franja de la escena musical Área de la Bahía a principios de 1970, en última instancia, la grabación de este vertiginoso, álbum funky que mostraba tanto la banda de raíces de América Latina y moderna, la fusión y la danza- elementos orientados. Hay algunas opciones interesantes en el repertorio, como una versión amplificada en marcha de "Sally Go Round The Roses" (hit de folk-pop para otros pocos años antes) y una fuerte dosis de "Low Rider funk chicano" de estilo. En el estudio, líder de La Clave, Benny Velarde hizo sitio legendario del jazz-pop Schiffrin compositor-arreglista Lalo, quien toca los teclados y contribuye con un par de canciones también. Esto puede ser un poco fuertes para el aficionado al jazz casual, o Latinophile, pero los fans acid jazz será emocionado por esta nueva publicación en la etiqueta de novato, Dusty Groove. (Sixpack DJ Joe, guía de la música Slipcue)
La Clave - La Clave 1973 (Varios Latinos)
La movida californiana de fines de los sesenta congrego al movimiento hippie en la mas autentica de sus expresiones, donde se combinaban todas las formas de sicodelia ya sea en la plastica, la musica y todas las expresiones de arte visual y escrito. Pero junto con los musicos estadounidenses e ingleses que invadian California, tambien habia un movimiento latino con musicos que se sumaron al sonido de californiano con raices afroamericanas. Uno de los destacados fue el panameño Benny Velarde quien junto a Willie Colon un descendiente portorriqueño formaron esta agrupacion, la que dejo solo este registro de 1973 pero que es muy cotizado por los coleccionistas. Al escucharlo uno entiende porque tanto interes de los especialistas con este disco, una pieza excelente del sonido latino de comienzos de los setenta, con aires de jazz muy fusionados con la salsa, el soul y un ingrediente sicodelico.
1. Sally go round the roses
2. Angels of mercy
3. Move Your Hand
4. Latin Slide
5. Who you foolin
6. The Ghetto
7. Road Runner
8. Soul sauce
9. Baila mi guaganco
10. Cocoa leaf
Musicos:
Tito Garcia, vocals
Johnny Nelson (vocals);
Gabriel Rondon (guitar);
Martin Fierro (tenor saxophone);
Jerry Gilmor (baritone saxophone);
Joe Ellin (trumpet);
Pat O'Hara (trombone);
Al Zulaica (piano);
Willie Colon (bass guitar);
Luiz Miranda (congas);
Benny Velarde (timbales).
Lalo Schifrin (keyboards).
fanáticos de la música en vivo para este tipo de cosas: algunos joya olvidada que languidecen en la bóveda de algún sello discográfico cuyos bibliotecarios no recuerdo lo existido, y mucho menos la atención lo suficiente como para hacer un caso para su reedición. disco funk conjunto único de América La Clave, grabado para Verve en los años 70 y luego emitió brevemente en 1973, está rodeada de misterio, incluso ahora. Gracias a los maniacos de música en Surco, Dusty que han tenido la clase y la dedicación para crear su propio sello en aras de la nueva publicación de artículos como este, puede ser traído a la luz pública por un poco menos. La Clave fue encabezada por la leyenda de la percusión de la música latina Benny Velarde. Él es mejor conocido por su trabajo de la sesión masiva y las fechas que grabó bajo su propio nombre para el sello Fantasy. Este disco fue remasterizado al parecer, de una copia de vinilo, y sus créditos vienen de la memoria de Velarde. La Clave cuenta con la composición de Lalo Schifrin en los teclados. Esto es correcto en la medida en que va, pero el productor Tony Bruno y arreglista John D'Andrea puede tener sólo agregó Schifrin para proporcionar algunos detalles de última hora y "algo extra en las teclas", ningún otro jugador se le atribuye. Además, el manga también se observa que puede haber contribuido Schifrin algunos arreglos en el disco. Tal vez nunca lo sabremos. Lo que sí sabemos es que las puntuaciones propia Schifrin la película del tiempo han hecho algunos toques funky latinos que son una reminiscencia de la música se encuentra aquí, y que este disco es asesino.
