Nachito Herrera.

BEMBÉ: Fiesta para la diversión de la divinidades u orishas con toque de tambor.H.O.
Este proyecto con identidad cubana está basado en la idea original de Aurora Gonzalez y pretende demostrar la fusión de los Ritmos Cubanos y el Jazz,la fortaleza Espiritual,la satisfacción por la interpretación de Nuestra Música y el profundo respeto al maestro Ignacio "nachito" Herrera.
Musicalmente, ha sido dirigido y producido por Ignacio "Nachito" Herrera, contando con los colaboradores y músicos: Raúl Pineda, Jesús Díaz, Adalberto Lara, Mirdalys Herrera, Nardy Castellini, Rigoberto López, Víctor Rodríguez y Rich Leone.
"Nací en artemisa tierra roja con olor a tabaco y café"
BEMBÉ nació en el corazón de los más íntimos sentimientos de mi esposa y mis amigos los cuales me inspiraron para llenar de alegría y sabiduría las casas de muchas familias cubanas y otras. Está lleno de mucha energía por los importantes talentos que agrupa. Pretende recoger esta gran fiesta musical: el período clásico, popular, contemporáneo, folclórico, jazzístico y tradicional de la música cubana. Colmad de Jazz fusionada con los más complejos ritmos cubanos, es uno de los proyectos que con más satisfacción he realizado.
Durante el gobierno de Bill Clinton, la música cubana, la de isla, fluía con mucha naturalidad por estos predios estadounidenses. No era sorpresa encontrarse con una banda cubana en gira por Estados Unidos. Con la llegada del presidente Bush, los músicos cubanos no consiguen visa y los intercambios culturales han sido dramáticamente reducidos. Y por estas parcelas no se les ve. Si no fuera porque algunos músicos cubanos se han establecido aquí en la última década, estaríamos ante una eternal sequía.
A finales de los noventa, Nachito Herrera era el pianista y director musical de Cubanismo, cuyas giras por todo Estados Unidos fueron largas y aplaudidas. Luego, Nachito se asentó por Minnesota y se quedó con nosotros, para nuestro beneplácito. Y al escucharlo en su primera producción no quedan dudas que Nachito nos salva de esta sequía de música cubana a la que las autoridades estadounidenses nos han sometido.
En los once temas hay una rica variedad de ritmos cubanos desde el ritmo pilón, guaracha, guaguancó, bolero y jazz latino. Todo es un torrencial de momentos memorables sin espacio para el bostezo. Nachito agrada y sorprende.
Ignacio "Nachito" Herrera, considerado un niño prodigio, ha pasado toda su vida creativa que combina los sonidos de su nativa Cuba con los de jazz, música clásica y una mezcla única de influencias americanas. Aquí, en los estudios TPT, Nachito (piano), Kevin Washington (batería) y Yohannes Toná (bajo) mostraron su trabajo con una de las actuaciones más alta energía para cruzar el escenario.
ARTISTA BIO
A la temprana edad de 12 años, Ignacio "Nachito" Herrera explotó en la escena musical cubana y ha estado rompiendo barreras desde entonces. Estudió con maestros de Rajmáninov, cubano Rubén González, Jorge Gómez Labraña, y Frank Fernández y se desempeñó como pianista de plomo, arreglista y director musical de Cubanismo. Hoy en día, una orgullosa residente de Minnesota, originales combinaciones de Nachito se disfrutan por los oyentes de todo el mundo.

Mario Canonge.

Inspirado por dos grandes nombres antillanos del piano, Marius Cultier y Alain Jean-Marie, el Francés Mario Canonge es un pianista reconocido por su increíble virtuosismo, y también por la apasionante síntesis que hace entre el jazz y la música antillana.
Después de su primer álbum estrenado en 1992, Retour au sources en el cual Mario Canonge vuelve a la música antillana de sus orígenes, siguen muchos otros discos. En 1994, realiza al lado de su amigo el cantante Ralph Thamar un álbum-homenaje a Marius Cultier, gran estrella de la música antillana. Su último álbum, Rhizome , grabado en Nueva York en 2004, mezcla una vez más las influencias de Mario Canonge y de sus invitados prestigiosos como el estadounidense Roy Hargrove a la trompeta, el guadalupeano Jacques Swarwtz-Bart en el saxo o el camerunés Richard Bona en el bajo.
Durante una carrera de más de 20 años, Mario Canonge participó en unas cincuenta grabaciones y en un número incalculable de conciertos en las más famosas salas, como el New Morning en París, los festivales La Fayette en Lousiana, Angoulême en Francia o Moers en Alemania. Ávido de experiencias y de intercambios musicales, pone su talento al servicio de los estilos y del encuentro de las diversas culturas, del Cabo Verde hasta Haití, de Cuba hasta sus Antillas natales.
Barranquijazz es el festival más importante de Colombia y del Caribe, y cuenta con una trayectoria de más de 13 años presentando músicos de jazz y latín jazz de talla internacional, reconocidos ampliamente a nivel mundial y también artistas locales.
La presentación de Mario Canonge en Barranquilla es posible gracias al esfuerzo conjunto de La Fundación Nueva Música Festival Barranquijazz, La Alianza Colombo Francesa de Barranquilla, La Embajada de Francia, y la Alcaldía de Barranquilla.
Para saber más de este talentoso artista, puede visitar la página: http://www.mariocanonge.com/
En su carrera que está próxima a cumplir 20 años Mario Canonge le ha entregado a su público 5 álbumes. Él siempre estuvo buscando diferentes experiencias e intercambios musicales y ha utilizado su talento para trabajar con los más diversos estilos y culturas, desde Cabo Verde hasta Haití y desde Cuba hasta su natal Martinica. Mario Canonge es de hecho un elemento central y esencial de la música del Caribe, pero sobre todo un embajador en el mundo de la herencia musical de la isla caribeña francesa Martinica. “Hay una relación entre mi lugar de nacimiento y todos los demás lugares del mundo y yo quiero tratar de reflejar esa relación en la música”, asegura el artista.
Canonge estuvo rodeado por la música desde muy pequeño y creció en una familia de talentosos pianistas que impulsaron su pasión por la música. A pesar de eso sólo se acercó al piano durante su adolescencia y siendo muy joven entró a hacer parte de 'La chorale du François', un pequeño coro de una comunidad del sur de Martinica. Sus grandes inspiraciones en su época de estudiante universitario en Francia eran Marius Cultier y Alain Jean-Marie, dos pianistas legendarios de las Antillas.
Luego de tocar con una gran variedad de grupos en 1992 grabó su primer álbum en estudio titulado Retour aux sources (Regresando a mis raíces). Su album se grabó en solo tres días y logró vender 15.000 copias. Después de más de 15 años Mario Canonge nos trae su más reciente álbum titulado Rhizome. Con él ha alcanzado un importante punto en su carrera musical, pues allí ha logrado plasmar una visión del mundo esencialmente basada en la diversidad.
Para Mario Canonge, quien ha tocado en compañía de músicos como Roy Hargrove, Richard Bona, Jean Pierre Koquerel y Gino Silson, lo que más le gusta de este género musical es la improvisación y la interactividad entre los músicos.
INTEGRANTES:
Piano: Mario Canonge
Batería : Chanderdath Sardjoe
Bajo: Jacques Louis Linley Marthe
Anexo
MARIO CANONGE
(FEAT. ROY HARGROVE - RICHARD BONA)
''RHIZOME''
(MARTINICA, 2004) @
En esta ocasión, se presentó el cuarteto del dinámico pianista Mario Canonge, oriundo de la isla francesa de Martinica, acompañado por el saxo tenor Jacques Schwarz-Bart, de la isla francesa de Guadalupe, el bajista eléctrico Michel Alibo, de Martinica y Horacio “El Negro” Hernández, el gran baterista cubano radicado en los Estados Unidos desde hace algunos años.
A nivel grupal, el cuarteto sonó muy acoplado y desplegó mucho fuego y gran intensidad. En general, interpretaron (en dos sets) varias piezas originales de Canonge contenidas en su último CD, titulado “Rhizome” (O Plus Music; 2004).
Entre ellas, recordamos del primer set a “Mamman-Dlo”, “Madikera”, “Plein Sud” y “Mamicon Volant” (esta última en un solo de piano), para continuar luego del intervalo con “Open the Door”, “Ela Haiti” y “Rhrizome”, todas dentro de un estilo fusión del jazz con expresiones musicales caribeñas como el “Beguine”, “Bèlè” y el “Gwo Ka”…

Con respecto a las improvisaciones de los solistas, notamos que el pianista M. Canonge tiene un estilo excitante, aunque su fraseo fue algo repetitivo y con poco sabor a jazz. El saxo tenor J. Schwarz-Bart, a quien habíamos visto hace años en Puerto Rico con el grupo del percusionista Giovanni Hidalgo, demostró poseer un buen sonido en todo el registro del instrumento, un fraseo bonito y apasionado y bastante “swing” en sus ejecutorias. El bajista Michel Alibo, quien usó un bajo eléctrico de cuatro cuerdas, tocó de manera aceptable, sobre todo al acompañar.
Párrafo aparte merece la colosal actuación del “Negro” Hernández en batería (tocó con una prestada), quien se destacó con su estilo muy “sensitivo” (con gran sentido de la dinámica y del colorido), acompañando con un “timing” perfecto, un “swing” arrollador y un manejo admirable de sus tres platillos (¡estos sí era de él!). Además, comprobamos una vez más su total independencia de los cuatro miembros (pese a que esta vez no trajo su clave de pie) y disfrutamos de sus solos de gran factura. No en balde, el “Negro” está considerado, a nivel mundial, uno de los más grandes bateristas del jazz latino hoy día.
Acá debemos consignar que, en las dos últimas piezas del segundo set, aparecieron dos invitados que realzaron el ambiente musical de la noche. Ellos fueron dos puertorriqueños que se desempeñaron muy bien: el trompetista Carlos Soto y el cajonero Alejandro Torres.
Luego de tocar en Canadá, varias ciudades de los E.U. de A., México, Haití y Puerto Rico, partirían al día siguiente para presentarse en Guadalupe y concluir esta gira de mes y medio día más tarde en Venezuela.
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En su carrera que está próxima a cumplir 20 años Mario Canonge le ha entregado a su público 5 álbumes. Él siempre estuvo buscando diferentes experiencias e intercambios musicales y ha utilizado su talento para trabajar con los más diversos estilos y culturas, desde Cabo Verde hasta Haití y desde Cuba hasta su natal Martinica. Mario Canonge es de hecho un elemento central y esencial de la música del Caribe, pero sobre todo un embajador en el mundo de la herencia musical de la isla caribeña francesa Martinica. “Hay una relación entre mi lugar de nacimiento y todos los demás lugares del mundo y yo quiero tratar de reflejar esa relación en la música”, asegura el artista.
Canonge estuvo rodeado por la música desde muy pequeño y creció en una familia de talentosos pianistas que impulsaron su pasión por la música. A pesar de eso sólo se acercó al piano durante su adolescencia y siendo muy joven entró a hacer parte de 'La chorale du François', un pequeño coro de una comunidad del sur de Martinica. Sus grandes inspiraciones en su época de estudiante universitario en Francia eran Marius Cultier y Alain Jean-Marie, dos pianistas legendarios de las Antillas.
Luego de tocar con una gran variedad de grupos en 1992 grabó su primer álbum en estudio titulado Retour aux sources (Regresando a mis raíces). Su album se grabó en solo tres días y logró vender 15.000 copias. Después de más de 15 años Mario Canonge nos trae su más reciente álbum titulado Rhizome. Con él ha alcanzado un importante punto en su carrera musical, pues allí ha logrado plasmar una visión del mundo esencialmente basada en la diversidad.
Para Mario Canonge, quien ha tocado en compañía de músicos como Roy Hargrove, Richard Bona, Jean Pierre Koquerel y Gino Silson, lo que más le gusta de este género musical es la improvisación y la interactividad entre los músicos.

Roberto Carcassés.

Roberto Carcassés es un joven músico hijo del jazzman cubano Bobby Carcassés. Se graduó de la Escuela Nacional de Arte en percusión en 1991. A pesar de esto, su carrera profesional la ha hecho como pianista y como tal ha acompañado a Gema y Pavel, dos cantantes cubanos asentados en España, en el disco Trampas del tiempo, ha grabado con el grupo Columna B, y ahora presenta su primer disco en solidario: Invitation.Su juventud no le impide presentar este CD acompañado de músicos de tan reputada jerarquía como los saxos del Irakere César López y Alfredo Thompson, el trompetista Mario Hernández y su propio padre, Bobby Carcassés.En Invitation, Carcassés muestra una gran calidad como pianista, pero aún más su capacidad como arreglista y director musical. La banda suena compacta, haciendo jazz afrocubano del bueno. El jazz latino en general está buscando horizontes. El jazz le da múltiples posibilidades mientras más hurga en él. Lo afrocubano también. Carcassés hace ver que puede nadar profundamente en ambas aguas. La trompeta de Hernández y los saxos de los Irakere, suenan de manera sublime, en la descarga que abre el disco –Llegó, llegó de Changuito– donde el propio Carcassés muestra su talento como pianista. Le sigue De La Habana a Nueva York, un homenaje a Mario Bauzá con la participación de la educada voz de Bobby Carcassés y los soneos de Amado Dedeu, nombrando una lista de rumberos que incluye a puertorriqueños como Giovanni Hidalgo o Cachete Maldonado, Jerry González y cubanos que optaron por el exilio como Patato, Mongo Santamaría, El Paisa... en un ejercicio que se comienza a repetir cada vez con mayor frecuencia, para beneplácito de los melómanos.Le sigue una versión de Puerto padre, la composición de Emiliano Salvador que ya se ha transformado en un standard, en una versión interesante que respeta el espíritu del arreglo de la grabación de Salvador de 1979, Nueva Visión. Le sigue una canción de Ivan Lins adaptada como bolero y vocalizada por Liliam. Quien esto escribe no se le da fácil cualquier bolero cantado "educadamente". Este no es la excepción. Desencaja un poco con el resto del disco, a pesar de estar bien ejecutada y con un sentimental solo de guitarra de Elmer Ferrer.California en clave, original de Carcassés, brilla por su alegría y gracia y calienta el ánimo que pudo haber enfriado la anterior. Tiene un original solo de saxo alto de César López que introduce el del pianista. La batería, el chekeré y las congas juegan al contrapunto. Bien.Sigue la composición de Thelonius Monk, Monk's Mood, donde Carcassés nuevamente da muestras de su sabor a hora de los solos, respetando el jazz, es decir, faltándole el respeto a todo menos al ritmo y la armonía, y Mario Hernández exhibe su habilidad soplando la trompeta. Descargassés, pieza para piano, voces (casi toda la banda) y palmas, metiéndose en el canto religioso, alegre y festivo, para terminar con dos temas de piano solo que cierran el CD. Invitation es un paso adelante en el jazz afro cubano.

Victor Hugo Zapata. CRIOJAZZ

Víctor Hugo Zapata Gómez: Percusionista y baterista. Inició sus estudios musicales a la edad de 7 años en la Escuela Popular de Arte (EPA), gracias a la influencia musical de su padre quien se desempeñó como profesor de música en esta institución. Continuó sus estudios en el instituto de Bellas Artes, el Colegio de Música y La Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia. En el año de 1998 aprovechó su visita a Valencia (España) para capacitarse en la interpretación de la música erudita y sinfónica en la Escuela Primitiva de Lliria, en instrumentos como el Redoblante, la Marimba, el Xilófono y los Timbales Sinfónicos, entre otros. Su experiencia como percusionista lo ha llevado a integrar diferentes agrupaciones musicales, como también a acompañar a numerosos artistas nacionales e internacionales en conciertos que se han realizado en Suramérica, Europa y USA; Interpretando diferentes géneros musicales como la salsa, el latin-jazz, la música folclórica colombiana y la música sinfónica. Entre los artistas más reconocidos, figuran: • Dave Valentín (USA), • Richie Ray (USA), • Alfredo de la Fé ( CUBA), • Javier Colina (ESPAÑA), • Maria Rivas y Luís Felipe González (VENEZUELA), • Raquel Zozaya (CUBA), • Mariano Cívico, Yohny Rivera y David Pabón (PUERTO RICO), • María Martha Serra Lima (CHILE), • Hansel Camacho, Gustavo Rodríguez, Checo Acosta, Charlie Cardona y Edy Martínez (COLOMBIA), entre otros. Ha sido músico invitado por la Banda Sinfónica de la Universidad de Antioquia, la Orquesta Filarmónica de Medellín y el Grupo Galé. Ha integrado además agrupaciones como: • La Banda La República • La Sonora Carruseles • El Ballet Folklórico de Antioquia • El Quinteto de Bronces de Medellín • La Big Band de Medellín Además, la participación en diversos festivales Internacionales de Jazz le han proporcionado gratificantes experiencias musicales y personales. Éstos se han realizado en las ciudades de: • La Haya (Holanda), • Montreal (Canadà) • Milàn (Italia), • y en los festivales nacionales de Medellín, Bogotá y Manizales. Ha participado en la grabación de varios Cds como músico acompañante en instrumentos como: Marimba, Batería, Congas, Timbales, Doumbeks, Bongoes, D’jembe, Tambores folclóricos, Flauta traversa, Cuatro y Tiple. También se ha desempeñado como docente en el Programa Nacional de bandas de Música y en el Plan Departamental de Bandas, y ha hecho parte de la plantilla de profesores de la Primera y Segunda Cohorte de la Diplomatura para Directores de Música de la Universidad de Antioquia.

Somos Amigos.

Músico: Imanol Ortiz Amuriza Director General “Somos Amigos” y percusión
Lugar y Fecha de Nacimiento: Bilbao, Provincia de Vizcaya, España, 15 de Junio de 1960
INSTRUMENTOS: Tumbadoras, bongoes, timbales y percusión menor
ESTUDIOS
Estudió hasta 3º de solfeo rítmico, armonía, educación del oído, y teoría de la música en el aula de jazz de Barcelona. También ha recibido varios cursos tanto de percusión como de batería, de la mano de emblemáticos profesores como Pedrito Díaz (Cuba), Angel Pereira (Barcelona) y Santa Ariza (Barcelona). Graduado de la institución PERCUBA, en la Habana.
TRAYECTORIA
1981- Actúa por primera vez en el extranjero, en la ciudad de Ámsterdam (Holanda), en un local llamado “Milky Way”, con un grupo regional funky.
1983- Estuvo todo el año integrado en el grupo de música reagge “Hondo”, en Cambridge (Inglaterra), colaboró en diversas grabaciones.
1984- Estudió ritmos latinos en Caracas y Maracaibo, (Venezuela), y Cúcuta (Colombia).
1985.- En octubre de este año viaja a la Habana (Cuba), estudia y trabaja con el cuerpo de percusión de “Tropicana”.
1986.- Este año funda el sexteto de latín-jazz denominado “Sabana”, con integrantes del País vasco.
1987.- El mes de Mayo de este año lo pasa en San Juan de Puerto Rico, trabajando con la orquesta de salsa y latín-jazz “Experimental”. En julio de este año ganó el 1er premio del festival de jazz de San Sebastián con su formación “Sabana”.
1988.- Estudia percusión en Barcelona con Omar Cuevas y Jesús García (Chunguito).Este año vuelve en julio a Puerto Rico a estudiar y trabajar con la orquesta “Experimental”.
1990.- Trabaja con el guitarrista Jordi Bonell y el batería Andreu Simón en diferentes formaciones y colabora en varias grabaciones con Gato Pérez, Jordi Bonell y diferentes formaciones del aula de jazz de Barcelona. Incorpora a Jordi Bonell y Andreu Simón a su formación “Sabana” de Bilbao. En julio de ese año, Sabana obtiene el 2º premio .del festival de jazz de Guecho, (estatal).
1991.- Este año inicia en la Habana clases de percusión con Tata Güines y con Changuito. Estudia con estos dos Maestros durante más de 2 años.
1992.- A finales de este año funda en la Habana el grupo “Azúcar”
1993.- Obtiene mención especial en el festival de las “Bananas” de Ecuador y realiza una gira por México con bastante éxito. En 1994 cesa el grupo por falta de tiempo.
1994.- Se gradúa en la institución PERCUBA, en la Habana.
1995.- Forma el sexteto instrumental “Somos Amigos”, con prestigiosos valores de la música Cubana. Con este grupo realiza actuaciones en la Habana durante este año, grabando el trabajo de música instrumental denominado Da Cappo, a principios de 1996.
1996.- Este año también participa como percusionista en la grabación del elitista trabajo flamenco denominado “Undebel”, del cantante Dieguito el cigala. Este disco producido por “Dulcimer Songs SL,dirigido y producido por David Amaya, cuenta con la participación de emblemáticos artistas del actual flamenco Español como: Tomatito, Chaboli, Jose María Cortina, el Negri etc. Este trabajo sale al mercado en julio de1998.
1998.- En Julio de este año, Imanol procesa, pre-masteriza y ecualiza el trabajo grabado en 1996 por “Somos Amigos” denominado Da Cappo en los estudios “Eder Truck” de Bilbao
1999.- Vuelve a recibir clases de percusión con el maestro Tata Güines y de armonía y piano con el maestro Jesús Rubalcaba.
.- Activa nuevamente el proyecto SOMOS AMIGOS, variando algunos de sus integrantes.
.- Graba el segundo disco de este grupo: “ Pa’ Gozar”
2000.- Dirige el Grupo Somos Amigos en el proyecto “Aprecia el Arte”, grabando tumbadoras, bongoes y cáscaras. Hace arreglos en la percusión y en la letra.
2001.- Continua el proyecto Somos Amigos grabando el disco “Somos Amigos” con el productor Luis Domínguez de la discográfica Envidia en los estudios ICAIC de la Habana en el mes de Octubre. Este trabajo ha sido un gran éxito tanto en Europa como sobre todo en Estados Unidos.
2003.- El grupo cambia de discográfica a otra de más tradición y prestigio: Discográfica Discmedi.
Somos Amigos después de sufrir transformaciones en busca de una nueva tímbrica y estilo graba tres trabajos titulados:
* “Buscando el Rumbo”
* “La Galea”
* “Imaginate Cuba”
Debido al desafortunado fallecimiento del pianista Jesús Rubalcaba (Abril 2003), Imanol cambia varios de los integrantes con la intención de hacer un trabajo más ambicioso y versátil a la hora de los directos y posibles giras. Se intenta conseguir un sonido, una banda. Trabajar con mensaje por y para el pueblo Cabe destacar la integración en el grupo del destacado guitarrista español Jordi Bonell con prestigio de ámbito internacional.
2004. Los trabajos “Buscando el Rumbo”, “La Galea”, “Imaginate Cuba” saldrán al mercado con Discmedi en los primeros meses del 2004. Se introduce la colaboración del Sr. Joan Surribas y el estudio BmasB, estos trabajos se masterizan en DYAM, Paris para ganar en calidad.
2005. El grupo “Somos Amigos” es nominado para el Grammy Latino con su versión “Aquellas Pequeñas Cosas” del CD “Cuba le Canta a Serrat”
2006. Somos Amigos conjuntamente con otros importantes artistas cubanos del proyecto “Cuba le canta a Serrat” prepara una gira promocional por España el próximo mes de Octubre.
El Director General es el Maestro Frank Fernández y el Director Musical Emilio Vega.
2007. Somos Amigos se fusiona con el Grupo Sonsoneando de Pio Leyva (Imanol y Tico) y se prepara para una gira por España y Europa para Agosto 2007 También están pendientes de ser aprobados y audicionados por Nieves Directora de la prestigiosa Empresa “Antonio Romeo”.
Apoyados por la Empresa Vasca VIVE CUBA se pretende trasmitir al mundo la música y artes cubanas
Fundado en 1995 por el bilbaíno Imanol Ortiz, este grupo, por el que han pasado músicos de prestigio internacional, tiende un puente entre España y Cuba a través de la música. Su actual cantante es Carlos Kolunga, voz de la nueva generación del son cubano.
Somos Amigos han publicado ya cinco discos de éxito, entre los que destaca una colaboración en el álbum “Cuba canta a Serrat”, nominado a los Grammy Latinos en 2005.
El proyecto nace en 1995, en La Habana, cuando Imanol Ortiz, inquieto percusionista de prestigio, reúne a un grupo de excelsos músicos con el único fin de fusionar la diversidad y riqueza de las influencias de sus miembros, así como de reactualizar la música tradicional cubana. De la mezcla resultante se saborea el danzón y el son con regusto a swing y latin jazz; el cha cha chá y el wawancó enredados en rumba o flamenco
Discografía de Somos Amigos
1. Somos Amigos 2001 Discográfica Envidia
2. Buscando el Rumbo 2003 Discográfica Discmeri
3. La Galea 2003 Discográfica Discmeri
4. Imaginate Cuba 2003 Discográfica Discmeri
5. Cuba le canta a Serrat 2005 Discográfica Discmeri

Osmany Paredes.