Compuesto por diez cortes, donde un conjunto de percusión-pesados decorados por alguien en los teclados, bajo, guitarra, cuernos de cinco años y las voces de Tito García y Johnny Nelson (también hay algunas voces femeninas que no se acreditan), establecen algunas de las más infecciosas, el verano sólidos ranurado música para salir de los primeros años 70. Opciones de Velarde moda que se estelar. Hay vapor Lonnie Smith "Move Your Hand", hecho aquí con la voz de estilo coral bajo una línea de bajo burbujeante, un remolino B-3, un wah susurrando guitarra wah, y un montón, un montón de tambores soul y la percusión de mano y cuernos que se sienta más como algo de Rico Rodríguez y el Skatalites en su dubbiest. Pero se pone mejor. También hay una versión de "Donny Hathaway La Ghetto" aquí que te dejará sin aliento es tan sensual y siniestro, y lo malo hasta el hueso. "Dizzy Gillespie's Soul Sauce" con el trabajo de piano increíble por alguien ofrece una base sólida para la sección de vientos y tambores para cavar en un surco disciplinado. En cuanto a las voces, en estas pistas, piensa más Sergio Mendes y su enfoque de Chorus Line, todos los subestimado y nocturnos, y usted consigue el cuadro. Esto funciona incluso en lo general las canciones populares cursi como "Sally Go Round the Roses" que se transforma completamente. Schifrin ha contribuido "América Slide", que tiene algunas tambor culo de mal se rompe, mientras que "la hoja de cacao" se compone de una breve pero frenética percusión y piano ejercicio que se cierra el conjunto de repente y deja al oyente sin aire. "Velarde Road Runner", una resbaladiza deslizarse a través de ranuras funk duro y atavíos América alma, tiene efectos psicodélicos de teclado, y "Baila Mi Guaguancó", una sesión de ejercicios América salsa más tradicional, aunque con algunas extrañas ángulo guitarra eléctrica y descentrado rompe saxofón . Estos dos últimos reunir a la mayor parte de este disco. Nada de esto es extraño: toda ella aparece, chisporrotea, surcos y se desliza de su camino a través de los altavoces en los oídos de quien escucha a su mente y corazón. Para cualquier fan de funk latino, por cualquier fan de la música con ranuras, La Clave está escuchando indispensable. No es una pieza de curiosidad, pero una que escupen fuego, dragón sexy de una grabación que no sólo satisfacer a nuestros mejores y más justos impulsos hedonistas, se agrega de manera significativa a la riqueza de canon histórico de la música latina, y también merece el título "perdido clásico" estado de . ~ Jurek Thom, All Music Guide.

Mulatu Astatke.

Mulatu Astatke es uno de los músicos más importantes de Etiopía. A fines de los 50, viajó a Londres y posteriormente a Boston y Nueva York, absorbiendo influencias del Jazz y ritmos latinos. Ha grabado varios LPs (uno de los cuales, Mulatu of Etiopía, se ha convertido en una leyenda para DJs en el último tiempo), y eventualmente llevando tanto el jazz moderno e influencias latinas, así como instrumentos específicos de la música occidental de vuelta a su natal Addis Ababa. En piano, órgano, vibráfono y percusión, con sus arreglos y composiciones, y como un agente provocador, se convirtió en una figura esencial en la gran era del Jazz y Pop Etíope, entre 1968 y 1974. Desde 1969, creó las primeras bandas independientes de la milicia etíope, que anteriormente había dominado la escena musical de su país. Hoy en día, se mantiene en una posición central en la escena musical etíope, como dueño de club, fundador de escuela musical, DJ de radio, compositor, arreglista e instrumentalista.
El disco Ethiopiques, Vol. 4: Ethio Jazz & Musique Instrumentale, 1969-1974 (volumen dedicado exclusivamente a la música de Astatke) es un gran ejemplo para entender la mezcla de influencias que reúne este eximio músico africano. Lo que encontrarás en este disco: la excelente fusión de Jazz, Funk, Groove y Swing. Gran parte del sonido de este disco se posa sobre las largas y pegajosas líneas de bajo eléctrico. Un gran trabajo de octavas de los saxos recuerda líneas del Swing norteamericano de principio de los '50, siempre con una gran influencia latina. La guitarra tiene un papel protagónico en este disco, una guitarra eléctrica distorsionada o Wah que recuerda los mejores riffs de la época jazzera de Frank Zappa, y que en muchas ocasiones se adueña de los solos. Las percusiones tienen un sólido sonido funk y latino (imagínense a James Brown y Mongo Santamaría metidos en una juguera), creando la base ideal para el desempeño de los otros instrumentos. Acá no encontraras temas con solos marcados de cada instrumento y una walkin' del bajo, es casi un viaje astral por cada tema, que se mueve como seda por cada segundo de su composición y arreglo. El resultado? ETHIO-JAZZ, término forjado casi exclusivamente en el trabajo pionero de Astatke, que llevó el sonido de su África natal y del jazz un paso más allá, con la calidad de pocos.
Lo que hay que escuchar: el mismo Ethiopiques, Vol. 4: Ethio Jazz & Musique Instrumentale, 1969-1974 (muy difícil de encontrar en Santiago) o el más accesible, la banda sonora de "Broken Flowers", que si bien no es tan bueno como el anterior, mas de la mitad es de propiedad del músico africano.
Mulatu Astatke (el apellido también se escribe como Astatqé)es un músico y arreglista etíope. Se le considera el padre del Ethio-jazz. Nació en 1943 en la ciudad de Jimma, Etiopía occidental. Su formación musical se realizó en Londres, Nueva York y Boston, donde fue el primer estudiante africano en el Berklee College of Music. Posteriormente combinó la influencia del jazz y la música latina con la música tradicional etíope. .
Trabajó con muchos artistas de jazz influyentes como Duke Ellington durante los años 1970. Tras encontrarse con la banda de Massachusetts "Either/Orchestra" en Addis Ababa en 2004, Mulatu comenzó una colaboración con esa banda que continúa en la actualidad, siendo sus representaciones más recientes en escandinavia en el verano de 2006 y Londres , Nueva York, Alemania, Holanda, Glastonbury (RU), Dublin y Toronto en el verano de 2008. En el otoño de 2008 coloboró con la londinense "Psyche-Jazz collective", con "The Heliocentrics" en el álbum 'Inspiration Information Vol. 3' que incluía versiones de sus primeros clásicos del Ethio-Jazz junto con nuevo material tanto de "The heliocentrics" como propios. El instrumento característico de Mulatu es el vibráfono.
En 2005, compone parte de la banda sonora de la película de Jim Jarmusch Broken Flowers. Además, el Volumen 4 de las serie "Ethiopiques" se dedica completamente a su música. También ha producido a muchos artistas de África oriental, incluyendo a Mahmoud Ahmed.
Mulatu lanzó un doble álbum de venta exclusiva para los pasajeros de Ethiopian Airlines, siendo el primer disco una compilación de los diferentes estilos de las distintas regiones de Etiopía, y el segundo, originales grabados en estudio.

Mulatu Astatke nombre que trae a la memoria la extraordinaria agrupación de los años ochenta liderada por Mike Mainieri, es un disco que reivindica el papel del vibráfono en el jazz. Ello se nota en esta referencia al vibrafonista Mainieri y en algunas de las diez canciones que lo componen, como Radcliffe, que bien podría ser un guiño a Cal Tjader, maestro de los vibrafonistas actuales. Los otros temas del álbum son: The Way To Nice, con una leve evocación a las bandas sonoras de James Bond; Green África, Motherland y Assosa, tres canciones dedicadas a su tierra natal; Mulatu's Mood, Ethio Blues y Boogaloo, tres temas basados en su propio concepto del jazz; y un imponente mambo: I Faram Gami I Faram. Mulatu Astatke (Jimma, 1943) es uno de los percusionistas y autores de bandas sonoras más importantes de la escena africana en los últimos años. Su trabajo con el jazz y las fusiones folk lo llevaron a desarrollar en su natal Etiopía, el llamado Ethio-Jazz, un estilo de interpretación basado en el concepto del swing con un toque funky y sobre una base afro. En los últimos años ha estado acompañado de The Heliocentrics, un noneto británico de free jazz y psicodelia, que siempre le ha hecho guiños al groove. Esta asociación dio como resultado un excelente disco que hizo parte de la elogiada serie Inspiration Information del sello Strut Records. Ahora, en Mulatu Steps Ahead, Astatke se aleja de los instrumentos tradicionales como el krar, la washint y la begena, que había trabajado, y retoma el formato orquestal que lo hizo famoso. El álbum, que llega a los Future Beats de Gladys Palmera, suena a gran orquesta de metales y ritmo, con juegos que a veces son James Brown, a veces Tito Puente y a veces Duke Ellington. O sea, Mulatu Astatke.