Esta entrevista fue realizada por el periodista Thomas Peña para el website amigo Latinjaznet.com. La idea de publicarla en Anapapaya surge del interés que la música de Osmany Paredes despertó en Luis Moreno, director de Jazzbuffalo.com y moderador del grupo de discusión Jazz Mestizo. Gratamente impresionado por la calidad y propuesta del pianista cubano, hizo las gestiones para su traducción y publicación en español. La traducción es de otro entendido en música con clave caribeña, Israel Sánchez-Coll.
Gracias a todos ellos, porque la música de Osmany Paredes con Menduvia, plenamente inscrita en el jazz latino, vale la pena, y, además, cuenta con un invitado especial, el legendario cantante Francisco Fellove Valdés en un par de temas.

Santa Clara
Ha colaborado con la Orquesta América, Bobby Carcassés, Enrique Jorrín, Israel Cachao López, "Patato" Valdés, Amaury Gutiérrez, Francisco Fellove Valdés, Susana Harp, Chocolate Armenteros, la orquesta Cuarenta Grados entre otros. Osmany Paredes nació en la ciudad de Santa Clara, Cuba en 1972. Sus primeros estudios los realizó en la Escuela Vocacional de Arte Olga Alonso, donde a la edad de 8 años comenzó recibir sus primeras instrucciones en lectura musical y piano. Osmany continuó sus estudios musicales en la Escuela Nacional de Música de La Habana donde se graduó en 1991 con altos honores.
Paredes ha colaborado con varias de las más prestigiosas orquestas y personalidades de la vida musical cubana, entre ellos la Orquesta América, Bobby Carcassés, la orquesta del maestro Enrique Jorrín, el maestro del bajo Israel Cachao López, Carlos Patato Valdés, Celio González (el flaco Celio), con Amaury Gutiérrez como director musical y pianista, Francisco Fellove Valdés, Susana Harp, el trompetista Alfredo Chocolate Armenteros y la orquesta Cuarenta Grados entre muchos otros.
A pesar de su juventud, su prestigio le ha valido para participar en una variedad de festivales en Cuba, Venezuela, México, etc. Se le ha considerado como un embajador de la música cubana en países como Austria y Alemania y actualmente reside en Ciudad de México donde se ha dedicado a crear sus propias composiciones y producciones musicales.
Osmany Paredes grabó con el grupo Menduvia, su banda, en Ciudad de México, en 1999, una producción independiente y de excelente calidad. En ese álbum, Osmany Paredes con Menduvia, el pianista grabó cinco de sus composiciones y en ellas recrea sus ideas musicales con una madurez de ejecutante experimentado. En efecto, manifiesta una visión bien definida, profundidad emotiva, de un orden refinado y de una calidad indiscutible.
Una conversación con Osmany Paredes (28/4/02)
Felicitaciones por tu fabuloso debut en la grabación Osmany Paredes con Menduvia. ¿Cuál es el significado del nombre de la banda y cómo se formó?
Él termino Menduvia se deriva de la palabra mendo, termino comúnmente usado en el área del Caribe y es una jerga para designar la palabra sabor.
Menduvia se formó en el mes de enero del año 1998, bajo mi dirección musical. Casi siempre tocamos jazz latino, no obstante también hacemos una variedad de géneros como el swing, bossa nova, rumba, cha cha cha, etc.
Influencias
De acuerdo con su biografía, su padre fue la primera influencia musical. ¿Qué otra influencia musical tiene?

Mis principales influencias incluyen a Herbie Hancock, Chucho Valdés, Dizzy Gillespie, Gonzalo Rubalcaba, Emiliano Salvador, Bill Evans, McCoy Tyner, John Coltrane, Oscar Peterson y otros. También considero que estoy tocado por el Filin un movimiento cubano de ideas experimentales y de puesta en escena íntima (la palabra Filin es una representación en español de "Feeling"). El Filin ha sido definido por algunos de sus creadores como un movimiento jazzístico insertado en la música popular cubana -o en otras palabras, música hecha por ejecutantes que conocían y pudieron adaptar los estilos de Lester Young, Art Tatum y de Coleman Hawkins; como también los grandes cantantes y compositores de música tradicional cubana- (aquí cito a: "Cuba, donde la música es caliente " por René López y David Carp).
Emiliano Salvador
Hablando de influencias musicales, al parecer el espíritu de Emiliano Salvador está presente en el estudio de grabación cuando usted lleva a cabo su trabajo.
Justamente le he dedicado el tema El Sonido de Emiliano a Emiliano Salvador. Considero que este gran pianista cubano -lamentablemente desaparecido- realizó muchas contribuciones al jazz latino y a la música en general. En efecto, deseo presentar mis respetos a Emiliano Salvador, debido a que su música ha sido la mayor influencia en mi vida y a mi carrera artística, desde cuando era niño. En mi opinión, el espíritu de Emiliano está presente donde quiera que se toque jazz latino, ya sea en Cuba, el resto de América Latina, Estados Unidos y Europa.
Menduvia
¿Cuales son los principales miembros de la banda?
Los principales miembros de la banda son Osmany Paredes en el piano y la dirección musical, Barbaro Pérez en el bajo, Hilario Bell en la percusión y Reinaldo Pérez en la flauta.
Todos los miembros de la banda se graduaron de la Escuela Nacional de Artes (ENA) en La Habana.
El Gran Fellove
¿Cómo es la colaboración que ha establecido con el gran Francisco Fallove Valdés?
OP: A Fellove -primo de Carlos “Patato” Valdés- la crítica internacional lo considera como uno de los más grandes cantantes cubanos y compositores de todos los tiempos. Además, a él se le acredita como uno de los fundadores del movimiento filin. Yo he admirado a Fellove desde mi niñez por lo que ha sido un gran honor para mí colaborar con él, aprender de su vasta experiencia y creatividad. Fellove lleva viviendo en México más de treinta años.
También es importante destacar que Fellove, fue el primer cantante cubano de su generación en cantar en “scat”, es decir, improvisando con su voz. Su estilo básicamente influenció a cantantes como Guapachá y Bobby Carcassés, los cuales siguieron sus pasos. Mi banda Menduvia, acompaña al Gran Fellove en todas sus presentaciones.
Jazz latino en México
Usted menciona que México cuenta con grandes músicos de jazz latino. Sin embargo, puede ser que carezcan de un carácter distintivo en ese campo. ¿Cómo es recibido el jazz latino en México? ¿Hay un jazz latino en “escena” en México?
Aunque ha sido bien aceptado en México, el movimiento carece de fuerza, además existen pocas bandas que tocan jazz latino. En efecto, muchas bandas hacen jazz rock, jazz pop y swing. Afortunadamente, existe una variedad de conciertos y festivales donde las bandas locales tienen la oportunidad de tocar, foguearse y mostrar su estilo musical.
He sido bastante afortunado en compartir esta etapa con muchos de los principales exponentes del jazz latino en México, por ejemplo con el contrabajista Roberto Aymes, con el flautista cubano Ricardo Benítez, con el guitarrista Cristóbal López, el saxofonista Jaco González, el pianista Juan José Calatayud y el percusionista Tino Contreras entre otros.
Listening pleasures
¿Cuáles son sus discos preferidos; aquellos que usted escucha en su casa?. Y entre ellos, ¿qué artistas contemporáneos?
En casa yo oigo jazz tradicional: Thelonius Monk, Sonny Rollins, McCoy Tyner, Herbie Hancock y Bill Evans. También me gusta la música brasileña (Ellis Regina, Tom Jobim, Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti, Ivan Lins y Djavan). Por otro lado oigo música clásica y por su puesto jazz latino (Paquito D’Rivera, Gonzalo Rubalcaba, Danilo Pérez y otros).
Algunos de mis artistas contemporáneos preferidos son: Joey Calderazo, Marcus Roberts, Nicholas Payton y Kenny Garrett.
Futuro inmediato
¿Cuáles son sus nuevos proyectos?
Osmany Paredes y Menduvia se estarán presentando en el Festival de Jazz del Orinoco en Venezuela, en Agosto de 2002. Actualmente tocamos los fines de semana en un club en Ciudad de México. Y estoy trabajando en el nuevo material para mi próximo proyecto.
Muchas Gracias.
Thomas Peña
15 de mayo, 2002

Nachito Herrera.

Year: 2005
SONGS:
• SONG IN F
• NACHO'S PILON
• BIG NEWS
• NOSTALGIA
• BEMBE EN MI CASA
• CAPULLITO DE ALELI
• LLEGARON LOS MILLONARIOS
• GUAGUANCO PARA OCHUN
• POTPOURRI DE CHA CHA CHA CHA
• ESTAS EN MI CORAZON
• RITMO CALIENTE
BEMBÉ: Fiesta para la diversión de la divinidades u orishas con toque de tambor.H.O.
Este proyecto con identidad cubana está basado en la idea original de Aurora Gonzalez y pretende demostrar la fusión de los Ritmos Cubanos y el Jazz,la fortaleza Espiritual,la satisfacción por la interpretación de Nuestra Música y el profundo respeto al maestro Ignacio "nachito" Herrera.
Musicalmente, ha sido dirigido y producido por Ignacio "Nachito" Herrera, contando con los colaboradores y músicos: Raúl Pineda, Jesús Díaz, Adalberto Lara, Mirdalys Herrera, Nardy Castellini, Rigoberto López, Víctor Rodríguez y Rich Leone.
"Nací en artemisa tierra roja con olor a tabaco y café"
BEMBÉ nació en el corazón de los más íntimos sentimientos de mi esposa y mis amigos los cuales me inspiraron para llenar de alegría y sabiduría las casas de muchas familias cubanas y otras. Está lleno de mucha energía por los importantes talentos que agrupa. Pretende recoger esta gran fiesta musical: el período clásico, popular, contemporáneo, folclórico, jazzístico y tradicional de la música cubana. Colmad de Jazz fusionada con los más complejos ritmos cubanos, es uno de los proyectos que con más satisfacción he realizado.
Durante el gobierno de Bill Clinton, la música cubana, la de isla, fluía con mucha naturalidad por estos predios estadounidenses. No era sorpresa encontrarse con una banda cubana en gira por Estados Unidos. Con la llegada del presidente Bush, los músicos cubanos no consiguen visa y los intercambios culturales han sido dramáticamente reducidos. Y por estas parcelas no se les ve. Si no fuera porque algunos músicos cubanos se han establecido aquí en la última década, estaríamos ante una eternal sequía.
A finales de los noventa, Nachito Herrera era el pianista y director musical de Cubanismo, cuyas giras por todo Estados Unidos fueron largas y aplaudidas. Luego, Nachito se asentó por Minnesota y se quedó con nosotros, para nuestro beneplácito. Y al escucharlo en su primera producción no quedan dudas que Nachito nos salva de esta sequía de música cubana a la que las autoridades estadounidenses nos han sometido.
En los once temas hay una rica variedad de ritmos cubanos desde el ritmo pilón, guaracha, guaguancó, bolero y jazz latino. Todo es un torrencial de momentos memorables sin espacio para el bostezo. Nachito agrada y sorprende.
Ignacio "Nachito" Herrera, considerado un niño prodigio, ha pasado toda su vida creativa que combina los sonidos de su nativa Cuba con los de jazz, música clásica y una mezcla única de influencias americanas. Aquí, en los estudios TPT, Nachito (piano), Kevin Washington (batería) y Yohannes Toná (bajo) mostraron su trabajo con una de las actuaciones más alta energía para cruzar el escenario.
ARTISTA BIO
A la temprana edad de 12 años, Ignacio "Nachito" Herrera explotó en la escena musical cubana y ha estado rompiendo barreras desde entonces. Estudió con maestros de Rajmáninov, cubano Rubén González, Jorge Gómez Labraña, y Frank Fernández y se desempeñó como pianista de plomo, arreglista y director musical de Cubanismo. Hoy en día, una orgullosa residente de Minnesota, originales combinaciones de Nachito se disfrutan por los oyentes de todo el mundo.