En 2007 y 2008, Mulatu disfrutó de una beca del Radcliffe Institute en la Universidad de Harvard donde trabajó en modernizaciones de los instrumentos tradicionales etíopes[1] Mulatu también sirvió recientemente como artista en residencia Abramowitz Artist en el Instituto Tecnológico de Massachusetts en Cambridge (Massachusetts). Además de conferencias y talleres, Mulatu ejerció de consejero con el MIT Media Lab para la creación de una versión moderna del krar, un instrumento tradicional etíope, para lo que volvió brevemente al MIT en primavera de 2009 para supervisar su progreso.[2]
El 1 de febrero de 2009, Mulatu Astatke ofreció un concierto en el Auditorio Luckman Auditorium en Los Ángeles con una banda que incluía músicos de jazz tan notables como Bennie Maupin, Azar Lawrence y Phil Ranelin.
lunes 22 de febrero de 2010.

Mulatu Steps Ahead
La música etíope tiene un sonoridad especial. Acostumbrados a las armonías occidentales parece simple en la primera oída, se maneja entre melodías de origen sudanés y las del áfrica negra. Pero cuando te introduces en sus lineas armónicas el efecto es absolutamente hipnótico. Esto lo sé bien, he tenido la suerte de viajar al país del África oriental. Por cierto aparte de las hambrunas que conocemos a través de los medios, las cuales suelen localizarse en las zonas conflictivas y aisladas del norte, en las otras se come enjera a tutiplén. También el baile y la música en directo es más que habitual en la mayoría de la población cristiana ortodoxa.
El músico etíope que ha conseguido difundir la cultura y traspasar fronteras ha sido Mulatu Astatke. Ahora es admirado por la élite de los músicos de todo el mundo. ¿Recordáis la película de Jim Jarmusch Broken Flowers? parte de su banda sonora lo popularizó en todo el mundo. Hace un año nos regalaba una obra maestra junto a la banda británica The Heliocentrics en su trabajo Inspiration Information.
Ahora el Padre de jazz etíope presenta su nuevo album de estudio, Mulatu Steps Ahead. La obra explora nuevos caminos en la fusión del jazz occidental. Los temas fueron grabados con los miembros de la Either/Orchestra en Boston, junto a colaboraciones de músicos tradicionales de Etiopía en Addis Abeba y miembros de la Heliocentrics, más el añadido de algunos jazzman británicos y músicos africanos en las sesiones finales grabadas en Londres en noviembre de 2009.
He conseguido una demo con algún comentario alusivo incluido aquí, ya qué el Cd tiene prevista su salida al mercado a finales de marzo. Sirva como primicia del icono del jazz etíope y promoción de su maravillosa y delicada música.
Tracklist:
1. Radcliffe
2. Green Africa
3. The Way to Nice
4. Assosa
5. I Faram Gami A Faram
6. Mulatu’s Mood
7. Ethio Blues
8. Boogaloo
9. Motherland
Mulatu Astatke
El músico etíope, descubierto para el gran público por el cine de Jim Jarsmusch y los recopilatorios “Ethiopiques”, visitó Madrid junto al combo The Heliocentrics para disfrutar de su segunda juventud.
Resulta cuanto menos curioso que una figura de primer nivel dentro de la música jazz internacional, vea condicionada su popularidad en función del reconocimiento de según qué personalidades se hagan eco de su valía y compartan su descubrimiento con el resto de los mortales. Me refiero en concreto a lo que pasó con Mulatu Astatké, virtuoso del vibráfono, músico, compositor e improvisador excepcional que ya gozaba del respeto y la popularidad de los aficionados a la música en su Etiopía natal, y que pese a haber trabajado junto a titanes del jazz como Duke Ellington, no vio elevada su figura a la categoría de mito viviente del jazz africano hasta que el director de cine Jim Jarmusch no colocó su música en la banda sonora de la muy recomendable película “Flores Rotas”, protagonizada por Bill Murray (esas mismas canciones ya formaban parte del cuarto volumen de la serie “Ethiopiques”, hito discográfico que aportaba la dosis necesaria de justicia poética a una escena musical que infravalorada -cuando no directamente obviada- durante demasiado tiempo). Aunque, visto lo visto, bendito seas Jim Jarmusch.