Victor Cuica.

Víctor Cuica representa a uno de los músicos de jazz más importantes surgidos en Venezuela en la segunda mitad del siglo XX. Nace en Caracas, en Abril de 1949 y en 1963 comienza sus estudios en la Escuela de Música Militar (La Victoria, estado Aragua) para posteriormente ingresar en la Escuela de Música Superior "José Ángel Lamas (Caracas). A comienzos de la década de los setenta, ingresa a la Orquesta de Chucho Sanoja y posteriormente forma parte de la agrupación Oscar y Sus Estrellas de Oscar D´ León. Junto a su carrera musical, también desarrolla una carrera como actor de cine y televisión participando en numerosas producciones de gran éxito. Cómo músico desarrolla una obra donde fusiona elementos de jazz con ritmos latinos y pequeñas dosis de blues. Su primer álbum se tituló Que Sea Para Siempre (1983), al cual siguieron discos de gran importancia como Tierra de Gracia (1992), Noctámbulo (1993), Víctor Cuica y Alberto Lazo (1997), Los Locos de Caracas (2000) e Internacionales (2006). Ha compuesto la música de algunas películas ganando el premio como mejor banda sonora (1997) para la película Santera. Parte de su obra musical para películas aparece en el recopilatorio Soundtracks (2004). Su carrera musical no sólo está representada por sus obras discográfica, también ha aparecido como músico invitado en grabaciones de artistas reconocidos como Gerry Weil y Gonzalo Micó, ha realizado numerosas presentaciones en el país y en el extranjero entre las cuales destaca ser el primer venezolano en participar en el prestigioso Festival de Jazz de Montreux (Suiza, 1985), además de presentarse en eventos como el Festival Memphis in May (Estados Unidos), Festival de Verano de Quebec (Canadá), Festival Mar del Jazz (Argentina) y el Festival de los Tres Continentes (Francia).
Victor Cuica (1949-)
Nace en Caracas el 19 de abril de 1949. Como muchos interesados en la música popular, comenzó a estudiar en la Escuela de Músicos Militares de La Victoria, estado Aragua. A los dieciséis años finaliza su aprendizaje especializándose en el saxofón tenor. Sus primeros trabajos los realiza en el ejército, en la banda del Batallón Bolívar, donde permanece durante dos años. En 1968 se integra a la Banda de la Marina, cuyo repertorio incluía temas de Glenn Miller y otros directores de las grandes bandas de la Era del Swing. Son los primeros contactos con algunos temas relacionados con el jazz. Intrigado por este género, compra sus primeros discos: dos larga duración de los saxofonistas tenores Paul Gonsalvez y Sonny Rollins.
Cuica, no conforme con lo aprendido en las escuelas militares, a la vez que continuaba como miembro de las bandas de la Marina, logra inscribirse en la Escuela Superior de Música José Angel Lamas. La coincidencia de un examen en la academia y de una presentación lo obliga a escoger y se retira de la vida militar con el grado de cabo II, para integrarse a la vida civil. En la Escuela Superior estudió flauta, teoría, solfeo, armonía, bel canto y dirección coral. Esta preparación lo ayudó a conseguir un trabajo como director de la coral de la Universidad Católica Andrés Bello y, simultáneamente, se presentaba en locales nocturnos. Su primer cuarteto estuvo integrado por él mismo en el saxo tenor, Freddy Bossa en el piano, Armando "Caraquita" Cáceres en la batería y José Castro en el bajo. Su repertorio incluía música muy variada: salsa, charanga, pachanga y algo de jazz. Son años en los que Cuica todavía no sabe improvisar y sólo se dedica a llevar la melodía.
Un contrato lo traslada a la isla de Aruba y allí permanece durante seis meses. Un período que aprovecha para realizar investigaciones sobre la improvisación, pero en el campo de la salsa. A su regreso, a comienzos de los setenta, se integra a la vida nocturna de Caracas y, junto con el pianista Oscar Maggi, forma un grupo para tocar en L'Insolite, una de las cervecerías más populares de los setenta. Con Maggi se preocupa más por el jazz y la bossa nova, y poco a poco va desarrollando su habilidad para la improvisación.
En 1974 abandona las presentaciones musicales para dedicarse a la actuación en el cine y la televisión. En la segunda mitad de esta década profundiza sus estudios de canto y realiza cursos y talleres de arte dramático. En sus ratos libres tocaba la guitarra, y el saxo lo tenía prácticamente olvidado.
En 1981 retorna al campo de la música y organiza un grupo llamado Victor Cuica y su jazz latino, dedicado exclusivamente al jazz. Sus miembros eran Cuica en el saxo tenor, Héctor Hernández en el bajo, Junior Romero en el piano, Oscar Rojas en la batería y Eleazar Yánez en los saxos. Con este grupo fue invitado a un festival en Memphis, EE.UU. y luego tuvo el privilegio de ser el primer venezolano en ser invitado al prestigioso Festival Internacional de Montreal. De aquí en adelante se ha preocupado más en ser un intérprete con un sonido propio que un compositor. Sus estudios se han centrado no sólo en el.jazz, sino también en la fusión de la música latina con el jazz clásico y, además se ha interesado en improvisar dentro de los ritmos folclóricos del Caribe, la samba, la bossa nova y el calipso.
Entre sus trabajos más sobresalientes como actor en el cine están las películas Se solicita muchacha de buena presencia y motorizado con moto propia (1977), Manoa (1980), De cómo Anita Camacho quiso levantarse a Marino Méndez (1986) y Tierna es la noche (1992). También ha escrito las bandas sonoras del documental Claus y su vuelta larga tierra inundada (1986), El mar del tiempo perdido y de Macu, la mujer del policía (1987).
Además de su temperamento como músico y actor, Cuica también ha sido un buen animador. En sus presentaciones frecuentemente se acompaña con chistes y en los noventa ha estado experimentado como bolerista.
Al escribir sobre jazz, es también necesario hacerlo sobre su hábitat natural: los locales nocturnos. En muchos de ellos los grupos contratados tenían como función interpretar temas variados y entre ellos estaban los estándares del jazz. Fueron centros con una corta existencia y que, dada su indefinición, terminaban derivando en otra cosa o desaparecían. En otros, las excepciones, las bandas tocaban sólo temas de jazz. Eran los preferidos por los intelectuales, los snobistas, los verdaderos aficionados, los músicos profesionales, en fin, por todos aquellos deseosos de escapar de la mediocridad de otros centros nocturnos. De ellos, dado el gran apoyo prestado a los músicos, Las Cien Sillas, el Barcelino y el Juan Sebastián Bar son los más recordados.

Orquesta Alteración.

Alteración, La Orquesta Con Clase…, es una agrupación musical fundada el 02 de Septiembre de 1.989, de la mano del desaparecido trombonista aragüeño Jesús Méndez Reina, y la misma cuenta con 21 años en el ambiente salsero aragüeño y venezolano, identificada con ese contagioso ritmo musical como lo es la SALSA. Alteración, La Orquesta Con Clase…, ha contado desde sus inicios con un plantel de destacados músicos profesionales, los cuáles con su extraordinario trabajo, han hecho que la misma este colocada en la actualidad como una de las máximas representantes de la salsa aragüeña tanto a nivel regional como a nivel nacional.
Durante estos 18 años la Orquesta Alteración, ha compartido tarima con las principales agrupaciones nacionales como: Oscar D` León y su Orq, Orq Dimensión Latina, Orq Los Melódicos, Orq Billos Caracas Boy`s, La Súper Banda Guaco, Naty y su Orq, y con los artistas internacionales: Gran Combo de Pto Rico, Jerry Rivera su Orq, Nino Segarra y su Orq, Orq Sonora Ponceña, Roberto Roena y Su Apollo Sound, Raulin y su Orq, Orq Aragon de Cuba, Ismael Miranda, José Cheo Feliciano, Luigi Texidor, Willie González, Adalberto Santiago, Roberto Lugo y con la prestigiosa Fania All Stara entre otros, dejando muy en alto en cada una de sus presentaciones el gentilicio aragüeño y venezolano, recibiendo buenas críticas de los principales expertos en lo que al ritmo salsa se refiere.

A finales del año 1.999 realizaron su primera producción discográfica titulada “Por Amor a Ti”, y la cual fue editada por el sello discográfico Distribuidora Internacional De Música, (DIMUS), donde lograron colocar en los primeros puestos del Record Report venezolanos los temas: PURITA LA P` y MI VECINA, logrando la Orquesta Alteración, calar de buena manera en el exigente gusto del público salsero venezolano.
Esta producción discográfica, la cual fue realizada por la productora: ALTERACION ENTERTAINMENT DE VENEZUELA, C.A, con amplia experiencia en lo que a producciones discográficas se refiere, consta de doce (12 ) temas muy bien estructurados y cuenta con la participación especial de excelentes músicos profesionales al igual que en su anterior producción “Por Amor a Ti”. Esta grabación se realizo bajo la producción musical del Bajista: ALBERTO RODRIGUEZ, acompañado en la COOPRODUCCION MUSICAL del Pianista: EDSON MARTINEZ, extraordinarios músicos venezolanos actualmente radicados en España... También contó con la participación de Uno de los mejores trombonistas de Venezuela como lo es DOMINGO PAGLIUCA y en la percusión el talentoso EITER “KIKO” GONZALEZ.
De esta producción discográfica titulada “VIVA MI GUAGUANCO”, la Orquesta Alteración está colocando en el mercado musical venezolano el tema promocional: “UNA NOCHE MAS”, del Compositor: LUIS APONTE, y con adaptación para la Orquesta Alteración, del Bajista: ALBERTO RODRIGUEZ, y el cual está incluido en este majestuoso producto musical.
Fernando Campos, Héctor Palacio y Jhonny Santana, son los nuevos integrantes de la Orquesta Alteración, quienes con una extraordinaria calidad profesional, junto a su Director General y cantante FREDDY BOLL, realizan el trabajo vocal de esta producción discográfica.
Con un infinito agrado estamos haciendo llegar a ustedes nuestro primer tema promocional “UNA NOCHE MAS”, bajo la interpretación del novel cantante de la Orquesta Alteración, JHONNY SANTANA, y que esperamos sea del agrado de todos y así poder contar con el apoyo del exigente público salsero Aragüeño Venezolano y Del Mundo...

Marty Sheller.

Fecha de nacimiento: 15 de marzo 1940
Marty Sheller nació en Newark (pronunciado "nuevo Urk"), Nueva Jersey, el 15 de marzo de 1940. Su primer instrumento fue tambor de la trampa, que tomó en la escuela a los 10 años. "Yo tenía una afinidad definida para el tambor", recuerda. "Siempre he tenido un muy buen sentido del tiempo y el tempo." Pronto, sin embargo, pasó a la trompeta. "Ellos se estaban bajo terribles tambor de los interpretes que no podían mantener el tiempo", explica. "Me estaba volviendo loco."
El trompetista hizo su debut profesional en 1958, tocando un concierto de verano en el Hotel Woodbine en las montañas Catskill. Ese otoño, se unió a una banda liderada por el saxofonista tenor Hugo Dickens. "Había un montón de clubes sociales de negros que se hacen bailes en Harlem el viernes y sábados por la noche." Sheller recuerda. "Ellos querían una banda que podría desempeñar el rhythm and blues y América también, y en Nueva York había un grupo de músicos que habían crecido escuchando a ambos tipos de música y saben cómo tocar con autenticidad. Había tres bandas que lo estaban haciendo: Hugo Dickens, Pucho Brown y Joe Panamá. Muchos músicos que tocaron en estas bandas se convirtieron en una gran influencia en la música latina y el latin jazz ".
Sheller después se conectó con timbalero y vibrafonista Louie Ramírez. "Reconocí en él, el amor por el jazz, y reconoció en mí el amor por la música latina", dice Sheller. "Nosotros nos encargamos de una banda de jazz latino que se va a reproducir las canciones de jazz con una sección de ritmo latino." El grupo incluia al conguero Frankie Malabe, a quien cita como una de sus primeras influencias importantes. "Frankie me dio la información sobre el fin rítmica de la misma, y Luis me dio la información sobre el concepto armónico de la música y la organización y la clave", dice. Sin embargo, la banda encontró poco trabajo. "Había pocos lugares que contrataría a una banda como esa", dice Sheller. El maestro de la conga Sabu Martínez, sin embargo sí los contrata a todo el grupo, menos a Malabe,para tocar en Jazz Espagnole de Sabu, emitidos originalmente en el sello Alegre.
Sheller estaba trabajando con otro timbalero-vibrafonista, Pete Terrace, cuando conoció a Mongo Santamaría en un club en el Bronx en 1961. El gran conguero cubano acababa de llegar de San Francisco a Nueva York con una banda de charanga. En noviembre del año siguiente, fue cuando Sheller recibió una llamada de Santamaría, el percusionista había dejado sacado la flauta y violines de su la banda de charanga en favor de un sonido de jazz latino con una primera línea de la trompeta, saxofón alto y saxofón tenor .
En el primer ensayo de Sheller con Santamaría, Herbie Hancock trajo en un arreglo de una canción que había grabado recientemente para Blue Note titulado "Watermelon Man". "Hemos cambiado la redacción un poco", dice Sheller a sus compañeros de su nueva banda -. Cuando toco por primera vez la canción en público, en el Blue Coronet en Brooklyn ", la recepción de la gente fue salvaje", recuerda Sheller. Pete Long, gerente de Santamaría, llamó por teléfono a Orrin Keepnews en Riverside Records con la noticia y convenció a los productores de grabar de inmediato de la canción como sencillo. Publicada por el filial de Riverside´s Battle, "Watermelon Man" se convirtió en un Top 10 hit pop. Cuenta con un solo de trompeta por Sheller, quien no tocar en su habitual estilo bop-imbuido sino que sopla más simples líneas inspiradas en el solo de Melvin Lastie´s del hit de Barbara George "I Know".-No te hagas esas cosas", recuerda Sheller a Long diciendole. "Tienes que tocar funky".
Sheller toco con Santamaría, y se desempeño además como compositor, arreglista y fue su Director musical hasta 1968, cuando dejó la trompeta, debido a problemas de embocadura. Continuó, sin embargo, trabajando con Santamaría como arreglista, compositor, director y productor a veces hasta la muerte del conguero en 2003. Entre las producciones de Shellercon Santamaría fue el álbum Amanecer, que ganó un Grammy por Mejor Grabación de América de 1977.
"Pensé que nunca volvería a ser feliz, por no tocar la trompeta", Sheller dice, "pero me di cuenta que tengo mucha la satisfacción tanto de escuchar uno de mis arreglos interpretados por buenos músicos como yo de tocar."
Desde que dejo de tocar su trompeta, Sheller ha sido muy solicitado como arreglista y compositor. Sus cartas de jazz-informó contribuido en gran medida al éxito de la música salsa expedido por Fania Records a partir de finales de los 60 a través de los años 80. Además de marcar el 1989 éxito "El Gran Varón" y muchas otras grabaciones de Willie Colón, arreglos Sheller se pueden escuchar en los álbumes de Fania por artistas como Joe Bataan, Rubén Blades, Larry Harlow, Ismael Miranda y Héctor Lavoe. Otros créditos incluyen la organización de grabaciones para Shirley Scott, George Benson, Jon Faddis, David Byrne, Idris Muhammad, Giovanni Hidalgo, Steve Turre, y TS Monk, así como un comercial para televisión de Budweiser ganadora de premios en interpretación de José Feliciano.
Por recomendación de Bobby Porcelli, Sheller empezó a escribir para Tito Puente en 1993. Sus arreglos de latin jazz para álbumes como: In Session; Tito´s Idea, Jazzin´y Special Delivery.
"Era un placer trabajar con", dice de Sheller del desaparecido timbalero. "Jazz canciones no fueron escritas para estar en clave, como las canciones de América, para que hubiera ciertas partes de las melodías que no cabrían. Que yo llamaría Tito y pedirle: «¿Cómo quieres hacerlo? 'Su actitud era:" Usted acaba de escribir de la manera que usted quiere escribir, y vamos a ajustar a ella. "Ha sido un placer de una el punto de vista de arreglista para que mi música que se reproduce por la excelentes músicos de su banda. Ellos darle vida algo más que lo que está escrito en el papel. "Músicos de clase mundial que forman el Ensemble Marty Sheller que da vida a los los sonidos que Sheller poner en el papel.. Los aficionados que han seguido su carrera sin duda estarán encantados, mientras que los que experimentan su música por primera vez es poco probable que negar el enorme talento que es Marty Sheller.

Puedo agregar este video, despues de esta introduccion que se desempeño como director musical de la orquesta de Mongo Santamaria.

Marty Sheller -- Musical Director

Mongo Santamaria -- Congas

Frank Malabe -- Bongo

Ignacio Berroa -- Drums

Lew Soloff -- Trumpet

Bobby Porcelli -- Alto Saxophone

Barry Rogers -- Trombone

Andy Gonzalez -- Bass

Bob Quaranta -- Piano

Carel Kraayenhoff.

Carel Kraayenhof, el bandoneonista holandés que saltó a la notoriedad mundial cuando interpretó Adiós Nonino en la boda del príncipe Guillermo Alejandro con Máxima Zorreguieta, tiene en realidad una extensa y notable trayectoria en el mundo del tango. Su casa en una pequeña localidad cercana a Amsterdam es un verdadero museo dedicado al género, con una asombrosa colección de discos, libros y fotos.
En 1987, inspirado en el sonido de su admirado Osvaldo Pugliese, fundó el Sexteto Canyengue. Pugliese y Astor Piazzolla fueron, desde el principio, sus grandes referentes. De los dos alcanzó a obtener reconocimiento: con Pugliese tocó en Amsterdam; Piazzolla lo escuchó tocar y lo eligió para el montaje en Nueva York del musical Tango Apasionado.
Carel es además compositor, y le ha dedicado una pieza (Clavel rojo) a Pugliese, que forma parte del repertorio de la orquesta Color Tango. Muchos notables músicos de nuestro país como Libertella, Marcucci, Mossalini lo admiran y están unidos a él por vínculos de amistad.
En 1993, su pasión por el tango y su difusión en Europa, llevó a Carel Kraayenhof a inaugurar el Departamento de Tango del Conservatorio de Rotterdam, donde en la actualidad dirige con Leo Vervelde la Orquesta Tanguera de Rotterdam (OTRA).
Decidió que con la popularidad ganada como "el bandoneonista de Máxima" debía hacer algo útil: organizó un concierto en Holanda a beneficio de la Escuela de Música Popular de Avellaneda, institución que ya recibió lo recaudado en un acto celebrado en la Embajada de Holanda en Buenos Aires.
Asimismo ha organizado en Europa actuaciones a beneficio de diversas organizaciones de derechos humanos.
Entrevista a Carel Kraayenhof
El hombre tiene una carta de presentación marketinera, y así lo anuncia la compañía grabadora: es “el bandoneonista holandés que interpretó Adiós Nonino en la boda de Máxima Zorreguieta”.
No es para menos: después de aquel toque de suerte, Carel Kraayenhof se hizo conocido mundialmente, vendió cientos de miles de copias de su disco
Tango Royal, y otro tanto del que bautizó, claro, Tango Máxima.
Y todo desde un país al que hasta entonces no había llegado la fiebre del tango.
Pero al parecer Kraayenhof tiene otras cartas que acreditan su condición de tanguero: con su Sexteto Canyengue se dedica a cultivar el estilo de Osvaldo Pugliese, con quien en vida llegó a compartir varios shows y encuentros.
Cuando Piazzolla lo escuchó tocar, lo invitó a participar del musical Tango Apasionado, que montó en Broadway.
Con estos dos padrinazgos a cuestas, fundó el Departamento de Tango del Conservatorio de Rotterdam, donde actualmente dirige con Leo Vervelde la Orquesta Tanguera de Rotterdam.
En su casa de Noord Beemster, una pequeña localidad cercana a Amsterdam, Kraayenhof tiene armada una suerte de museo dedicado al género, donde atesora discos, libros, fotos y objetos especiales, como una bufanda que le regaló Pugliese.
El músico habla un buen español y tiene los suficientes modismos incorporados para despedirse de la charla telefónica con un “un gustazo”.
“Tocaba el piano desde los 8 años, y más tarde la verdulera. Pero nunca tuve la posibilidad de un gran instrumento con fuelle.
Un día un amigo argentino me dijo: ‘Tenés que tocar el bandoneón’, y me trajo uno de Buenos Aires”, cuenta el holandés.
“Yo conocía el sonido por un disco de Juan José Mosalini y estaba totalmente fascinado. Pero pensaba que, con 26 años, era muy tarde para aprender este complejo sistema.”
–Lo presentan como “el bandoneonista de la boda de Máxima”. ¿Eso es bueno o es malo para su carrera?
–En general, es bueno. No sólo porque me hizo muy famoso en mi país: lo más importante es que pude difundir el tango y el bandoneón.
Ese día dos millones de holandeses lloraron con esa muchacha argentina que se emocionaba con el tango. Y eso es mucho, porque mis compatriotas no lloran tan fácilmente.
– ¿Cómo lo contactaron?
Simple: averiguaron y yo fui el único bandoneonista en Holanda del que tuvieron referencias. Con ellos quedó una buena relación, de vez en cuando nos hablamos por teléfono, son gente muy macanuda.
Máxima se está dedicando a investigar sobre créditos para pequeños emprendimientos de desarrollo, y ahora se va a Brasil y Argentina por ese tema. Eso me gusta de ella.
– ¿Qué pasó en Holanda después de su Adiós Nonino nupcial?
–En mi país nadie sabía lo que era un bandoneón hasta antes de la boda. Después de escucharme, en el tranvía, en el tren, por todos lados, la gente me paraba, me abrazaba, me decía “yo también lloré”, me preguntaban por el tango y por el bandoneón.
Lo más lindo fue que un periodista, muy holandés él, calculó que con todas las lágrimas que se vertieron ese día los holandeses podían llenar la cancha del Ajax. Realmente fue una conmoción.
– ¿Cómo llegó a conocer a Pugliese? –Cuando él vino a Ámsterdam, en el ’85, yo toqué como telonero suyo con el cuarteto Tango 4, cuando recién habíamos empezado.
Para el ’89 ya habíamos formado el Sexteto Canyengue, con el que nos dedicábamos totalmente al estilo Pugliese, y ahí compuse un tema para él, Clavel rojo, que actualmente forma parte del repertorio de Color Tango.
Lidia y don Osvaldo nos invitaron a Buenos Aires y nos presentamos con ellos, desde ahí quedó una amistad muy grande, hace poco estuvo Lidia en un homenaje a Pugliese.
– ¿Qué fue lo que lo fascinó de Pugliese?–Fue casi como un abuelo muy querido y respetado, un hombre íntegro que dedicó toda su vida a la música popular con una modestia impresionante. Era un genio en el sentido musical, alguien muy preparado también en otros géneros como el clásico. Como músico enriqueció mucho el tango en su estructura, por su manera de arreglar y de poner ritmos folklóricos en el tango.
Siempre me emocionó la fuerza de su orquesta, con los bandoneones que casi tocan percusión. Y, pedía que no lo llamaran maestro: “Soy nada más que un tornillo en la máquina tanguera”, decía.
–Suena extraño que diga todo esto un holandés.
–Quizá porque desde lejos se puede ver y admirar con más profundidad. Aquí hicimos un estudio muy profundo de Pugliese como hombre y como músico, pasé mucho tiempo con él y con Lidia en mis visitas a Buenos Aires y en sus visitas a Holanda, y también con Roberto Álvarez, de Color Tango, que fue mi maestro.
– ¿Y Piazzolla?
–Tuve la suerte de que me convocara para la gira del musical Tango apasionado, y cada momento fue como una inyección de tango.
Aprendía sólo de observarlo: Piazzolla era muy inquieto, casi como un chico de siete años, con mucha energía, siempre estaba en la búsqueda de otras formas, todo el tiempo estaba componiendo, pero también actuando y haciendo giras.
Lo vi escribiendo en hoteles, obsesivamente, y un poco él me dejó el deseo de hacer lo mismo: dedicarme a la composición y al tango, obsesivamente.
Mi agregado: Clavel Rojo
¿Qué significado tiene?
Cada vez, en tiempos pasados, que a Pugliese lo ponían preso por sus ideas políticas lo reemplazaba, casi siempre, Armando Cupo. Y sobre el piano colocaban un clavel rojo.
"Cuando caía preso, hacía las orquestaciones en Devoto, yo las llevaba y después las ensayábamos con la orquesta.
En ese entonces el pianista que lo reemplazaba era Armando Cupo "(Enrique Alessio, bandoneonista, compositor, director de orquesta)
"Debuté el año en que acostumbrábamos a poner un clavel rojo arriba del piano. Era la época en que Pugliese estaba preso.
Los primeros años en la orquesta fueron muy duros (...)
En el '57 casi no tocó el piano. En las presentaciones había un reemplazante" (Ismael Spitalnik, bandoneonista).