En su visita a Madrid, el músico etíope llegaba acompañado por The Heliocentrics, la banda junto a la que ha editado su más reciente trabajo, “Inspirarion information”, tercera entrega discográfica de colaboraciones instigadas por el sello Strut, un disco que llega un paso más allá en su propuesta de jazz, funk y ritmos ancestrales gracias a la aportación de la banda, todos unos expertos en lo que a acompañamientos de altura se refiere teniendo en cuenta su fructífera y más sonada (hasta ahora) colaboración con Dj Shadow. Con todo, el encuentro entre el vibrafonista y el colectivo inglés no es nuevo: ya en 2007 Astatke aparecía en los créditos de “Out there”, el hasta ahora último disco firmado en solitario por The Heliocentrics, donde unían fuerzas (tanto a nivel compositivo como de ejecución) en varios de los cortes de aquel extenso álbum.
Así, con un público eminentemente joven, blanco y heterogéneo que llenó moderadamente la sala -algunos movidos por el reciente interés (Vampire Weekend mediante) de la comunidad indie por todo lo que huele a africano y otros ya conocedores del genio de este artista negro de sesenta y seis años-, fueron The Heliocentrics los encargados de prender la mecha inicial al concierto. Ocho músicos de sobrada solvencia instrumental que comenzaron improvisando a la manera “mestiza”, como Jack Yglesias –flautista, percusionista y director de ceremonias del colectivo londinense- se encargó de remarcar en su presentación sobre las tablas, dando rienda suelta a sus instintos musicales más primitivos, intoxicados por una diabólica bacanal de melodías salvajes que llegaron a lo más alto con las inspiradísimas contribuciones de chelo y saxofón. Para cuando la introducción terminó, el público estaba ya entregado a la inminente fiesta de ritmo e improvisación que se avecinaba.
Mulatu Astatke apareció enfundado en una túnica blanca, agradeciendo de antemano la presencia del numeroso y entregadísimo (le recibieron con una ovación cerrada) público en la sala (pocas horas antes, la organización del concierto temía una debacle asistencial que afortunadamente no se confirmó) y prometiendo un buen rato de música y diversión. Y vaya si cumplió con su promesa. Porque la lista de canciones no fue larga (ocho en total, contando el bis), pero allí hubo mucha, muchísima música.
El etíope, viejo zorro, y su grupo de músicos ingleses se decantaron por un repertorio basado en la parte más asequible de una propuesta que cuenta con Astatke como líder absoluto, lo que significa que básicamente se recrearon en lo mostrado en “Inspiration information” (del que sonaron “Mulatu”, “Blue Nile”, “Chik Chikka” y “Dewel”) y las tres composiciones que formaron parte de la ya mencionada banda película de Jarmusch (“Yegelle tezete”, “Yekermo sew” y “Gubèlyé”), dando rienda suelta a la creatividad instrumental de todos los miembros del grupo, guiados por Yglesias (que repartía los solos llevado por la energía musical que se estaba generando en esos precisos momentos, señalando efusivamente cada nuevo cambio, cada solo, cada cierre, de manera efectiva, vistosa, emocionante y ciertamente teatral) y por el mismo Astatké, generoso maestro de ceremonias que supo cómo brillar con luz propia sin desmerecer los destellos de brillantez de los músicos de Heliocentrics.
Al final, todos en el público con ganas de más dosis de ese funk ancestral (¿o fue jazz vanguardista?) que llenó e impregnó hasta el último rincón de la sala y que muchos –un servidor entre ellos- no dudarían en calificar como uno de los conciertos del año. Y todo ello a cargo de un músico al que el tiempo ha terminado colocando, poco a poco, en el lugar de honor que merece.