Tango Royal
Carel Kraayenhof(1958) Clavel rojo
Astor Piazzolla (1921-1992) Milonga del ángel - Balada para un loco
Carel Kraayenhof (1958) Máxima - Milonga para Thirza
Astor Piazzolla (1921-1992) 'Aconcague' Concerto for bandoneón, string instruments and percussionAllegro marcatoModeratoPrestoOblivion
Roberto Álvarez Maypa
Astor Piazzolla (1921-1992) Adiós Nonino
Nederlands Kamerkoor
Carel Kraayenhof, bandoneón;
Vesko Eschkenazy, violin;
Heleen Koele, soprano;
Sexteto Canyengue
- Concertgebouw Chamber Orchestra
Ed Spanjaard, conductor
El bandoneonista holandés Carel Kraayenhof y su disco 'Memorias de Cuba' Julio 11 de 2008
El bandoneonista holandés Carel Kraayenhof tiene una notoria trayectoria en el tango. En su domicilio posee una gran colección de discos, libros y fotos relacionados con su pasión musical. En 1987, inspirado en el sonido de Osvaldo Pugliese, fundó el Sexteto Canyengue.
Pugliese y Astor Piazzolla fueron, desde el principio, sus grandes referentes. De los dos alcanzó a obtener reconocimiento: con Pugliese tocó en Ámsterdam; Piazzolla lo escuchó tocar y lo eligió para el montaje en Nueva York del musical Tango Apasionado.
En 1993, su pasión por el tango y su difusión en Europa, llevó a Carel Kraayenhof a inaugurar el Departamento de Tango del Conservatorio de Rótterdam. Ha organizado en Europa actuaciones a beneficio de diversas organizaciones de derechos humanos.
José Zepeda, director del Departamento Español de Radio Nederland entrevista a Karel Kraayenhof con motivo de la presentación de su nuevo disco compacto Memorias de Cuba
Carel Kraayenhof es un músico holandés reconocido en el "planeta del tango". Tal vez muchos lo recordarán por haber sido el bandoneonista que interpretó con tanta emoción Adios Nonino en el casamiento de la princesa Máxima. Desde hace más de 20 años ha recorrido innumerables países y compartido el escenario con leyendas como Astor Piazzolla y Osvaldo Pugliese.
Además, promovió la fundación de un departamento de tango en el Conservatorio de Música de Rotterdam.
En Tango Heroes presenta un disco con composiciones propias. Fue grabado el 12 de junio de 2006, en la sala Leine Komedie de Amsterdam (Holanda).
A continuación un reportaje realizado por la Deutsche Welle (la Voz de Alemania) por Enrique López Magallón, donde expresa interesantes conceptos sobre el tango y recuerda a Don Osvaldo Pugliese y Astor Piazzolla.
¿Cómo nació su amor por este instrumento, el bandoneón, y por el tango?
En realidad yo empecé con el piano a los ocho años. Uno de mis hermanos ya estaba involucrado en una banda que tocaba música irlandesa y escocesa y me propuso que me comprara una "verdulera", como se dice en Argentina; o sea, un acordeón diatónico. Empecé a estudiar estos instrumentos de manera autodidacta. En 1982, un amigo mío me mostró un disco de un bandoneonista llamado Juan José Mosalini, radicado en París. En él tocaba solos de bandoneón. Me conmovió tanto, que a partir de ese momento me puse a buscar un bandoneón, pero no había en Holanda. Un día tocaba yo el acordeón en un parque de Amsterdam, se acercó un muchacho argentino y me preguntó si también tocaba el bandoneón. Le dije que era mi gran sueño y me ofreció buscar un instrumento para mí en su próximo viaje a Argentina. Volvió con un instrumento fantástico, un doble A: Alfred Arnold, o sea, de los mejores. Así que empecé sacando arreglos de Pugliese y de Piazzola, con los discos.
¿Qué fue lo que más le impresionó de aquel disco de Mosalini, el virtuosismo o la emoción de la música?
Estaba yo muy emocionado por el sonido. La mano izquierda en el bandoneón produce un sonido muy denso, muy melancólico. La mano derecha, en cambio, tiene una expresión mucho más brillante. En combinación parece que se escucha una pequeña orquesta. Tambien me impresionó que con cada mano se puedan tocar melodías independientes.
¿Cómo define usted el tango?
La definición más linda y más profunda que jamás oí, es la del poeta e historiador de Buenos Aires, Horacio Ferrer. Él dice que el tango es la primera sonrisa en tu cara después de haber cruzado un mar de llantos. El tango es como el blues de América Latina, pero no sólo tiene la nostalgia sino también la alegría.
En lugares tan lejanos de Argentina como Finlandia hay clubes donde la gente se reúne a bailar tango. Usted es holandés. ¿A qué atribuye el hecho de que el tango sea tan bien recibido en culturas que aparentemente nada tienen que ver con la latinoamericana, o específicamente la argentina?
La música argentina tiene influencias de muchas culturas europeas. Buenos Aires es una ciudad de muchísimos inmigrantes. Por eso en el tango se escuchan rasgos de músicas clásicas pero también de músicas folclóricas. En las cuerdas se escucha influencia de Rusia y de Hungría. Los italianos y los españoles también tuvieron una influencia muy grande. Todos los instrumentos que se tocan en el tango argentino son de origen europeo, hasta el bandoneón, que es alemán. Así que el tango es la combinación ideal entre Europa y América Latina.
Usted ha decidido hacer ya sus propias composiciones de tango. ¿Cómo llegó a esta decisión?
En 1990 compartí el escenario con Osvaldo Pugliese, que invitó a mi conjunto -el Sexteto Canyengue, de Holanda- a Buenos Aires. Luego fundamos un departamento de tango en el Conservatorio de Rotterdam, donde Pugliese se desempeñó como director artístico. Él decía siempre a sus músicos: "Muchachos, hay que ensuciar papeles". Es decir, había que escribir notas, nuevas composiciones, nuevos arreglos. Me siento tan agradecido con los argentinos, que como músico me siento obligado a esforzarme en la escritura de la música. Así que ahora, después de haber tocado tango por veinte años, decidí componer algunos homenajes a Pugliese, a Osvaldo Ruggiero, a Roberto Álvarez, a Juan José Mosalini y a varios maestros más.
Piazzola se enfrentó en su momento a las críticas de "fundamentalistas", que le reprochaban hacer un tango adulterado. ¿Qué opina usted de la evolución del tango?
Astor Piazzola no mató al tango. De hecho, él fue el salvador del tango. Este género siempre está en un proceso de evolución. Los pasos que dio Piazzola eran necesarios para el tango. También lo que hizo Pugliese en los años cuarenta fue una revolución tan grande como la que Piazzola llevó a cabo después. Ninguna música puede quedarse estancada. Si no evoluciona, no puede pasar a las siguientes generaciones.

Son De Tikizia.

Band Bio: Son de Tikizia, Uno de los grupos costarricenses con mayor proyección internacional, se han presentado en importantes escenarios como el Datch Forum en Milan ,Ipodromo delle Capanelle en Roma, Melkweg en Ámsterdam, Expo Zaragoza 2008, Festival de Jazz Espai Port en Sant Feliú de Guixols Barcelona, Parque Castrelos en Vigo España, Estadio de Las Palmas en Las Islas Canarias, También han hecho presentaciones con Jimmy Bosch, Ruben Blades, Cheo Feliciano y la Orquesta Filarmónica de Costa Rica. A “Cheo Feliciano” lo acompañaron en el 2006 y en el 2008 en el Festival internacional de las Artes de Costa Rica y a Ruben Blades en la gira por Europa “Panamá se queda en ti, 2008” y luego en Costa Rica en Mayo del 2010. Read Less »
Members: Walter Flores piano, Alfredo Poveda voz y trombón, Pangui Mora timbal, Cesar Fumero trombón, Marcial Flores trombón, Miguel Rojas congas, Allan Estrada bongo
Manager: Walter Flores, Alfredo Poveda y Susana Poveda. booking@sondetikizia.com
SON DE TIKIZIA está conformado por algunos de los mejores talentos musicales de Costa Rica, por ejemplo su director musical Walter Flores es ganador de dos Grammys Internacionales y un Latin Grammy como productor musical en los CDS, “Tiempos” y “Mundo” de Ruben Blades y recientemente acaba de salir el mercado la nueva producción de Blades llamada “Cantares del Subdesarrollo” producida por Flores y Blades.
Marcial Flores (trombonista) ha sido varias veces seleccionado por la Orquesta de las Américas con la cual ha viajado por Norte América y Europa acompañando a figuras como Paquito D’ Rivera y Pavarotti. Por otro lado Leo Rodríguez es uno del los primeros músicos de Costa Rica en obtener un título de “Máster” en trombón y junto con el Cuarteto de Trombones de Costa Rica ha hecho más de 15 giras internacionales en diferentes ciudades de Europa y Norte América incluyendo México. Y Alfredo Poveda, voz principal de Son de Tikizia ha trabajado con Rubén Blades como trombonista y corista por más de 10 años, además los críticos de música han comparado su voz y su talento con el de Rubén Blades.
Son de Tikizia se ha presentado en importantes escenarios como el Datch Forum en Milan, Ipodromo delle Capanelle en Roma, Melkweg en Ámsterdam, Expo Zaragoza 2008, Festival de Jazz Espai Port en Sant Feliú de Guixols Barcelona, Parque Castrelos en Vigo España, Estadio de Las Palmas en Las Islas Canarias, Mélico Salazar acompañado por la Orquesta Filarmónica de Costa Rica y en el Festival Internacional de las Artes 2006, 2007, 2008 y 2009. También a acompañando los más grandes exponentes de la Salsa en todo el mundo: “Cheo Feliciano” y “Rubén Blades”.
Walter trabajo como director de Orquesta y Productor musical por más de 10 años, dirigiendo a “EditusEnsamble” en: Ámsterdam “Teatro Concertgebouw”, Paris “La Villette JazzFest”, Alemania “Westport JazzFest”, Suiza Montreaux Jazz Festival”, Los Ángeles “Playboy Jazz Festival”, New York “Sessions at 54th” y “Carnegie Hall”, entre otros.
Además, Flores fue el arreglista de la canción “Dilo de Una Vez” de Humberto Vargas ganadora del primer lugar en Viña del Mar 2006 y es músico invitado en el Tour “TODOS VUELVEN” de Ruben Blades y Seis del Solar.
La idea de este grupo es rescatar la música ‘Salsa’ que se hacía a finales de la década de los 70’s y principios de los 80’s, donde cada banda tenía su propio sonido y era la manera de tocar de cada músico la que se encargaba de darle el ‘sabor’ propio a cada tema musical. Además el grupo se caracteriza por el carácter explosivo de cada una de sus presentaciones, en el cual las “moñas” y los “solos” de cada instrumento le dan vida al verdadero sentido de la música en vivo.
Todos los músicos son profesionales y dominan diferentes estilos de música (música clásica, Jazz y música popular en general).
Son de Tikizia, también tiene más de 5 años de experiencia en amenizar eventos corporativos, bodas, cumpleaños y fiestas populares donde interpretan todo tipo de música incluyendo: Música Pop, Merengue y los demás ritmos que se bailan hoy en día.
Salsorro.com (España)
Toda la salsa de Galicia
Publicado: 03 11 07 Son de tikizia - Salsa dura pa tus pies
Cronica:
… una banda especial. Desde Costa Rica nos sorprenden con un sonido que puede que os suene a conocido.
Si os suena a Rubén Blades es que su director musical Walter Flores ha dirigido la orquesta “Editus Ensamble” para Rubén durante más de 5 años, con la que han actuado en lugares como: Ámsterdam “Teatro Concertgebouw”, Paris “La Villette JazzFest”, Alemania “Westport JazzFest”, Suiza Montreaux Jazz Festival”, Los Ángeles “Playboy Jazz Festival”, New York “Sessions at 54th” y “Carnegie Hall”, entre otros.
Además, Flores fue ganador de 3 premios Grammy como “productor e ingeniero de sonido” en los cd's “Mundo” y Tiempos” de Blades, donde Alfredo Poveda (voz principal del grupo) participó como segunda voz de Blades y trombonista, su voz la podemos escuchar junto a Rubén en la Canción: “Como Nosotros” del CD “Mundo” donde también se destaca el solo de Flauta de Flores.
Este disco tiene 10 temas, nueve creados por Flores y uno de Rubén Blades, de nombre “Juan González”.
El compositor Walter Flores se armó de una selección con músicos de lujo y decidió formar esta agrupación, como dice él “para vivir”.
“Lo mío es el jazz, pero de eso no se vive, así que formé esta agrupación, que se acerca mucho y que además me gusta mucho, de paso así se obtiene más ganancia en esta sacrificada carrera”, comentó Flores.
"jugaste con mi destino", "no me importa" o "me quite las vendas" son temas perfectos para bailar.
No dejéis de ver el video que ellos mismo han hecho "artesanalmente" para promocionarse. Es el corte número 2, un divertido "salsaton" con el que se reivindican como auténticos salseros y dan de paso un tirón de orejas a las discográficas.
Son de Tikizia
Pa' Los Pies
Son de Tikizia es uno de los grupos nacionales que apareció en la escena para hacer la diferencia. Música elaborada, salsa que suena a salsa de verdad, letras que hablan y merecen escucharse. Detrás del proyecto está la mente prodigiosa de Walter Flores, quien asume en este proyecto la dirección, la producción, la composición de varios de los temas y los arreglos. Aquí Alfredo Poveda deja de imitar a Rubén Blades y asume un estilo que le da personalidad al grupo. El resto de los músicos se llevan también unos buenos aplausos.
Salsa original como los grandes
Alberto Zúñiga
No importa si el pie es plano o es un pie de imprenta. Tampoco se especifica si hay que andar con pies de plomo o a pies juntillas. Menos si se empieza con el pie izquierdo o si la cosa es a cuatro pies.
Lo cierto es que el primer disco compacto del grupo Son de Tikizia está hecho para mover los pies y de allí que su nombre de batalla sea tan preciso y directo y, como para no dejar duda alguna flotando en el aire (ni en la pista), los músicos decidieron bautizar su primer criatura como Salsa Dura. Pa’ los pies.
Un disco esperado. El grupo Son de Tikizia no apareció como por arte de magia. Su historia es un claro ejemplo de lo que significa un proceso aplicado a cualquier proyecto, incluyendo el futbol, aunque parece que en ese tema nadie entiende y seguimos vendiendo copos en lugar de traernos una buena copa.
Alfredo Poveda y Walter Flores, trombón y piano respectivamente, se unieron hace como tres años para un proyecto de Nerina Carmona, presentado en El Farolito. Se llamaron en ese momento Trombones en Salsa, con música original de Poveda. Luego se le sumó un especial con música de Rubén Blades y otro con música de Los Seis del Solar. Para ese entonces el grupo ya tenía percusiones.
Luego vino Maestra vida, presentada en el antiguo bar Meridiano al Este y, aunque en aquel momento los antiguos responsables del lugar les pidieron no más espectáculos improvisados como ese porque nadie bailaba, Son de Tikizia nació.
¡Imagínense, improvisar Maestra vida! Eso no es posible y el esfuerzo de los músicos por montar toda la ópera-salsa de Rubén Blades motivó a consolidar una orquesta de salsa como la que se hacía en los años 70. Por casualidad, el grupo Los Brillanticos se deshizo y Walter y Alfredo llamaron a algunos de sus integrantes. El grupo estaba armado hasta los dientes y los músicos salieron decididos a conquistar los pies de la capital.
Poco a poco fueron sumando al repertorio de los temas clásicos de la época de Oro de la Salsa, algunas composiciones originales.
RESEÑAS DEL CD “Salsa Dura Pa’ Los Pies”
Eric González
Son de Tikizia “Salsa Dura Pa’ los Pies” (Producción propia):
Reseñar nuevas producciones musicales a veces no es tarea fácil. Las grabaciones que recomendamos tienen “algo” que nos gusta, que las separan del montón. Rara vez se escucha algo que lo golpea a uno inmediatamente desde el primer tema y que el impacto se mantenga hasta el final, hasta la última gota. Eso fue lo que me sucedió al escuchar “Salsa dura pa’ los pies”, del formidable y extraordinario grupo costarricense Son de Tikizia. Les soy lo más sincero posible cuando les digo – les afirmo – que este es el mejor CD de salsa que he escuchado este año y no sé cuántos otros atrás. El grupo está dirigido por Walter Flores (piano y flauta) y Alfredo Poveda (voz y trombón), ambos alumnos de la orquesta tica que ha acompañado a Rubén Blades en años recientes.
“Salsa dura pa’ los pies” incluye doce temas, y una vez escuchamos “Jugaste con mi destino”, pieza que abre el compacto, notamos inmediatamente el increíble parecido que la voz de Poveda tiene con la de Rubén Blades. No sólo eso, sino que Poveda, al parecer, tiene la misma capacidad interpretativa y de creación que tiene el famoso cantante panameño. Con este primer tema, también nos damos cuenta del poderoso sonido de trombones que tiene este grupo. Estos no son trombones digitalmente depurados en el estudio; estos son trombones que nos dicen cómo se debe tocar la salsa – fuertes, pero refinados. Otros detalles que captamos de salida, son los impresionantes e inteligentes arreglos y letras que posee esta magnífica producción, principalmente de manos de Flores y Poveda. Aquí, precisamente, debo afirmar que todos los temas son excelentes, e incluyen “No me importa”, “Variaciones Goldberg”, “Me quité las vendas”, “Son de Tikizia”, “Mi Doña”, “Par 23”, “Que te vaya bien”, y “Nuestra Indiferencia”. El CD además consta de dos versiones – una corta y una larga – de “Juan González”, clásico de Rubén Blades, que aquí se presenta con una sorprendente y nueva perspectiva. En adición, se brinda lo que llamaría el tecno-merengue “Pa’ los pies”, que titula la producción. El otro flamante cantante del grupo, Ricardo “Ricki” Wint Scott, de momentos también nos recuerda a Blades. El resto del espléndido personal está compuesto por Leo Rodríguez (trombón), Marcial Flores (trombón), Danilo Castro (bajo), Alonso López (timbal), Marco Vindas (congas), Richard Poveda (coros), y Javier Badilla (percusión menor y coros).
Todos sabemos que Rubén Blades no nos va a durar para siempre. Pero, por gracia de Dios, ya tenemos a Son de Tikizia. Estos muchachos, cuando tocaban o tocan con Rubén, en vez de quejarse como tantos que lo han acompañado, aprendieron todo lo bueno del maestro, y sabiamente lo han puesto en práctica. Si siguen como van, nuestra querida salsa está en buenas manos. Y no vinieron de las conocidas potencias salseras como Cuba, Puerto Rico, Panamá, Colombia, Venezuela, Perú, etc. Vinieron de Costa Rica, que poco a poco se está convirtiendo en otra fuerza afrocaribeña, y debemos aprender de ellos. Si van a comprar un solo CD estas navidades, éste es el ideal. ¡Larga vida, Son de Tikizia! Por favor regresen pronto, antes que gaste mi CD en el carro. Amen. (www.sondetikizia.com) (EEG)
En este año 2010 regresa 'Son de Tikizia' La orq. Salsera de Costa Rica de mayor proyección internacional con su segunda producción musical titulada "Salsa Retro."
Después de haber debutado en el 2007 con Pa' Los Pies en el mundo salsero internacional.
Esta vez regresan los maestros Alfredo Poveda y Walter Flores con algunos covers y composiciones originales para demostrar que Son de Tikizia es tal vez el proyecto tico más serio en la Salsa hoy por hoy.
Si "Pa Los Pies" fue todo un éxito, con Salsa Retro, Son de Tikizia demuestra que está para grandes logros y que no están de paso sino que llegaron para quedarse en el gusto de el buen salsero.
El primer corte de promoción se titula 'Juan Soledad' Una historia al estilo Rubén Baldes..
Un tema destinado a ser un Hit en este verano...

Samuel Torres. CRIOJAZZ

Nació en Bogotá, se nutrió en esa culturalmente sofisticada metrópolis, donde el jazz y la música clásica, comparten escenario con la salsa y una variedad infinita de aires del folklore colombiano.
Su principal inspiración fue Edy Martínez, su tío, quién surgió a la fama en la escena de la salsa de Nueva York en la década de 1970, como pianista y arreglista del conguero Ray Barreto, quien fue la principal influencia de Torres.
Samuel es un músico y percusionista académico, graduado en Composición Musical de la Universidad Javeriana de Bogotá. Poco después de llegar a los Estados Unidos, su carrera tomó un dramático cambio, al ser contactado por el famoso virtuoso de la trompeta Arturo Sandoval, para sumarlo a su grupo.
Con el tiempo, Torres comenzó a actuar con las grandes figuras del jazz, pop latino y la salsa, incluyendo luminarias como: Tito Puente, Paquito D'Rivera, Chick Corea, Michael Brecker, Don Byron, Claudio Roditi, Richard Bona, Poncho Sánchez, Lila Downs, Marc Anthony, Thalía y con la superestrella internacional, Shakira. Su talento también ha sido destacado en conciertos con el Boston Pops, Filarmónica de Los Ángeles y la Nashville Symphony, así como en una multitud de festivales de música alrededor del mundo.
En 2006, Torres grabó Skin Tones, su debut como productor, creando un álbum que rápidamente solidificó su reputación como uno de los más creativos percusionistas de latin jazz de hoy. El producto fue catalogado por la revista Jazz Times como: "inteligente, sofisticado y explosivo a la vez". Después viene Yaundé, una grabación más estilísticamente aventurera, con 13 vigorizantes pistas que se extraen del inagotable reservorio de las tradiciones folklóricas colombianas, así como de sonoridades africanas, funk y avant-garde jazz, que Torres ha cultivado durante su carrera.
Actualmente es artista de la fábrica más importante de instrumentos de Percusión Latina L.P., para quien produjo el D.V.D Drum Solos Revisited. Martin Cohen, el fundador de L.P. que ha colaborado con la mayoría de los más finos percusionistas del mundo, durante las últimas cuatro décadas, afirma que torres es el más talentosos arreglista y productor que se ha encontrado en más de 25 años.
Samuel Torres (entrevista)
¿Cuándo salio a la venta el disco y si es posible conseguirlo por Internet?
Yaoundé estará disponible por internet a través de mi web: www.samueltorres.com o por CDBABY, quien a su vez lo distribuye en otras tiendas por internet las cuales, es importante aclarar, lo distribuyen a cualquier país del mundo, el lanzamiento del disco será el 23 de marzo, pero ya lo podrán adquirir por internet después de la segunda semana de febrero. También los oyentes podrán comprar las descargas a través de Itunes mundial y otras tiendas digitales.
¿Cuál es la idea que ha desarrollado en esta nueva producción ya que sabemos que usted no es solo instrumentista, sino también compositor y arreglista?
Yaoundé es mi segundo trabajo discográfico como solista. Este trabajo se originó en mi primer viaje al Africa con el bajista y cantante Richard Bona; con su grupo fuimos a Yaoundé capital de Camerún, en Africa Centro Occidental. Ese viaje fue un experiencia realmente muy importante en mi vida tanto personal como musical y al regreso a NY compuse el tema Yaoundé, ese fue mi punto de partida para seguir escribiendo el resto de los temas.
En búsqueda de "inspiración" tuve la fortuna de viajar por muchos lugares en el mundo y eso mismo me llevo a buscar elementos de mi propio país, Colombia y su conexión con Africa.
La música y el concepto del disco es una visión de todos esos elementos desde un punto de vista de NY (donde vivo hace 8 años) y dentro de la estética del Latin Jazz, entonces se utilizan elementos del folclor de diferentes partes de Colombia ( el Caribe , el pacifico, los llanos, la región Andina ) con sonidos africanos, música cubana, jazz, funk y salsa.
¿Qué músicos participan con usted en esta nueva producción?
Bueno he tenido la fortuna de contar con grandes músicos de diferentes nacionalidades y todos residentes en NY, en la sección de vientos esta Michael Rodriguez (USA) en la trompeta y Joel Frahm (USA) en el saxofón, en el piano, fender rhodes y teclados Manuel Valera (Cuba), en el bajo John Benitez (Puerto Rico), en la batería Ernesto Simpson (Cuba) y como invitados Anat Cohen (Israel) en el clarinete, Ralph Irizarry (Puerto Rico - NY), Sofia Rei Koutsovitis (Argentina) en la voz y Andrés García (Colombia) en el Tiple Colombiano
¿Las composiciones son suyas todas o va a incluir composiciones de otros autores o clásicos del jazz o de la música tradicional colombiana?
Si compuse e hice los arreglos de todos los temas exceptuando " Ronca Canalete " que es un tema tradicional del folclor del pacifico Colombiano con un arreglo que hicimos Sofia Rei Koutsovitis y yo, en el cual remplazamos la marimba de chonta por un set de 8 congas afinadas como la marimba y le hicimos un pequeño cambio de métrica ( de 12/8 lo pasamos a 11/8) creando así una fluidez rítmica no muy evidente.

Los arreglos musicales son míos, excepto "Ronca Canalete", pero claro, el resultado final es la combinación de la musicalidad e interpretación de cada uno de los músicos que participaron en Yaoundé.
¿Está Usted en gira promocional de su nueva producción?
Sí; precisamente estaré tocando este viernes 29 de enero en Tarragona - España en el festival de percusión XQBEAT. En Abril estaremos por Europa en Alemania, Holanda, Francia y Hungría; en junio en Cali-Colombia en el Festival de percusión Tamborimba.
Además de mi giras con otros artistas se están programando mas cositas para el fin de año y yo por supuesto con muchas ganas de conocer la hermosa tierra del Perú.
¿Qué músicos han influenciado en Usted?
Pues son muchísimas las influencias que he tenido. Ha sido una combinación de músicos de salsa, jazz, música brasilera, clásica y en la percusión maestros como Giovanni Hidalgo, Tata Güines, Patato, Angá, Mongo Santamaría, Richie Florez han sido de una gran influencia para mí.
De todas formas creo que mi mayor influencia ha sido Ray Barretto no solo como percusionista sino como líder de su propia agrupación tanto de salsa como de Latin- Jazz, el grupo de el siempre estuvo a la vanguardia (recuerdan "THE OTHER ROAD" disco vanguardia del Latin Jazz grabado en 1973) y siempre supo rodearse de grandes arreglistas e intérpretes.
Le pedimos un saludo a nuestros lectores y en especial al público peruano
Un saludo muy grande a la gente de mi vecino país, Perú, que espero algún día no muy lejano poder visitar, un país lleno de gente maravillosa, comida deliciosa y de una inmensa tradición musical (soy un fiel seguidor de la música peruana).
Saludos a todos y espero nos veamos pronto.
NUEVA YORK (EFE).- El músico colombiano Samuel Torres, quién en este mes sacó su segunda producción en solitario "Yaoundé", en el que fusiona la música de su país con ritmos africanos, afirmó que se convirtió en percusionista gracias a sus abuelos maternos.
La inspiración para este álbum, que salió al mercado el 23 de marzo y que se puede comprar ya en Internet, surgió de su primer viaje a Camerún con el bajista y cantante Richard Bona, el que, según dijo el colombiano a Efe, marcó tanto su vida artística como personal.
"Yaoundé", que da título a su segundo disco, fue el primer tema que escribió para este proyecto, para el cual se nutrió además de ritmos de diversas partes de Colombia que tienen su origen en la música africana, fusionados con el jazz, género en el que se ha destacado.
El tema "Ronca Canalete", interpretado por la argentina Sofia Rei Koutsovitis e incluido también en este disco, pertenece al folclor del Pacífico colombiano.
"Hay muchos elementos de música colombiana sin caer en el folclor y también de la afrocubana", señaló a Efe y recordó que viajó por primera vez a África en 2005, continente que ya ha visitado en siete ocasiones y "una de las cosas que más me impactó fue cómo se vive allá".
"Su lucha diaria es encontrar agua y uno se queja acá por las situaciones que tenemos, pero nosotros podemos decidir si eso es lo que queremos o no, pero ellos no", afirmó.
Recordó su niñez en Bogotá, cuando entró en contacto con el jazz latino, el mambo, la música de Tito Puente, "del Nueva York de los años 70" y que sus abuelos escuchaban "porque mi tío Eddie Martínez, que es pianista" tocaba con varias de esas orquestas.
"Crecí con esa música, que no era la que usualmente se oía en Bogotá para esa época", señaló y agregó que cuando tenía entre 7 y 8 años sus abuelos murieron "y ahí se acabó mi contacto con esa música y me volví 'un niño normal' que escuchaba pop y rock en la radio".
Sin embargo, agregó, pasaba mucho tiempo solo en la casa porque su madre trabajaba, lo que el dio la oportunidad de "rebuscar y escuchar otra vez los discos de sus abuelos".
"Como a los doce o trece era fanático de 'Superman' y recordé que había un disco que lo tenía en su carátula y que mi abuela ponía mucho", señaló al referirse al disco "Indestructible" del percusionista puertorriqueño Ray Barreto.
"Ahí decido que quería ser como Barreto. Encontré en él esa fuerza, el motor que me inspiró. En esa época en la sociedad bogotana no se escuchaba salsa en la radio, era muy rockera, muy americanizada", indicó.
Argumentó que a diferencia de otros congueros, "no crecí rodeado de tambores. Yo ponía los discos en mi apartamento y me imaginaba a Nueva York y el Caribe en mi mente, es algo que siento en mi alma, en la sangre", argumentó.
"Los tambores hicieron que los vecinos me enviaran a la policía constantemente", recordó entre risas Torres, que a los 15 años dedicaba las horas del día a estudiar en el colegio católico, a tomar cursos de música en la Universidad Javeriana de Bogotá, y algunas noches a tocar con diversos grupos en clubes de la capital.
"En los bares los empleados y músicos me cuidaban mucho" porque era menor", comentó.
El entonces adolescente mantuvo en secreto su vida nocturna para evitar ser expulsado del estricto colegio católico al que asistía.
Tras terminar la universidad, donde estudió música clásica, Torres trabajó varios años en su país donde se dio a conocer haciendo música y los arreglos para culebrones como "Perro amor", que le valió premios, y para películas como "Golpe de estadio" de Sergio Cabrera.
Sin embargo, su sueño de ser músico de jazz latino seguía latente, por lo que a los 21 años se estableció en Miami, donde comenzó a trabajar con Arturo Sandoval "preparándome para venir a Nueva York", lo que finalmente hizo en 2002.
"Ya me conocían por los cuatro años con Sandoval y me dejaban tocar en las 'descargas' en los clubes", donde además conoció a Barreto, con quien compartió tarima, así como con otros importantes músicos, señaló.
"Aquí empecé a hacer mi carrera en el jazz latino y he cumplido mi sueño, aunque aún me falta mucho por hacer. La realidad es que ha sido difícil, pero hay un nivel de músicos buenos, con los que has soñado y te han inspirado y me han dado la oportunidad de trabajar y eso hace que encuentres tu propia voz", manifestó.
SAMUELITO TORRES nuestro "Manenguito criollo" cumplió su cometido con su primera producción discográfica titulada SKIN TONES (me atreví a traducirla como TONOS DEL CUERO). Sorprende y hace reaccionar al melómano del jazz y la música latina, no solo por la calidad en la produccion y grabacion que es vital en este tiempo, sino por el multitalento que esgrime su protagonista al componer, hacer los arreglos y tocar conga al estilo atrevido y progresivo de un Giovanni Hidalgo, Anga, Joel y Poleo (que son palabras mayores), claro sin olvidar esa milenaria herencia de Chano, Mongo, El Niño Alfonso y Tata.
Este joven "rolo bogotano" con pinta de estudiante decente de la Universidad Javeriana tiene un background (yo lo traduciria "recorrido") que incluye 4 años con el exigente e implacable Arturo Sandoval, festivales de jazz en Japón, Usa y Europa, Segundo puesto en el dificilísimo concurso de jazz a mano libre en percusión de Thelonious Monk y sobrevivir en el dificil ambiente newyorkino del jazz latino donde ya es reconocido y aplaudido.
LOS TONOS DEL CUERO de Samuel Torres reitera que en estos dias la profesión de conguero no se limita a la "guaperia" de meterle mano fuerte al tambor y que se puede hacer un arcoiris de música alrededor del cuero, si se estudia, se escucha, se aprende y se inspira como lo ha hecho con dedicación, técnica y disciplina el joven Torres.
El recorrido por los surcos de este apasionante disco compacto autofinanciado como muchos otros buenos productos alternativos que no tienen "mecenas" en este oscuro tiempo musical en que hasta los "secretos" grammy ya se sabe quiénes se los ganan y quienes los otorgan, abre con un montuno loco, que calienta el cd desde los primeros acordes, y prepara al oyente para un viaje musical que te lleva desde la madre patria, la de los gitanos y su rumba, pasando por Colombia, a Brazil, el medio oriente y termina en el subway número 7 rumbo a Queens, New York. En medio de todo este "ajiaco musical" a punto de hervir nos apacigua la voz de una sirena de nombre Julia Dollinson.
Los créditos de los músicos acompañantes demuestran que Samuel y sus Tonos de Piel merecen el aplauso (la standing ovation diría yo) y el respeto de la comunidad del jazz latino internacional. Con Ernesto Simpson en la bateria, con John Benitez en el bajo y Hector Martinong en el piano "haciendo tierra" (término eléctrico que evita los cortos circuitos) un virtuoso conguero como Samuel pudo ir del cielo al infierno, arrebatarse por las 4 congas y volver a la realidad (en otras palabras al afinque que a veces lo pierden los velocistas del tambor) con toda la tranquilidad y seguridad que este triángulo de las Bermudas musicales registro en esta singular grabación.
SKIN TONES y Samuel Torres nuestro "Giovanni colombiano" ya entró en el listado de los "grammy underground" 2005-2006 que lo otorgan los anónimos compradores y melómanos de buen latin jazz en el mundo!
Samuelito "sacaste la cédula" y te la comiste!
Altísimamente Recomendado
Gary Domínguez
Temas Músicos
1. Crazy montuno
2. Interlude one
3. Saying goodbye
4. Interlude two
5. Observatory
6. Rumba con Maria
7. Ajiaco (colombian potato soup)
8. The key
9. Skintones
10. October 22nd
11. Express to Queens
12. Fairy tale
13. Interlude three
14. Ajiaco (radio version)
15. Observatory (radio version)
16. Crazy montuno (radio version)
17. The key (radio version)



John Benitez - Bajo
Hector Martignon - Piano
Julia Dollison - Vocal
Mike Rodríguez - Trompeta
Ernesto Simpson - Tambores, Cencerro, EFX
Mike Campagna - Saxo Tenor
Edmar Castañeda - Arpa
Ralph Irizarry - Timbal
Wolfgang Barros - Maracón Colombiano
Samuel Torres - Congas, Percusión, Fender Rhodes, EFX, Piano